Balearic Islands PAU Artistic Drawing II cheat sheet

Análisis formal: descomponer la forma en ejes (líneas de fuerza), contornos, masas y volúmenes internos antes de dibujar; la síntesis reduce esas variables a pocas decisiones gráficas.

Estructura geométrica básica: toda forma orgánica se inscribe primero en primitivas (cilindro, esfera, prisma, cono); el encaje usa ejes de simetría y líneas de proporción, no detalles.

Proporción: se verifica midiendo con el lápiz o el visor (unidad de medida repetida); la relación entre partes se mantiene aunque cambie la escala del dibujo.

Escorzo: un eje perpendicular a la línea de visión se acorta según el coseno del ángulo; a 60° se reduce a la mitad, por eso los círculos vistos en perspectiva se vuelven elipses.

Síntesis gráfica: sustituir el contorno descriptivo por manchas, masas de valor o trazos direccionales; criterio de decisión: conservar lo que define la estructura y eliminar lo que solo describe textura.

Abstracción progresiva: grados de iconicidad decreciente (realista, esquemático, simbólico, geométrico); cada grado elimina información manteniendo la lectura de la forma.

Canon y módulo: la figura humana se organiza por módulos (cabeza, mano) que fijan proporciones; el canon cambia por época y cultura, no es universal.

Simetría, asimetría y ritmo: la simetría genera estabilidad; la asimetría compensada y la repetición con variación generan ritmo y tensión visual.

Perspectiva cónica: plano de cuadro, línea de horizonte, punto de fuga (PF) y punto de vista (PV); las paralelas al plano de cuadro no fugan, las oblicuas convergen en PF.

Regla de alturas: en perspectiva cónica con un solo PF, todas las verticales permanecen verticales; la altura aparente de objetos iguales decrece proporcionalmente a su distancia.

Dos puntos de fuga: se usan cuando las aristas del volumen son oblicuas al plano de cuadro; los PF de direcciones perpendiculares entre sí están siempre sobre la misma línea de horizonte.

Perspectiva axonométrica: isométrica (ejes a 120°, escala igual en los tres), dimétrica y trimétrica; las paralelas no convergen, sirve para medir sin fugas.

Perspectiva caballera y militar: una cara paralela al plano de cuadro a escala real y el eje de profundidad reducido (a menudo 1/2); útil para volúmenes técnicos.

Perspectiva aérea o atmosférica: contraste, saturación y nitidez disminuyen con la distancia; los tonos se acercan al color del aire, normalmente más claro y frío.

Profundidad por superposición y gradiente de textura: lo que oculta a otro está delante; la densidad de textura aumenta hacia el fondo.

Composición: tercios y sección áurea (proporción ≈ 1,618) como rejillas de decisión; peso visual, equilibrio, direccionales y punto de interés se controlan con la posición en el marco.

Escala de valor: graduación de blanco a negro en pasos; un dibujo tonal correcto mantiene la relación entre valores aunque cambie la gama (clave alta o baja).

Luz y sombra en un volumen: luz directa, luz reflejada, sombra propia, sombra proyectada y brillo especular; el núcleo de sombra propia es el valor más oscuro del cuerpo.

Claroscuro: modelado por transición gradual de valores; el tenebrismo reduce la gama a pocos valores y usa contrastes fuertes para dirigir la atención.

Dirección de la luz: define la lectura del volumen; luz frontal aplana, luz lateral modela, contraluz convierte el objeto en silueta.

Círculo cromático: colores primarios (en pigmento: cian, magenta, amarillo), secundarios por mezcla de dos primarios y terciarios por primario más secundario adyacente.

Armonía y contraste: complementarios (opuestos en el círculo) producen contraste máximo y se neutralizan al mezclarse; análogos comparten familia y generan armonía.

Propiedades del color: tono (matiz), valor (claridad) y saturación (intensidad); el valor es el que sostiene la lectura de la forma.

