Galicia PAU Graphic-Plastic Expression Techniques / Técnicas de Expresión Gráfico-Plástica CIUG cheat sheet

Línea: la modulación del grosor (presión, velocidad, inclinación) genera tensión y jerarquía; una línea de igual grosor describe sin jerarquizar, mientras el contraste de trazo separa primer plano y fondo.

Proporción: la relación entre partes y el todo se verifica con el método de comparación por ejes verticales y horizontales; el canon de 7,5-8 cabezas corresponde a la figura humana adulta idealizada y 7 a la real media.

Encaje: se construye de lo general a lo particular en tres fases (mancha o bloque de masas, estructura geométrica de volúmenes, detalle lineal); invertir el orden produce errores de proporción difíciles de corregir.

Perspectiva cónica: con un punto de fuga, todas las líneas de profundidad convergen en el punto de fuga situado en la línea de horizonte; con dos puntos de fuga, las verticales permanecen paralelas.

Escorzo: la reducción aparente de un miembro o forma que se dirige hacia el observador; se resuelve acortando el eje de profundidad y superponiendo planos, no dibujando la longitud real.

Composición: regla de los tercios (puntos de interés en las intersecciones), sección áurea (proporción 1:1,618) y ley de la balanza (equilibrio de masas por peso visual, no por número de elementos).

Peso visual: aumenta con el tamaño, la saturación, el contraste, la posición elevada o descentrada y la figura humana; una masa pequeña muy saturada equilibra una masa grande de color apagado.

Direcciones visuales: líneas dominantes (horizontales = reposo; verticales = estabilidad y solemnidad; diagonales = dinamismo y tensión) organizan el recorrido de la mirada en el plano.

Mezcla sustractiva (pigmentos): primarios cian, magenta y amarillo; secundarios rojo, verde y azul-violáceo. Mezcla aditiva (luz): primarios rojo, verde y azul; la suma de los tres da blanco.

Complementarios: pares opuestos en el círculo cromático (amarillo-violeta, rojo-verde, azul-naranja); juntos se intensifican por contraste simultáneo y mezclados como pigmento se neutralizan hacia gris o marrón.

Propiedades del color: tono o matiz (familia cromática), valor o luminosidad (claridad-oscuridad) y saturación o croma (pureza); dos colores pueden tener el mismo valor y distinto tono.

Armonías: monocromática (un tono con variaciones de valor y saturación), análoga o de vecinos (tonos contiguos en el círculo), complementaria y triádica (tres tonos equidistantes).

Temperatura: colores cálidos (rojo, naranja, amarillo) avanzan y expanden; fríos (azul, verde, violeta) retroceden y contraen. Es un recurso de profundidad sin necesidad de perspectiva lineal.

Contraste simultáneo: un color varía su apariencia según el fondo; un gris medio parece más oscuro sobre blanco y más claro sobre negro, y un color parece más saturado junto a su complementario.

Mezcla de pigmentos: para aclarar se añade blanco (sube valor, baja saturación); para oscurecer es preferible el complementario o una tierra al negro, que apaga y ensucia menos el tono.

Uso expresivo: el color puede ser local (color propio del objeto), tonal (subordinado al claroscuro) o simbólico/emocional (independiente del referente); identificar cuál se emplea es clave en el comentario de obra.

Medios secos: grafito, carboncillo, sanguina, cretas, pastel y lápices de color. Se aplican por frotado o depósito y se corrigen con goma de borrar o trapo; el grafito (dureza H = duro y claro, B = blando y oscuro) permite línea precisa.

Carboncillo y pastel: aglutinante escaso, gran poder de mancha y cubrición; se fijan con fijador para evitar que se borren. El pastel admite superposición de capas y mezcla óptica por yuxtaposición.

Medios húmedos: acuarela, tinta, témpera, acrílico y óleo. Acuarela y tinta son transparentes y se trabajan de claro a oscuro (el blanco es el del papel); témpera, acrílico y óleo son opacos y cubrientes.

Acuarela: técnica de veladuras (capas finas transparentes); el secado húmedo sobre húmedo produce bordes difusos y el húmedo sobre seco bordes nítidos. El error no se corrige con blanco sino reservando o levantando pigmento.

Tinta: se aplica con pluma, pincel o caña; admite aguada diluida y técnica de reservas con cera o máscara. El acrílico seca rápido y permite empastes y veladuras; el óleo seca lento y admite corrección y empaste.

Soportes: papel (gramaje y grano condicionan el trazo; grano grueso para pastel y carboncillo, satinado para tinta y grafito fino), cartón, tabla y lienzo (lino o algodón, con imprimación).

