Canary Islands PAU Performing Arts II key terms

Tensión entre fuerzas o voluntades opuestas que impulsa la acción de una obra teatral y sostiene el interés del espectador hasta el desenlace.

Cadena de hechos y decisiones de los personajes que hace avanzar la obra hacia un cambio de situación, distinta de la simple narración de sucesos.

Giro brusco de la fortuna del protagonista que invierte el rumbo de la acción, tal como lo describió Aristóteles en la tragedia clásica.

Reconocimiento o descubrimiento que modifica el conocimiento que un personaje tiene de sí mismo o de otro, provocando un cambio decisivo en la trama.

Efecto de purificación emocional que, según la Poética aristotélica, produce en el público la compasión y el temor suscitados por la tragedia.

Género dramático en que un personaje de elevada condición se enfrenta a un destino adverso y sufre una caída que provoca compasión y temor.

Género dramático que representa conflictos humanos desde el humor o la ironía, con personajes de condición media o baja y desenlace habitualmente favorable.

Arte de componer o reelaborar un texto para la escena, decidiendo qué se cuenta, en qué orden y con qué recursos escénicos se materializa.

Conjunto de signos que la representación produce más allá de la palabra: gesto, luz, espacio, sonido y vestuario, que construyen el sentido para el público.

Conjunto de decisiones artísticas y técnicas con que el director organiza la representación de un texto o de una idea escénica ante el público.

Tarea de coordinar la interpretación, el espacio, la luz, el sonido y el ritmo de la función para dar coherencia a la propuesta teatral.

Significado que un personaje o una situación comunican sin decirlo con palabras, y que el intérprete debe hacer perceptible mediante la actuación.

Aquello que un personaje persigue en cada escena y que motiva sus palabras y sus actos, dando dirección concreta al trabajo interpretativo.

Secuencia fijada de acciones físicas y psíquicas que el intérprete repite en cada función para sostener la verdad escénica del personaje.

Convención por la que los intérpretes actúan como si el público no existiera, ignorando la sala y viviendo la escena como un espacio cerrado.

Recurso por el que el intérprete se dirige directamente al público, reconoce su presencia o abandona la ilusión de realidad de la ficción.

Procedimiento por el que la obra muestra sus propios mecanismos teatrales, por ejemplo con personajes que actúan, ensayan o comentan la ficción.

Estructura en que una obra incluye la representación de otra dentro de su trama, duplicando los niveles de ficción y de público.

Diseño del espacio escénico mediante decorados, estructuras y objetos que sitúan la acción y definen su atmósfera visual ante el espectador.

Lugar físico y simbólico donde ocurre la representación, incluyendo su relación con el público y los recorridos de los intérpretes.

Disposición frontal con el público a un solo lado y un marco de embocadura que separa sala y escena, típica de los teatros construidos desde el siglo XVII.

Conjunto de objetos pequeños que los intérpretes manejan o usan en escena y que forman parte de la acción dramática.

Conjunto de prendas que viste el intérprete para caracterizar al personaje y que comunica época, condición social y estado emocional.

Trabajo de maquillaje, peluquería y vestuario que transforma la apariencia del intérprete para acercarlo al personaje que representa.

Objeto que cubre el rostro del intérprete y sustituye su expresión por una fija, con gran peso en el teatro griego y en ciertas tradiciones rituales.

Uso controlado de la luz para hacer visible la acción, crear atmósferas, marcar focos de atención y delimitar el espacio dramático.

Planificación de músicas, efectos y ambientes acústicos que acompañan la representación y condicionan la percepción emocional del público.

Grupo que en el teatro griego canta, danza y comenta la acción, actuando como voz colectiva que media entre la escena y el público.

Espacio circular del teatro clásico donde el coro danzaba y cantaba, situado entre la escena y las gradas del público.

Edificio y práctica escénica de la Grecia clásica, con gradas al aire libre, orquesta circular y obras de tema mítico representadas en festivales religiosos.

Forma teatral italiana de los siglos XVI a XVIII basada en la improvisación sobre un guion, con personajes fijos enmascarados y gran despliegue corporal.

Gag o rutina cómica breve que los actores de la Comedia del Arte intercalaban improvisadamente en la trama para provocar la risa del público.

Pieza cómica breve del teatro áureo español, representada entre los actos de una comedia mayor y protagonizada por tipos populares.

Composición breve de elogio que abría el espectáculo teatral en el Siglo de Oro, dirigida al público o a la ciudad que acogía la función.

Obra en un acto, de tema eucarístico y personajes alegóricos, representada en el Corpus Christi, con gran desarrollo escénico en el Barroco español.

Procedimiento por el que personajes o acciones representan ideas abstractas, como la Virtud o la Muerte, de modo reconocible para el público.

Producción escénica de las Islas Canarias, marcada por compañías locales, festivales insulares y textos que abordan la insularidad y la memoria del archipiélago.

Corriente de mediados del siglo XX que rompe la lógica causal y el diálogo coherente para expresar la falta de sentido de la existencia.

Práctica contemporánea que desplaza el texto como centro y trabaja con imágenes, cuerpos, espacio y tecnología como materiales escénicos autónomos.

Práctica artística en que el cuerpo y la acción en tiempo real, ante o sin público, sustituyen a la representación de un personaje ficticio.

Montaje concebido para un lugar concreto, cuyas características físicas e históricas determinan la dramaturgia y la relación con los espectadores.

Sesión de trabajo en que el equipo prepara la función, fijando movimientos, texto, ritmo y decisiones técnicas antes del estreno.

Profesional que asesora sobre la estructura del texto, su contexto y sus adaptaciones, sin sustituir al director ni al autor.

Reescritura de un texto previo para llevarlo a escena, ajustando estructura, personajes o época a las necesidades de una nueva producción.

Principio clásico según el cual la obra debe desarrollar una sola trama principal con episodios subordinados a ella.

Análisis razonado de un espectáculo que valora sus decisiones escénicas y lo sitúa en su contexto, orientando al público y al propio sector.

Proceso por el que el público interpreta y responde a un espectáculo según su experiencia, su contexto cultural y las condiciones de la sala.