Castilla-La Mancha PAU Choir and Vocal Technique II (Coro y Técnica Vocal II - UCLM 2026) cheat sheet

Respiración costo-diafragmática: la inspiración baja y lateral expande costillas flotantes y zona lumbar; los hombros permanecen quietos y el cuello relajado.

Apoyo (appoggio): equilibrio entre presión subglótica y resistencia glótica; se percibe como sostén abdominal-lumbar sin rigidez ni empuje de garganta.

Presión subglótica mayor implica más esfuerzo cordal: a mayor intensidad o altura, más apoyo y más apertura faríngea, no más tensión de cuello.

Ataque vocal correcto: coordinación de cierre cordal y flujo de aire simultáneos; el ataque aspirado produce soplo y el golpe glótico produce dureza.

Resonancia: el tracto vocal actúa como filtro; el formante del cantante (agrupación de formantes 3-4-5) aporta proyección sin forzar intensidad.

Vocales: /i/ y /u/ tienen formantes extremos que favorecen agudos y oscurecimiento; /a/ y /o/ abren el tracto y sirven de base para el registro medio.

Dicción cantada: consonantes sonoras y vibrantes se articulan con más energía que en el habla; las oclusivas se resuelven rápido para no cortar la línea.

Registro: pecho, medio y cabeza se coordinan con la transición (passaggio) suavizada; el falsete y la voz mixta se controlan con apoyo y ajuste de tracto.

Aparato fonador: fuelle (pulmones, diafragma), fuente (laringe y cuerdas vocales) y filtro (faringe, boca, nariz); el habla y el canto combinan los tres.

Las cuerdas vocales son pliegues con mucosa, ligamento y músculo tiroaritenoideo; su vibración genera la onda sonora glótica.

Músculos clave: cricotiroideo alarga y tensa (agudos); tiroaritenoideo acorta y engrosa (graves); aritenoideos cierran la glotis.

Calentamiento eficaz: 8-12 minutos de vibración de labios, sirena suave, escalas en vocal cómoda y ejercicios de articulación; nunca forzar el extremo agudo en frío.

Higiene vocal: hidratación constante, evitar susurros prolongados y carraspeo, controlar reflujo y humo, y descansar la voz tras uso intenso.

Señales de riesgo: ronquera de más de dos semanas, dolor al cantar, pérdida de agilidad o de rango; requieren valoración de un especialista en voz.

Prevención en coro: calentar antes del ensayo, dosificar pasajes agudos, evitar cantar con infección respiratoria y alternar ensayos con pausas.

Empaste: unificación de vocales y de vibrato entre voces; se logra con escucha mutua y una misma idea de sonido antes de cantar.

Afinación vertical (acordes) y horizontal (melodía): corregir primero la fundamental del acorde y luego las tensiones o disonancias.

Temperamento: la afinación coral pura tiende a intervalos justos (3.ª y 5.ª) y puede desviarse del temperamento igual del piano.

Equilibrio: la melodía se destaca ligeramente; las voces internas sostienen la armonía sin tapar la línea principal ni el bajo.

Dinámica coral: el crescendo se construye con apoyo y apertura de tracto, no con más presión de garganta; el piano exige más control que volumen.

Fraseo colectivo: respiraciones marcadas por el director, finales de frase compartidos y articulación consonántica sincronizada.

Homofonía: todas las voces mueven el mismo texto y ritmo; polifonía: cada voz tiene independencia y el empaste se mide por claridad de líneas.

Claves corales: sol en 2.ª línea para soprano y tenor (octava), fa en 4.ª línea para contralto y bajo; el tenor suena una octava más grave de lo escrito.

Intervalos de referencia: 2.ª mayor (do-re), 3.ª mayor (do-mi), 4.ª justa (do-fa), 5.ª justa (do-sol) y 8.ª (do-do) como anclas de entonación.

Lectura a vista: identificar tonalidad y compás, marcar entradas y respiraciones, y cantar primero la línea sin texto para asegurar afinación.

Ritmo: subdivisión en corcheas o semicorcheas para estabilizar el pulso; los silencios cuentan igual que las notas y se preparan con respiración.