Preparación: el lienzo y la tabla requieren imprimación (gesso) para aislar la fibra; en acuarela se usa papel de algodón de 300 g o más, tensado para evitar ondulaciones al mojarse.

Útiles y su función: pincel de cerda para empaste, de pelo suave para veladura; espátula para mezclar y empastar; difumino y trapo para fundidos; la elección del útil determina el tipo de huella (trazo, mancha, textura).

Esquema de comentario: identificación (autor, título, fecha, técnica y soporte si constan), descripción del contenido, análisis formal (composición, color, línea, luz, textura) e interpretación (función, contexto, significado).

Niveles de lectura: denotativo (lo que se ve: figuras, objetos, colores) y connotativo (lo que sugiere: valores, emociones, símbolos); el comentario riguroso separa ambos antes de interpretar.

Elementos morfológicos del lenguaje visual: punto, línea, plano, textura, color y forma; cada uno cumple función descriptiva, organizativa o expresiva según su tratamiento.

Recursos de composición: simetría (estabilidad, hieratismo), asimetría compensada (dinamismo equilibrado), ritmo (repetición con variación), escala y punto de vista (picado, contrapicado, normal) que condicionan la lectura.

Luz: natural o artificial, difusa o dura, direccional o frontal; el claroscuro (contraste fuerte de luces y sombras) crea volumen y dramatismo, y el sfumato suaviza los contornos.

Textura: táctil (relieve real del material) y visual (simulada por el trazo o el color); en el análisis se distingue la textura del soporte, la de la materia pictórica y la representada.

Iconicidad y abstracción: grado de parecido con el referente; a mayor iconicidad, lectura figurativa, y a mayor abstracción, predominio de lo formal y expresivo sobre lo reconocible.

Función de la imagen: informativa, persuasiva o publicitaria, estética, expresiva y lúdica; identificarla evita interpretar una obra expresiva con criterios de exactitud descriptiva.

Proceso de trabajo: planteamiento (tema, formato, técnica y tiempo), bocetos o estudios previos, desarrollo y valoración final; el boceto documenta decisiones y se conserva como parte del ejercicio.

Elección de técnica según objetivo: línea precisa y detalle (grafito, tinta), mancha y volumen rápido (carboncillo, pastel), transparencia y luminosidad (acuarela), color opaco y cubriente (témpera, acrílico).

Formato y encuadre: decidir orientación (horizontal para paisaje y escena amplia, vertical para figura y bodegón alargado) y encuadre antes de empezar; el formato condiciona la composición.

Composición del ejercicio: definir un foco de interés único, evitar tangencias de contornos y elementos centrados sin intención, y dejar espacios de descanso visual; verificar equilibrio de masas al final.

Gama y paleta limitada: reducir a 3-5 colores más blanco y negro facilita la armonía y demuestra dominio de mezclas; anotar las mezclas empleadas permite reproducir el resultado.

Valoración del resultado: comprobar proporción y encaje, coherencia de la gama, jerarquía de valores (claro-oscuro), limpieza de ejecución y correspondencia entre la intención inicial y lo obtenido.

Gestión del tiempo y del material: reservar tiempo de secado (acuarela, acrílico) y de fijado (carboncillo, pastel); preparar el soporte y los útiles antes de iniciar la mancha evita interrupciones.

Experimentación: probar variaciones de una misma idea (distinto punto de vista, gama o técnica) en bocetos pequeños; la serie comparada justifica la solución elegida en la memoria del ejercicio.

Criterios habituales de valoración: adecuación al enunciado, dominio técnico del medio, coherencia compositiva y cromática, originalidad de la solución y presentación final.

Memoria breve: indicar tema, técnica y soporte, referencias o influencias, pasos seguidos y dificultades resueltas; debe ser concisa y coherente con la obra presentada.

Coherencia interna: la técnica elegida debe servir al tema (por ejemplo, trazo gestual para movimiento y línea precisa para estudio anatómico); la incoherencia se penaliza en la valoración.

Errores frecuentes: contornos tangentes, composición centrada sin motivo, gama cromática excesiva, valores medios sin contraste y abandono del encaje por exceso de detalle prematuro.

Documentación: conservar bocetos, pruebas de color y fotografías del proceso; son evidencia del método y permiten justificar decisiones en la defensa oral o escrita del trabajo.

Claroscuro: modelado del volumen mediante la escala de valores; secuencia típica de luz a sombra: luz, medio tono, sombra propia, sombra proyectada y reflejo.

Luz dura y luz difusa: la luz dura produce sombras de borde nítido y alto contraste; la difusa genera transiciones suaves y valores próximos, útil para atmósferas.