Temperatura y peso: cálidos (rojo, naranja, amarillo) avanzan y pesan visualmente; fríos (azul, verde) retroceden; la mezcla con complementario o con blanco/negro altera saturación y temperatura.

Grafito: dureza H (duro, trazo claro y preciso) a B (blando, oscuro y graso); la numeración crece hacia los extremos (9H, 9B).

Carboncillo y sanguina: carbón vegetal para negros profundos y difuminados amplios; se fija con fijador porque se borra con facilidad; la sanguina da gamas cálidas de rojo tierra.

Tinta y plumilla: trazo no modulable por presión; el valor se logra por densidad de tramado (rayado, cruzado, punteado) o por aguada diluida.

Lápiz de color y pastel: se construyen por capas; el pastel admite mezcla por frotado y requiere soporte con grano y fijado; los colores se superponen de claro a oscuro.

Soportes: papel de grano grueso retiene pigmento seco; el satinado favorece tinta y grafito fino; el gramaje alto resiste aguadas sin deformarse.

Técnicas húmedas: aguada de tinta o acuarela trabaja de claro a oscuro porque el pigmento es transparente; el blanco se reserva del soporte.

Procedimientos experimentales: frottage (frotado sobre relieve), collage, monotipia, dibujo ciego y dibujo con mano no dominante exploran la huella y el azar controlado.

Conservación y seguridad: el fijador se aplica en capas finas a distancia; los disolventes y pigmentos en polvo requieren ventilación.

Análisis de obra en tres niveles: descripción (qué se ve), análisis formal (cómo está organizado: composición, valor, color, factura) e interpretación (qué significa y en qué contexto).

Factura: la manera de aplicar el material (empaste, veladura, trazo visible o fundido) es un rasgo de estilo tan identificable como el tema.

Vanguardias históricas: cubismo (descomposición y multifocalidad), fauvismo (color autónomo), expresionismo (distorsión emotiva), futurismo (movimiento), surrealismo (inconsciente).

Arte abstracto: la abstracción geométrica parte de la forma construida; la abstracción lírica, de la mancha y el gesto; ambas renuncian a la mímesis sin renunciar a la estructura.

Arte contemporáneo: instalación, performance, arte conceptual y land art desplazan el valor de la obra del objeto al proceso, la idea o el contexto.

Conceptos estéticos: mímesis (imitación), poiesis (producción), catarsis, sublime (belleza que desborda), kitsch y apropiación.

Lectura de imágenes: denotación (significado literal) y connotación (valores culturales); encuadre, angulación y punto de vista condicionan el mensaje.

Contexto: una obra se interpreta con su marco histórico, su comitente o función (religiosa, política, comercial) y su circuito de difusión.

Fases del proyecto: enunciado y condicionantes, investigación y referentes, bocetos exploratorios, selección, desarrollo y obra final; cada fase se documenta en el cuaderno.

Boceto: prueba rápida de encuadre, composición y valores; se hacen varias alternativas (mínimo tres) antes de elegir, para evitar fijar la primera idea.

Cuaderno de proceso: recoge fuentes, pruebas de material, paleta, correcciones y fecha; es evidencia evaluable del razonamiento, no solo del resultado.

Criterios de selección: coherencia con el enunciado, legibilidad de la forma, equilibrio compositivo y viabilidad técnica dentro del tiempo disponible.

Del boceto a la obra final: se amplía con rejilla o proyección; conviene resolver primero la estructura y los grandes valores y dejar el detalle para el final.

Planificación del tiempo: reservar aproximadamente un tercio del tiempo para encaje y bloqueo, otro para desarrollo y un último tramo para ajustes y revisión.

Autoevaluación: contrastar la obra con el enunciado y con los bocetos; verificar proporción, perspectiva, coherencia tonal y acabado.

Presentación: título, formato, técnica y una breve memoria que explique decisiones y referentes completan la entrega del proyecto.

