PAU Artistic Drawing II (Canary Islands) cheat sheet

Contorno aparente: línea que separa la silueta de una figura del fondo; cambia con cada punto de vista del observador.

Figura-fondo: la lectura perceptiva alterna entre zona positiva (figura) y negativa (fondo); el espacio negativo tiene forma propia y delimita el positivo.

Ley de cierre (Gestalt): la mente completa contornos incompletos; un dibujo puede sugerir una forma sin dibujar todo su borde.

Ley de proximidad y semejanza: elementos cercanos o parecidos se agrupan perceptivamente en una misma unidad visual.

Ejes y líneas de fuerza: ejes de simetría, verticales y diagonales organizan la estructura interna de la forma antes de detallar.

Encaje por cajas y polígonos: reducir la figura a formas geométricas simples permite comparar proporciones y ángulos con precisión.

Escorzo: acortamiento aparente de un cuerpo o miembro orientado hacia el observador; se analiza comparando longitudes reales y proyectadas.

Constancia perceptiva: el cerebro tiende a ver tamaños y colores 'reales' aunque la imagen retiniana varíe; el dibujo del natural exige medir, no suponer.

Regla de los tercios: dividir el formato en tres franjas horizontales y verticales; los puntos de intersección actúan como focos de atención.

Peso visual: la masa, el contraste y la saturación atraen la mirada; un elemento oscuro y grande pesa más que uno claro y pequeño.

Tipos de ritmo: repetición, alternancia y progresión generan movimiento; la repetición sin variación produce monotonía.

Línea de horizonte y punto de fuga determinan la dirección de las líneas maestras; las diagonales refuerzan dinamismo, las horizontales reposo.

Contraste de texturas: la oposición entre zonas lisas y rugosas crea profundidad sin necesidad de valor tonal.

Jerarquía: un único centro de interés dominante; si compiten dos focos de igual intensidad, la composición se dispersa.

Silueta legible: la forma debe reconocerse en negro plano; si la silueta no funciona, el detalle no la salva.

Tensión de bordes: elementos que casi se tocan o salen del formato generan tensión; el aire alrededor de la figura la aísla o la ahoga.

Perspectiva cónica: planos paralelos convergen en un punto de fuga sobre la línea de horizonte; a la altura del ojo del observador.

Un punto de fuga: frontal al plano del cuadro; dos puntos: visión en esquina; tres puntos: añade fuga vertical para picados y contrapicados.

Escala por profundidad: un objeto de altura real H a distancia d se proyecta con altura h proporcional a 1/d; duplicar la distancia reduce a la mitad su tamaño aparente.

Perspectiva isométrica: ejes a 120° entre sí, sin fugas, medidas constantes; útil para volumen sin deformación.

Perspectiva caballera: frente sin deformar y eje de profundidad oblicuo, generalmente a 45° con reducción a la mitad.

Superposición: el objeto que tapa a otro se lee como más próximo; es el indicador de profundidad más fiable sin líneas de fuga.

Gradiente de textura y de detalle: la densidad de detalle disminuye con la distancia; refuerza la profundidad atmosférica.

Plano del cuadro y cono visual: el ángulo visual cómodo ronda 45-60°; ángulos mayores producen deformaciones periféricas.

Canon de ocho cabezas: la altura total del cuerpo adulto equivale aproximadamente a 7,5-8 cabezas; el punto medio cae en la sínfisis púbica.

División por tercios: cabeza, tórax y pelvis con extremidades ocupan franjas comparables; el codo a la altura de la cintura, la muñeca en el trocánter.

Línea de acción: curva continua que recorre la columna y resume el gesto; debe trazarse antes que el contorno.

Contraposto: el peso sobre una pierna inclina la pelvis y el hombro en sentidos opuestos; crea curva en S en la columna.

Caja torácica y pelvis como volúmenes rígidos unidos por el torso flexible; su orientación relativa define el escorzo del tronco.

Mano: palma equivalente a la cara; el dedo corazón es el más largo; la articulación del pulgar se sitúa en el tercio proximal.

Cabeza: ojos en el ecuador del cráneo, no en la parte superior; distancia entre ojos similar a la anchura de un ojo.

Escorzo de miembros: un brazo dirigido al observador se acorta y el hombro se superpone al codo; el antebrazo se acorta más que el brazo.

Escala de valores: graduación entre blanco del papel y negro máximo; el dibujo tonal se organiza en 5-9 pasos discretos.

Luz y sombra: luz principal, luz reflejada, sombra propia, sombra proyectada y brillo especular son las cinco zonas del claroscuro.

Dirección de la luz: frontal aplana el volumen; lateral lo acentúa; contraluz reduce la forma a silueta con halo.

Sombra propia y proyectada: la primera pertenece al objeto y sigue su forma; la segunda cae sobre el plano o sobre otros cuerpos.

Color: matiz (nombre), valor (claridad) y saturación (pureza) son sus tres atributos; el valor ordena la lectura antes que el matiz.

Mezcla sustractiva: cian, magenta y amarillo como primarios; la mezcla de complementarios produce neutros y reduce la saturación.

Temperatura: cálidos (rojo, naranja) avanzan; fríos (azul, verde) retroceden; útil para separar planos de profundidad.

Luz reflejada: nunca supera en valor a la zona de luz directa; si se iguala, el volumen se aplana.

Grafito: dureza H (duro, trazo claro) a B (blando, trazo oscuro); 2H para encaje, 2B-6B para sombra.

Carboncillo: alto contraste y fácil difuminado; se fija con fijador y se borra con goma maleable o trapo.

Tinta: plumilla, caña o pincel; el trazo no se corrige, exige planificación; el achurado y el reservado en blanco son recursos clave.

Sanguina y creta: tonos cálidos sobre papel coloreado; el blanco se reserva para las luces.

Pastel: pigmento seco con poca carga de aglutinante; se aplica por capas y se funde con dedo o difumino.

Soportes: papel de grano grueso retiene pigmento y textura; el satinado favorece trazos nítidos y detalles finos.

Gramaje y encolado: papeles de 200-300 g/m² resisten técnicas húmedas sin deformarse; el encolado evita que la tinta se corra.

Achurado y tramado: líneas paralelas o cruzadas de densidad creciente generan valor sin difuminar; el tramado cruzado duplica la densidad.

Renacimiento: Alberti y Piero della Francesca sistematizan la perspectiva; el dibujo se convierte en base del proyecto artístico.

Cuadernos de dibujo: Durero y Leonardo combinan estudio del natural, anatomía y proporción; el dibujo como investigación.

Academia: desde el siglo XVII-XVIII impone el estudio del yeso y del desnudo; el dibujo como disciplina formativa reglada.

Dibujo moderno: desde finales del siglo XIX el trazo se libera de la función descriptiva y adquiere valor autónomo (Cézanne, Seurat, Matisse).

Vanguardias: el dibujo automático y el collage amplían los límites del medio; el boceto pasa a obra final.

Tradición canaria: el dibujo de paisaje y el costumbrismo insular del siglo XIX y XX vinculan la práctica al territorio y a la luz atlántica.

Dibujo contemporáneo: convive con instalación, vídeo y dibujo digital; la línea mantiene su papel como lenguaje de pensamiento.

Función del boceto: registro de ideas, estudio preparatorio y obra autónoma; su valor no depende del acabado.