Técnicas de representación: apunte rápido (síntesis de manchas y gesto), estudio del natural (proporción y estructura), copia analítica y dibujo de memoria o de imaginación.

Retrato: eje de simetría del rostro, línea de ojos a media altura de la cabeza, nariz a mitad entre ojos y mentón, boca a un tercio entre nariz y mentón; son referencias de encaje.

Bodegón: se construye por elipses (bocas de recipientes) y ejes verticales; la elipse varía su abertura según la altura del punto de vista respecto al objeto.

Sombras: la sombra proyectada se alarga en la dirección opuesta al foco y su longitud depende de la altura de la luz; su borde es más nítido cerca del objeto.

Escala y encuadre: medir con el lápiz a brazo extendido comparando una unidad (por ejemplo, la cabeza) permite trasladar proporciones al papel sin cálculos.

Círculo cromático de 12 tonos: tres primarios, tres secundarios y seis terciarios; los terciarios resultan de mezclar un primario con el secundario contiguo.

Mezcla para grises y neutros: complementarios en proporciones distintas dan grises coloreados; el gris neutro se obtiene con negro y blanco o con los tres primarios.

Valor y contraste: el contraste de valor (claro-oscuro) organiza la lectura de la imagen; el contraste de tono (colores distintos) crea vibración; el de saturación distingue lo puro de lo apagado.

Colores tierra: se obtienen mezclando complementarios o añadiendo un poco de negro al amarillo o al naranja; son útiles para sombras sin apagar el color.

Progresión de valor: una escala de 5 a 7 pasos entre blanco y negro es suficiente para modelar; saltos mayores producen efecto de posterización.

Transparencia y veladura: superponer capas finas de acuarela multiplica la densidad y oscurece; el color resultante es una mezcla sustractiva de las capas.

Color local frente a color de luz: el color local es el del objeto percibido; el color de luz tiñe la escena (cálida al atardecer, fría a la sombra) y modifica todos los locales.

Compatibilidad: graso sobre magro (óleo sobre témpera seca) es estable; magro sobre graso (acuarela sobre óleo) no adhere y se descama.

Secado y retoques: el acrílico permite retoque inmediato y veladuras diluidas con agua; el óleo exige medios (aceite de linaza) y tiempos de secado largos.

Reservas en acuarela: cinta de enmascarar, cera blanca o goma de reserva protegen el blanco del papel; el blanco del papel es la luz máxima de la técnica.

Fijado: carboncillo, pastel y cretas requieren fijador en capas finas y a distancia para no arrastrar el pigmento ni apagar el color.

Texturas: el empaste (pintura gruesa con pincel o espátula) crea relieve; el rascado o esgrafiado descubre la capa inferior y produce línea textural.

Soportes y absorción: papel sin encolar absorbe y embota el color; el papel encolado o satinado retiene el pigmento en superficie y da colores más vivos.

Limpieza y conservación: no mezclar pinceles de óleo con acuarela sin lavado; el papel y las obras sobre papel se protegen de luz directa y humedad.

Plano y punto de vista: el plano general sitúa el contexto; el plano medio y el primer plano concentran la atención; el picado empequeñece y el contrapicado engrandece al sujeto.

Ley de cierre y figura-fondo: la percepción agrupa elementos próximos y completa formas incompletas; el contraste figura-fondo determina qué se lee primero.

Ritmo y repetición: la repetición regular da orden; la repetición con variación de tamaño, color o posición genera ritmo y movimiento.

Simetría y equilibrio: la simetría axial produce estabilidad y formalidad; la asimetría compensada por peso visual resulta más dinámica y natural.

Textura y materia: en el comentario se distingue la textura del soporte, la de la materia pictórica y la representada; las tres pueden coincidir o contradecirse.

Contexto: la fecha, el movimiento y la función (religiosa, cortesana, publicitaria, personal) explican elecciones formales que de otro modo parecen arbitrarias.

Estructura del comentario escrito: descripción breve, análisis formal ordenado (composición, línea, color, luz, textura) e interpretación justificada con datos de la propia imagen.

Enunciado: subrayar técnica obligatoria, tema, formato y tiempo; el incumplimiento de la técnica pedida invalida parte de la valoración aunque el resultado sea bueno.

Bocetos: tres o cuatro estudios pequeños y rápidos (2-5 minutos) exploran encuadre y composición; elegir uno y desarrollarlo evita la dispersión.

Prueba de color: una tira de mezclas con la paleta prevista comprueba armonía y valores antes de aplicarla al soporte definitivo.