Análisis formal: descomponer la forma en ejes (líneas de fuerza), contornos, masas y volúmenes internos antes de dibujar; la síntesis reduce esas variables a pocas decisiones gráficas.

Estructura geométrica básica: toda forma orgánica se inscribe primero en primitivas (cilindro, esfera, prisma, cono); el encaje usa ejes de simetría y líneas de proporción, no detalles.

Proporción: se verifica midiendo con el lápiz o el visor (unidad de medida repetida); la relación entre partes se mantiene aunque cambie la escala del dibujo.

Escorzo: un eje perpendicular a la línea de visión se acorta según el coseno del ángulo; a 60° se reduce a la mitad, por eso los círculos vistos en perspectiva se vuelven elipses.

Síntesis gráfica: sustituir el contorno descriptivo por manchas, masas de valor o trazos direccionales; criterio de decisión: conservar lo que define la estructura y eliminar lo que solo describe textura.

Abstracción progresiva: grados de iconicidad decreciente (realista, esquemático, simbólico, geométrico); cada grado elimina información manteniendo la lectura de la forma.

Canon y módulo: la figura humana se organiza por módulos (cabeza, mano) que fijan proporciones; el canon cambia por época y cultura, no es universal.

Simetría, asimetría y ritmo: la simetría genera estabilidad; la asimetría compensada y la repetición con variación generan ritmo y tensión visual.

Perspectiva cónica: plano de cuadro, línea de horizonte, punto de fuga (PF) y punto de vista (PV); las paralelas al plano de cuadro no fugan, las oblicuas convergen en PF.

Regla de alturas: en perspectiva cónica con un solo PF, todas las verticales permanecen verticales; la altura aparente de objetos iguales decrece proporcionalmente a su distancia.

Dos puntos de fuga: se usan cuando las aristas del volumen son oblicuas al plano de cuadro; los PF de direcciones perpendiculares entre sí están siempre sobre la misma línea de horizonte.

Perspectiva axonométrica: isométrica (ejes a 120°, escala igual en los tres), dimétrica y trimétrica; las paralelas no convergen, sirve para medir sin fugas.

Perspectiva caballera y militar: una cara paralela al plano de cuadro a escala real y el eje de profundidad reducido (a menudo 1/2); útil para volúmenes técnicos.

Perspectiva aérea o atmosférica: contraste, saturación y nitidez disminuyen con la distancia; los tonos se acercan al color del aire, normalmente más claro y frío.

Profundidad por superposición y gradiente de textura: lo que oculta a otro está delante; la densidad de textura aumenta hacia el fondo.

Composición: tercios y sección áurea (proporción ≈ 1,618) como rejillas de decisión; peso visual, equilibrio, direccionales y punto de interés se controlan con la posición en el marco.

Escala de valor: graduación de blanco a negro en pasos; un dibujo tonal correcto mantiene la relación entre valores aunque cambie la gama (clave alta o baja).

Luz y sombra en un volumen: luz directa, luz reflejada, sombra propia, sombra proyectada y brillo especular; el núcleo de sombra propia es el valor más oscuro del cuerpo.

Claroscuro: modelado por transición gradual de valores; el tenebrismo reduce la gama a pocos valores y usa contrastes fuertes para dirigir la atención.

Dirección de la luz: define la lectura del volumen; luz frontal aplana, luz lateral modela, contraluz convierte el objeto en silueta.

Círculo cromático: colores primarios (en pigmento: cian, magenta, amarillo), secundarios por mezcla de dos primarios y terciarios por primario más secundario adyacente.

Armonía y contraste: complementarios (opuestos en el círculo) producen contraste máximo y se neutralizan al mezclarse; análogos comparten familia y generan armonía.

Propiedades del color: tono (matiz), valor (claridad) y saturación (intensidad); el valor es el que sostiene la lectura de la forma.

