PAU Dramatic Literature (Extremadura) key terms

Texto secundario, normalmente en cursiva o entre paréntesis, que indica escenografía, vestuario, gestos o tono. No se pronuncia en escena y guía la puesta en escena y la lectura del conflicto.

Información escénica que el espectador deduce del diálogo sin que aparezca en una acotación: hora, lugar, clase social o pasado de los personajes, revelados por lo que dicen y cómo lo dicen.

Intercambio verbal entre personajes que hace avanzar la acción. Cada réplica responde a la anterior y crea tensión; a diferencia de la conversación cotidiana, está construido y dosificado por el autor.

Discurso extenso de un personaje que habla sin interlocutor presente o sin esperar respuesta. Revela su interioridad y puede detener la acción para mostrar reflexión, duda o justificación.

Variante del monólogo en la que el personaje, solo en escena, expresa en voz alta pensamientos que no dirige a nadie. El público escucha una intimidad que otros personajes ignoran.

Réplica breve que un personaje pronuncia fingiendo que los demás no la oyen, o que dirige directamente al público. Rompe la ilusión realista y crea complicidad con el espectador.

Situación en que el espectador sabe algo que el personaje ignora, de modo que sus palabras adquieren un sentido que él no percibe. Genera suspense, compasión o humor amargo.

Procedimiento por el que la obra reflexiona sobre el hecho teatral: personajes que ensayan, representan o comentan una pieza dentro de la pieza. Cuestiona la frontera entre ficción y realidad.

Técnica metateatral concreta en la que los personajes asisten o participan en una representación interna. Sirve para contrastar niveles de realidad y para comentar irónicamente la convención escénica.

Recurso por el que un actor se dirige al público reconociendo que está en un teatro. Elimina la separación imaginaria entre escenario y sala, y acerca la obra al espectador o lo interpela directamente.

Oposición de fuerzas o voluntades que sostiene la acción: entre personajes, entre un personaje y su medio, o dentro de él mismo. Sin conflicto no hay tensión ni progresión teatral.

Personaje que soporta el peso de la acción y cuyo deseo o decisión organiza la trama. El espectador sigue su evolución y suele identificarse con él o compadecerlo.

Fuerza o personaje que se opone al protagonista y provoca el conflicto. No siempre es un villano: puede ser una institución, una convención social o una parte del propio protagonista.

Grupo que actúa y habla como una entidad única, sin individualización psicológica. Es frecuente en el teatro social y experimental para representar a una clase o comunidad.

Estructura clásica en tres partes: presentación de personajes y conflicto, desarrollo con complicaciones crecientes y resolución final. Sirve como esqueleto para analizar la arquitectura de una obra.

Momento de máxima tensión en que el conflicto alcanza su punto crítico y se hace inevitable una decisión o revelación. A partir de él, la acción solo puede resolverse.

Cambio brusco de la fortuna del protagonista, que invierte el rumbo de la acción. Término tomado de la Poética de Aristóteles y aplicable al análisis de giros argumentales.

Reconocimiento o descubrimiento que transforma la situación: un personaje descubre una identidad, un engaño o una verdad oculta. Suele coincidir con la peripecia y provoca el desenlace.

Lugar donde transcurre la acción, construido por acotaciones y diálogo. Puede ser único o múltiple, realista o simbólico, y condiciona el tono y las posibilidades de movimiento de los personajes.

Convención clásica según la cual toda la acción ocurre en un solo espacio. Su respeto o transgresión influye en la verosimilitud y en el ritmo de la pieza.

Norma clásica que limita la acción a un lapso breve, idealmente un día. El teatro moderno la rompe con saltos temporales, flashbacks y escenas simultáneas.

Precepto clasicista que exige unidad de acción, lugar y tiempo. Su flexibilización desde el Romanticismo explica gran parte de la libertad estructural del teatro contemporáneo.

Género que presenta a un personaje de elevada condición enfrentado a un destino adverso, con desenlace fatal. Provoca compasión y temor y plantea conflictos morales o existenciales.

Género de tono ligero que muestra conflictos cotidianos con final feliz, basado en equívocos, ingenio y crítica de costumbres. Busca la risa y, a menudo, la corrección moral.

Obra que mezcla elementos trágicos y cómicos sin separarlos en niveles estancos. Refleja la ambigüedad de la vida y es forma dominante en el teatro moderno y contemporáneo.