Jerarquía de ejecución: mancha general, estructura, valores medios, detalles y acentos finales; los acentos (luces y oscuros extremos) se reservan para el final.

Control del tiempo: asignar aproximadamente un tercio al planteamiento y boceto, dos tercios a la ejecución, y reservar los últimos minutos a correcciones y presentación.

Perspectiva de un punto: se usa cuando una cara del objeto es paralela al plano del cuadro; las aristas de profundidad fugan en un único punto de la línea de horizonte.

Perspectiva de dos puntos: las aristas verticales permanecen verticales y las dos direcciones horizontales fugan a dos puntos situados en el horizonte.

Perspectiva de tres puntos: añade un tercer punto (cenital o nadir) para vistas muy picadas o contrapicadas; las verticales también fugan.

Altura del horizonte: coincide con la altura de los ojos del observador; un horizonte bajo agranda los objetos y uno alto los empequeñece y muestra más plano de suelo.

Escala en perspectiva: objetos de igual tamaño real disminuyen aparentemente al alejarse; la línea de tierra y la de horizonte acotan el espacio representado.

Perspectiva aérea: la lejanía se representa con menor contraste, colores más fríos y azulados y contornos menos definidos, además de la reducción de tamaño.

Tramado y escorzo: el tramado de líneas paralelas indica planos y curvaturas; el escorzo reduce la longitud aparente de lo que apunta al observador.

Adaptación y constancia: el ojo se adapta a la iluminación y tiende a percibir el color local del objeto aunque la luz lo tiña; el pintor debe pintar el color de luz observado.

Contraste de cantidad: una pequeña superficie de color intenso destaca más junto a una gran superficie apagada; regular la proporción de áreas controla el impacto.

Vibración óptica: yuxtaponer trazos de complementarios sin mezclarlos produce mezcla óptica a distancia y aumenta la luminosidad aparente.

Color y emoción: cálidos y saturados tienden a la excitación y proximidad; fríos y apagados, a la calma y la distancia; el significado depende del contexto cultural.

Monocromía expresiva: trabajar con un solo tono y variar valor y saturación demuestra dominio del claroscuro y concentra la expresividad en la forma.

Aplicación por planos: el color plano sin modelado produce imagen gráfica y sintética; el color modelado por degradados produce volumen y atmósfera.

Grafito: la dureza regula el valor y el detalle; el difumino funde y suaviza, mientras la punta afilada da línea precisa y el lápiz tumbado cubre áreas.

Carboncillo: la barra gruesa cubre rápido y el carboncillo prensado da trazo más oscuro y limpio; el trapo y la goma maleable levantan luz del negro.

Sanguina y cretas: tonos cálidos (rojo tierra) y blancos para luces; se combinan con carboncillo a dos tintas para estudios de figura.

Pastel: se aplica en barras duras o blandas; la mezcla se hace por superposición o frotado y el pastel graso permite mayor empaste.

Tinta y plumilla: la plumilla da línea modulada por presión; la aguada con pincel crea manchas y valores; la caña o el pincel seco producen trazos quebrados.

Acrílico: diluido con agua imita la acuarela; puro y con medio acrílico permite empaste y texturas; seca rápido y no se rehumedece.

Óleo: admite empaste, veladura y corrección; la mezcla en la tela (húmedo sobre húmedo) funde los valores y produce transiciones suaves.

Identificación de la técnica en la imagen: bordes nítidos y transparencias sugieren acuarela o tinta; empaste y pinceladas visibles, óleo o acrílico; grano y trazo, medios secos.

Análisis de la línea: línea de contorno cerrada (figura recortada), línea abierta o gestual (expresión y movimiento) y línea de sombreado o tramado (volumen).

Análisis de la luz: identificar foco, dirección, dureza y número de fuentes; una luz única y lateral produce claroscuro y volumen, y una frontal aplana la forma.

Composición: identificar ejes, focos de interés, líneas dominantes, simetrías y vacíos; describir el recorrido visual que proponen y su efecto.

Interpretación: relacionar forma y contenido (por ejemplo, diagonales y color cálido para tensión; horizontales y azules para calma) y apoyarla en datos visibles de la obra.

Función y contexto: distinguir imagen artística, documental, publicitaria y científica; la función condiciona el grado de iconicidad y los recursos empleados.

Presentación: limpieza del soporte, firma o identificación discreta, orden de bocetos y obra final; la presentación forma parte de la valoración del ejercicio.

Autoevaluación: comparar el resultado con el enunciado y el boceto elegido, señalar aciertos y desviaciones y explicar cómo se corregirían en una segunda versión.