Temperatura y peso: cálidos (rojo, naranja, amarillo) avanzan y pesan visualmente; fríos (azul, verde) retroceden; la mezcla con complementario o con blanco/negro altera saturación y temperatura.

Grafito: dureza H (duro, trazo claro y preciso) a B (blando, oscuro y graso); la numeración crece hacia los extremos (9H, 9B).

Carboncillo y sanguina: carbón vegetal para negros profundos y difuminados amplios; se fija con fijador porque se borra con facilidad; la sanguina da gamas cálidas de rojo tierra.

Tinta y plumilla: trazo no modulable por presión; el valor se logra por densidad de tramado (rayado, cruzado, punteado) o por aguada diluida.

Lápiz de color y pastel: se construyen por capas; el pastel admite mezcla por frotado y requiere soporte con grano y fijado; los colores se superponen de claro a oscuro.

Soportes: papel de grano grueso retiene pigmento seco; el satinado favorece tinta y grafito fino; el gramaje alto resiste aguadas sin deformarse.

Técnicas húmedas: aguada de tinta o acuarela trabaja de claro a oscuro porque el pigmento es transparente; el blanco se reserva del soporte.

Procedimientos experimentales: frottage (frotado sobre relieve), collage, monotipia, dibujo ciego y dibujo con mano no dominante exploran la huella y el azar controlado.

Conservación y seguridad: el fijador se aplica en capas finas a distancia; los disolventes y pigmentos en polvo requieren ventilación.

Análisis de obra en tres niveles: descripción (qué se ve), análisis formal (cómo está organizado: composición, valor, color, factura) e interpretación (qué significa y en qué contexto).

Factura: la manera de aplicar el material (empaste, veladura, trazo visible o fundido) es un rasgo de estilo tan identificable como el tema.

Vanguardias históricas: cubismo (descomposición y multifocalidad), fauvismo (color autónomo), expresionismo (distorsión emotiva), futurismo (movimiento), surrealismo (inconsciente).

Arte abstracto: la abstracción geométrica parte de la forma construida; la abstracción lírica, de la mancha y el gesto; ambas renuncian a la mímesis sin renunciar a la estructura.

Arte contemporáneo: instalación, performance, arte conceptual y land art desplazan el valor de la obra del objeto al proceso, la idea o el contexto.

Conceptos estéticos: mímesis (imitación), poiesis (producción), catarsis, sublime (belleza que desborda), kitsch y apropiación.

Lectura de imágenes: denotación (significado literal) y connotación (valores culturales); encuadre, angulación y punto de vista condicionan el mensaje.

Contexto: una obra se interpreta con su marco histórico, su comitente o función (religiosa, política, comercial) y su circuito de difusión.

Fases del proyecto: enunciado y condicionantes, investigación y referentes, bocetos exploratorios, selección, desarrollo y obra final; cada fase se documenta en el cuaderno.

Boceto: prueba rápida de encuadre, composición y valores; se hacen varias alternativas (mínimo tres) antes de elegir, para evitar fijar la primera idea.

Cuaderno de proceso: recoge fuentes, pruebas de material, paleta, correcciones y fecha; es evidencia evaluable del razonamiento, no solo del resultado.

Criterios de selección: coherencia con el enunciado, legibilidad de la forma, equilibrio compositivo y viabilidad técnica dentro del tiempo disponible.

Del boceto a la obra final: se amplía con rejilla o proyección; conviene resolver primero la estructura y los grandes valores y dejar el detalle para el final.

Planificación del tiempo: reservar aproximadamente un tercio del tiempo para encaje y bloqueo, otro para desarrollo y un último tramo para ajustes y revisión.

Autoevaluación: contrastar la obra con el enunciado y con los bocetos; verificar proporción, perspectiva, coherencia tonal y acabado.

Presentación: título, formato, técnica y una breve memoria que explique decisiones y referentes completan la entrega del proyecto.