Canary Islands PAU Dramatic Literature Exam key terms

Efecto de purificación emocional que, según Aristóteles, produce en el espectador la contemplación de la tragedia mediante la compasión y el temor suscitados por el héroe caído.

Error o fallo de juicio del protagonista trágico que, sin ser maldad deliberada, desencadena su desgracia y hace verosímil su caída ante el público.

Desmesura o soberbia del personaje que traspasa los límites impuestos por los dioses o la comunidad, provocando la intervención divina y el castigo consiguiente.

Fuerza divina de la justicia retributiva que restablece el orden alterado por la desmesura humana, castigando al culpable de soberbia o exceso.

Reglas de unidad de acción, lugar y tiempo que la preceptiva clásica y neoclásica exige a la obra dramática para mantener la verosimilitud de la fábula representada.

Cualidad de lo narrado o representado que lo hace creíble para el espectador, criterio central de la poética clásica y del teatro neoclásico frente a lo maravilloso inverosímil.

Principio que exige adecuar el lenguaje, los gestos y la conducta de cada personaje a su condición social, edad y situación, evitando mezclas impropias de estilos y registros.

Forma dramática que combina personajes y desenlaces propios de la tragedia y de la comedia, mezclando lo grave y lo cómico en una misma acción escénica.

Modelo de teatro popular fijado por Lope de Vega, que rompe las unidades clásicas, mezcla lo trágico y lo cómico y busca ante todo el gusto del público.

Discurso en verso de Lope de Vega donde expone su poética dramática: mezcla de estilos, división en tres actos, polimetría y subordinación de la preceptiva al éxito ante el vulgo.

Uso de distintas estrofas y metros dentro de una misma obra dramática, adecuando la forma métrica al personaje, al asunto y al tono de cada situación.

Verso que carece de rima pero conserva medida y ritmo, empleado a menudo en el teatro para monólogos reflexivos o pasajes de tono grave.

Parlamento que un personaje pronuncia de modo que lo oiga el público pero no los demás personajes en escena, revelando sus pensamientos ocultos o creando complicidad irónica.

Discurso de un personaje que se halla solo en escena y expresa en voz alta sus reflexiones, dudas o proyectos, sin dirigirse a ningún interlocutor presente.

Parlamento extenso de un personaje dirigido a otros presentes o al público, que interrumpe el diálogo y concentra la información o la emoción dramática.

Indicación del autor, ajena al diálogo, que precisa escenografía, movimiento de personajes, gestos o tono de la representación y orienta la puesta en escena.

En el teatro griego, registro oficial que documentaba la representación de una obra, su autor, el arconte y los actores, y que sirve hoy como fuente histórica.

Grupo de intérpretes que en el teatro griego canta y danza, comenta la acción, dialoga con los personajes y encarna la voz de la comunidad.

Debate o enfrentamiento verbal entre dos personajes o entre un personaje y el coro, estructura central de la tragedia griega y origen de la confrontación dramática.

Pieza breve y cómica de un solo acto, representada entre las jornadas de una comedia, con personajes populares y argumento sencillo de tipo costumbrista.

Composición breve de carácter laudatorio que se representaba como prólogo de una obra mayor, elogiando a la ciudad, al público o al autor de la función.

Obra en un acto, en verso, de tema eucarístico y personajes alegóricos, que culminó con Calderón de la Barca y se representaba en la festividad del Corpus.

Procedimiento por el cual personajes o acciones concretas representan de forma sistemática ideas abstractas, como virtudes, vicios o dogmas religiosos.

Modalidad del teatro barroco español en la que la defensa de la honra familiar, la sospecha y la venganza privada generan el conflicto y el desenlace violento.

Personaje cómico del teatro barroco, criado del galán, que parodia a su amo, aporta humor y comentario irónico y encarna la visión popular de la acción.

Autor que escribe obras destinadas a la representación escénica, concibiendo la fábula, los personajes y los recursos escénicos para su puesta en escena.

Responsable de concebir e integrar la interpretación, el espacio, el ritmo y los demás elementos de la representación, dando coherencia al espectáculo teatral.

Conjunto de lugares físicos y simbólicos donde transcurre la acción dramática, desde el escenario visible hasta los espacios evocados por el diálogo.

Género dramático de desenlace funesto que presenta a un personaje eminente enfrentado a un destino adverso, suscitando compasión y temor en el espectador.

Género dramático que representa conflictos cotidianos de personajes comunes y tiende a un desenlace feliz, buscando la risa y la crítica de costumbres.

Forma teatral del siglo XIX que mezcla lo trágico y lo cómico, rompe las unidades, sitúa la acción en épocas remotas y exalta la libertad y la pasión del individuo.

Teatro del siglo XIX que reproduce en escena la vida contemporánea con ambientes reconocibles, lenguaje coloquial y conflicto social, frente al idealismo romántico.

Corriente de mediados del siglo XX que presenta tramas sin lógica causal, diálogos circulares y personajes sin identidad, expresando la falta de sentido de la existencia.

Propuesta de Brecht que busca un distanciamiento crítico del espectador, mediante narración, carteles y ruptura de la ilusión, para que reflexione sobre la realidad social.

Conjunto de movimientos artísticos de comienzos del siglo XX que rompen con la tradición y experimentan con nuevas formas, técnicas y concepciones del hecho escénico.

Técnica de deformación grotesca de la realidad, creada por Valle-Inclán, que mezcla lo trágico y lo burlesco para mostrar la degradación de la sociedad española.

Forma teatral ateniense del siglo V a. C. que combina diálogo y coro, toma sus argumentos del mito y somete al héroe a un destino que revela la fragilidad humana.

Teatro cómico romano, cultivado por Plauto y Terencio, que adapta modelos griegos con personajes tipificados, enredos amorosos y equívocos de intriga.