Serie y variación: presentar dos o tres variaciones del mismo tema con cambios controlados (gama, encuadre o técnica) demuestra capacidad de experimentación.

Registro del proceso: anotar mezclas, tiempos y decisiones permite justificar el resultado y reproducir el método en futuros ejercicios.

Criterios de originalidad: la solución personal se valora cuando respeta el enunciado; la novedad sin adecuación al tema no compensa el incumplimiento.

Canon de la figura: la altura total equivale a 7,5-8 cabezas; el pubis queda en el punto medio de la altura y los codos a la altura de la cintura.

Miembro superior: el codo cae a la altura de la cintura y la muñeca llega aproximadamente al trocánter; la mano mide cerca de tres cuartos de la cabeza.

Miembro inferior: la rodilla queda a mitad entre cadera y pie; el pie mide aproximadamente una cabeza de largo.

Cabeza: ojos a media altura, distancia entre ojos igual a un ojo, nariz a mitad entre ojos y mentón, boca a un tercio entre nariz y mentón.

Estructura: la figura se encaja con volúmenes simples (caja del torso, cilindros de brazos y piernas, esfera de la cabeza) antes de cualquier detalle anatómico.

Escorzo y movimiento: el eje de acción (curva que recorre la columna y las extremidades) define el gesto; dibujarlo primero evita figuras rígidas.

Esquema complementario dividido: un tono con los dos vecinos de su complementario; da contraste sin la tensión extrema del par puro.

Esquema triádico: tres tonos equidistantes en el círculo; funciona mejor cuando un tono domina y los otros dos se usan como acentos.

Esquema análogo: tonos contiguos; produce armonía y unidad, y necesita contraste de valor para no resultar plano.

Contraste cálido-frío: es el recurso más eficaz para crear profundidad y separar planos sin recurrir a la perspectiva lineal.

Saturación y foco: el color más saturado atrae la mirada; reservarlo para el foco de interés y apagar el resto ordena la lectura.

Mezcla de blancos: el blanco puro sube el valor y baja la saturación; para aclarar sin apagar se usa el tono más claro de la propia familia.

Papel: el gramaje (g/m²) mide la cantidad de fibra; por debajo de 200 g se ondula con agua, y de 300 g en adelante es apto para técnicas húmedas.

Grano: grueso para pastel, carboncillo y acuarela texturizada; fino o satinado para tinta, grafito y dibujo de detalle.

Imprimación: el gesso aísla la fibra del lienzo o la tabla y regula la absorción; sin imprimación el óleo ataca el soporte.

Bastidor y tensado: el lienzo se tensa sobre bastidor de madera; el papel de acuarela se tensa humedeciéndolo y fijándolo con cinta o grapas al secar.

Conservación: obras sobre papel a la sombra y con humedad controlada; el pastel y el carboncillo se protegen con fijador y cristal con separación.

Mezcla de materiales: acuarela y tinta son compatibles; el óleo sobre acrílico seco es estable, pero el acrílico sobre óleo no adhere.

Punto: unidad mínima de la imagen; agrupado crea textura y volumen (puntillismo), y aislado funciona como acento o foco.

Línea: elemento organizador; define contorno, indica dirección y crea textura por tramado; su grosor, regularidad y velocidad transmiten carácter.

Plano: superficie de dos dimensiones; la superposición de planos crea profundidad y la variación de tamaño, escala.

Forma: configuración delimitada del espacio; se distingue forma abierta (sin contorno cerrado) y cerrada, geométrica y orgánica.

Textura: cualidad de la superficie; táctil (relieve real) y visual (simulada), y puede ser natural o artificial.

Color: portador de información y emoción; en el análisis se describen tono, valor, saturación, temperatura y contraste respecto al conjunto.

Interpretación del tema: listar tres o cuatro ideas asociadas y elegir la que permita una solución visual clara y ejecutable en el tiempo disponible.

Documentación visual: reunir referencias propias (fotografías, apuntes del natural) en lugar de copiar imágenes ajenas; la referencia propia demuestra proceso.

Elección del formato: cuadrado (equilibrio y concentración), horizontal (paisaje y narrativa), vertical (figura y tensión ascendente) y alargado (panorama o secuencia).

Planificación de la paleta: decidir gama dominante, acentos y neutros antes de empezar; limita las mezclas y unifica el resultado.

Ejecución por capas: de lo general a lo particular y de lo claro a lo oscuro en técnicas transparentes; en opacas, de oscuro a claro si se cubre.

Cierre: revisar contraste, proporción y limpieza; retirar líneas de encaje sobrantes y reforzar el foco de interés con el último acento.