En sentido amplio, cualquier obra teatral; en sentido restringido, pieza seria de conflicto humano sin desenlace necesariamente fatal. Se centra en la psicología y el choque de voluntades.

Forma creada por Ramón del Valle-Inclán que deforma la realidad mediante la caricatura, el contraste y la animalización para mostrar lo grotesco. La mirada se eleva y contempla el mundo como un espejo cóncavo.

Pieza breve y cómica de ambiente popular, con tipos y habla coloquial, que retrata costumbres urbanas. Los hermanos Álvarez Quintero y Arniches cultivaron variantes andaluzas y madrileñas.

Comedia disparatada de Pedro Muñoz Seca basada en el juego verbal, el chiste y la parodia deliberada de la lógica. Renuncia a la verosimilitud en favor de la risa inmediata.

Pieza cómica breve que se representaba entre actos de una obra mayor. Heredero de la tradición del Siglo de Oro, influye en el teatro breve moderno por su tipismo y su ritmo rápido.

Efecto de purificación emocional que el espectador experimenta al contemplar el sufrimiento trágico. Concepto aristotélico que explica la función social y moral del teatro serio.

Grupo de escritores marcados por la crisis de 1898 que reflexionan sobre España, su historia y su identidad. En teatro, Valle-Inclán y Azorín renuevan la escena frente al realismo comercial dominante.

Poetas y dramaturgos de los años veinte y treinta que combinan tradición popular y vanguardia. En teatro destacan Lorca, Alberti y Casona, con experimentación escénica y fuerte carga poética.

Modalidad lorquiana ambientada en el campo andaluz, donde el deseo individual choca con la norma social y el honor. La naturaleza y el coro popular refuerzan el destino trágico.

Corriente que rompe la linealidad, la verosimilitud y el escenario a la italiana mediante símbolos, máscaras, simultaneidad y fragmentación. En España se desarrolla desde los años veinte y se recupera en el teatro experimental posterior.

Producción posterior a 1939 condicionada por la censura y el exilio. Conviven la comedia de evasión, el drama existencial y, desde los cincuenta, el realismo social de denuncia.

Tendencia de los años cincuenta y sesenta que retrata la injusticia, la pobreza y la alienación con lenguaje directo y personajes colectivos. Busca concienciar al espectador sobre la realidad española.

Obra de autores españoles que escriben fuera de España tras la Guerra Civil. Temas de nostalgia, derrota y memoria, con escasa difusión en el interior por razones políticas.

Movimiento de compañías surgido en los años sesenta y setenta al margen del circuito comercial. Prioriza la creación colectiva, el trabajo corporal y la experimentación con el espacio.

Modelo brechtiano que busca distanciar al espectador para que reflexione críticamente en lugar de identificarse. Usa carteles, canciones, narrador y ruptura de la ilusión.

Efecto buscado por el teatro épico que impide la identificación emocional del público. Se logra con comentarios, proyecciones, actuación mostrada y saltos que recuerdan que se asiste a una ficción.

Producción desde los años ochenta hasta hoy, caracterizada por la pluralidad de estéticas, la fragmentación narrativa, la tecnología escénica y el diálogo con la memoria histórica.

Tendencia que desplaza el texto como centro y privilegia la imagen, el cuerpo, el espacio y la experiencia del espectador. La estructura puede ser fragmentaria y sin personajes psicológicos estables.

Conjunto de códigos verbales y no verbales que construyen la obra: diálogo, gesto, escenografía, luz y sonido. El análisis debe integrar todos ellos, no solo el texto escrito.

Ejercicio que analiza un fragmento dramático atendiendo a estructura, personajes, conflicto, espacio y tiempo, lenguaje y contexto. Debe apoyarse en citas breves del propio texto.

Paso del comentario que sitúa la obra y el fragmento en su época, movimiento literario y trayectoria del autor. Permite explicar por qué el texto responde a unas circunstancias concretas.

Propiedad del texto escrito que garantiza unidad temática y progresión lógica de las ideas. En el examen se evalúa que la respuesta mantenga un hilo claro y no contradiga lo afirmado antes.

Conjunto de mecanismos lingüísticos que conectan las partes de un texto: conectores, pronombres, repeticiones y elipsis. Asegura que las oraciones se encadenen con fluidez.

Adecuación del escrito a la norma ortográfica, gramatical y léxica del español. Los errores graves y reiterados penalizan aunque el contenido sea pertinente.