Armadura: sostenidos suben por quintas (fa-do-sol-re-la-mi-si) y bemoles bajan por cuartas (si-mi-la-re-sol-do-fa).

Solfeo coral: nombrar notas o usar sílabas rítmicas antes de aplicar texto; el texto se añade cuando la afinación y el ritmo están estables.

Errores frecuentes: cantar por imitación sin leer la partitura y descuidar la nota de partida; se corrige con lectura individual y apoyo del piano.

Renacimiento: polifonía imitativa a capela, contrapunto vocal y textos religiosos o profanos; Palestrina y Victoria son referentes del estilo.

Barroco: bajo continuo, coros con orquesta y ornamentación; el oratorio y la cantata barroca son géneros centrales.

Clasicismo: homofonía y claridad formal; el coro aparece en misas, óperas y oratorios con textura más vertical que la polifonía renacentista.

Romanticismo: cromatismo, mayor densidad armónica y coros con orquesta; el lied y el oratorio romántico amplían la expresividad.

Siglo XX y contemporáneo: disonancias, técnicas extendidas (hablado, clusters, glissandi) y texturas no tonales; exige lectura precisa y escucha atenta.

Géneros: misa, motete, madrigal, cantata, oratorio, ópera, zarzuela, canción popular armonizada y arreglos corales de música actual.

Repertorio hispano: polifonía renacentista española, villancicos, habaneras y arreglos de folclore; el texto y la pronunciación condicionan el estilo.

Textura: monofonía, homofonía (acordes), polifonía imitativa (entradas sucesivas) y homofonía rítmica; se identifica por cómo se mueven las voces.

Forma: secciones por texto, tonalidad o tema; esquemas frecuentes A-B-A, estrofa-estribillo y forma continua con imitaciones.

Armonía básica: identificar tonalidad, funciones de tónica, dominante y subdominante, cadencias y préstamos modales o cromatismos.

Cadencia auténtica (V-I), plagal (IV-I), semicadencia (cierre en V) y cadencia rota (V-vi) marcan la puntuación formal del discurso.

Relación texto-música: palabras clave reciben acentos, melismas o cambios armónicos; el ritmo musical refuerza o contradice el texto.

Melisma: varias notas sobre una sílaba, típico del canto gregoriano y la polifonía; silábico: una nota por sílaba, típico de himnos y corales.

Comentario de partitura: describir plantilla vocal, textura, forma, armonía, dinámica y carácter expresivo, y relacionarlo con el texto y la época.

Gesto: la mano derecha marca compás y carácter; la izquierda indica entradas, dinámicas y cortes; la mirada mantiene el contacto con el coro.

Patrones de compás: 2/4 y 4/4 con gestos claros; 3/4 en triángulo; 6/8 en dos tiempos con subdivisión ternaria.

Preparación (anacrusa): el gesto previo fija tempo, dinámica y carácter; sin preparación clara la entrada falla.

Planificación del ensayo: calentamiento, trabajo técnico, secciones difíciles, montaje y repaso final; objetivos concretos por sesión.

Recursos de ensayo: cantar por secciones, solfear sin texto, trabajar a tempo lento, aislar intervalos y usar el piano solo como apoyo.

Dinámica de grupo: feedback específico y positivo, escucha activa y reparto de responsabilidades; el director corrige sin descalificar.

Ensayo eficaz: parar solo cuando hay un problema definido, explicar la corrección y repetir en contexto para fijar el aprendizaje.

Audición individual: presentar una obra preparada con texto claro, afinación estable y control de la respiración; la memoria no sustituye la lectura.

Expresión: la dinámica, el fraseo y el color vocal se subordinan al texto y al carácter de la obra; la emoción se transmite con técnica estable.

Puesta en escena: postura erguida, pies estables, mirada al público o al director y gesto natural; el movimiento no debe comprometer el apoyo.

En conjunto: escucha activa, entradas sincronizadas y finales comunes; el intérprete ajusta su volumen al conjunto, no al revés.

Vocal en directo: calentar antes, hidratarse y administrar la energía; no forzar agudos ni gritar en los ensayos generales.

Evaluación práctica: se valora afinación, ritmo, dicción, empaste y expresión; los errores aislados no invalidan una actuación global sólida.