Balearic Islands PAU Artistic Foundations Exam cheat sheet

La línea puede ser objetual (contorno, define el límite de la forma) o subjetiva/expresiva (trazo libre, valor emotivo); la variación de grosor (modulación) crea volumen y profundidad sin sombreado.

Formas abiertas frente a cerradas: la forma cerrada queda contenida por contornos nítidos; la abierta se funde con el fondo. La relación figura-fondo es la base de la lectura perceptiva de la imagen.

Sistemas de representación: proyección ortogonal (vistas diédricas sin fuga), axonometría (paralelas, sin punto de fuga), perspectiva cónica (uno, dos o tres puntos de fuga). La cónica reproduce la visión; la axonometría mide sin deformar.

Perspectiva cónica: la línea de horizonte contiene los puntos de fuga; la altura del observador coincide con el horizonte. A un punto de fuga: frontal; a dos: visión angular; a tres: picado o contado vertical.

Teoría del color: síntesis aditiva (luz, RGB) frente a sustractiva (pigmento, CMY). Complementarios son los opuestos en el círculo cromático; su mezcla óptica tiende al gris o al neutro.

Propiedades del color: tono o matiz (familia cromática), saturación (pureza) y luminosidad o valor (claridad). El valor es el que define el volumen en el claroscuro.

Texturas: táctiles (relieve real, se perciben por contacto) y visuales (simuladas por el dibujo o la fotografía). Pueden ser naturales o artificiales, orgánicas o geométricas.

Leyes de la composición: simetría/asimetría, equilibrio de masas, peso visual (posición, tamaño, color cálido, aislamiento), ritmo por repetición y escala. La sección áurea (≈1,618) y la regla de los tercios son recursos de proporción.

Arte griego: canon de proporciones (Policleto, Doríforo, 7 cabezas), órdenes dórico, jónico y corintio. El periodo clásico busca equilibrio; el helenístico, expresividad y movimiento (Laocoonte, Victoria de Samotracia).

Arte romano: arco, bóveda y cúpula (Panteón, ábside), hormigón y mosaico. Función propagandística y civil: termas, acueductos, anfiteatros; el retrato realista de origen funerario.

Románico (ss. XI-XII): iglesia de peregrinación, planta de cruz latina con tres naves, bóveda de cañón, arco de medio punto, muros gruesos y poca luz; escultura supeditada al marco arquitectónico (tímpanos).

Gótico (ss. XII-XV): arco apuntado, bóveda de crucería, arbotantes y contrafuertes que permiten muros diáfanos y vidrieras; verticalidad y luz simbólica. Escultura exenta y naturalista; retablos pictóricos.

Renacimiento (ss. XV-XVI): recuperación de la Antigüedad, perspectiva lineal, proporción y antropocentrismo. Quattrocento (Brunelleschi, Masaccio, Botticelli) y Cinquecento (Leonardo, Miguel Ángel, Rafael); el mecenazgo de las cortes italianas.

Barroco (ss. XVII-XVIII): dinamismo, diagonal, claroscuro y teatralidad al servicio de la Contrarreforma. Bernini en escultura, Caravaggio en pintura, Velázquez y Rubens; la fachada y el retablo como escenografía.

Neoclasicismo (2ª mitad s. XVIII): retorno a la Antigüedad tras el descubrimiento de Pompeya y Herculano, dibujo sobre color, razón ilustrada y función moral y cívica (David, Canova).

Arte islámico y mudéjar: prohibición de la imagen religiosa favorece la caligrafía, la lacería geométrica y el arabesco; arco de herradura, yeserías y azulejería. En la Península, mezquita de Córdoba y Alhambra.

Romanticismo y Realismo (s. XIX): el primero exalta el sentimiento, la naturaleza y lo sublime (Friedrich, Delacroix); el segundo documenta la vida contemporánea y la clase trabajadora (Courbet, Millet).

Impresionismo (desde 1874): pintura al aire libre, pincelada suelta, interés por la luz cambiante y disolución del contorno. Monet, Renoir, Degas; el Salón de los Rechazados y la exposición de 1874 como hito.

Postimpresionismo: camino hacia la autonomía del color y la forma. Seurat (puntillismo), Cézanne (geometrización), Van Gogh (expresividad del trazo) y Gauguin (color simbólico, sintetismo).

Vanguardias históricas (1905-1939): fovismo (color puro), cubismo (Picasso y Braque, 1907; visión múltiple y collage), futurismo (movimiento y velocidad), expresionismo alemán (Die Brücke, Der Blaue Reiter).

Dadaísmo y surrealismo: Dadá (1916, Zúrich) cuestiona el arte con el ready-made (Duchamp). El surrealismo (1924, Breton) explora el inconsciente: automatismo y onirismo (Dalí, Magritte, Miró).

Abstracción: Kandinsky y Mondrian como pioneros; la abstracción geométrica y el neoplasticismo, frente a la abstracción lírica. Supone la renuncia a la representación mimética.

Arquitectura moderna: la Bauhaus (1919-1933) integra arte, artesanía y diseño; Le Corbusier formula los cinco puntos (planta libre, fachada libre, ventana corrida, pilotis, terraza-jardín).

Arte de posguerra y contemporáneo: expresionismo abstracto, pop art (Warhol), minimalismo, arte conceptual y land art. Ruptura del objeto artístico y primacía de la idea y del proceso.

Método de comentario: identificación (autor, título, fecha, técnica, dimensiones, localización) → descripción formal → análisis iconográfico → interpretación → contextualización histórica y social.

Análisis formal: composición (esquemas geométricos, ejes, simetría), línea, color, luz (foco, dirección, claroscuro), textura, espacio y perspectiva, proporción y escala.

Iconografía frente a iconología: la primera identifica motivos y atributos (la palma del mártir, la llave de san Pedro); la segunda interpreta sus significados culturales y simbólicos.

Géneros: retrato, paisaje, bodegón, escena de género, pintura de historia y desnudo. Su jerarquía académica sitúa la pintura de historia en la cima y el bodegón en la base.

Fuentes de identificación: firma, documentación de archivo, atributos, estilo, técnica y soporte. La datación puede apoyarse en materiales (pigmentos, soportes) y en la cronología estilística.

Contexto de producción: mecenazgo (Iglesia, corte, burguesía, Estado), función (devocional, conmemorativa, propagandística, decorativa) y condiciones de recepción (emplazamiento, público).

Comentario de arquitectura: planta, alzado, cubiertas, materiales, sistema constructivo y relación con el entorno; distinguir elementos sustentantes de sustentados.

Riesgo a evitar: la descripción genérica. Cada afirmación formal debe vincularse a un efecto expresivo o a una función concreta de la obra.

Dibujo: secos (grafito, carboncillo, sanguina, pastel) y húmedos (tinta, rotulador, aguada). El carboncillo permite correcciones y difuminado; el grafito, mayor precisión de línea.

Pintura: aglutinantes y disolventes definen la técnica. Óleo (aceite de linaza, secado lento, capas y veladuras), acrílico (polímero, secado rápido), acuarela (goma arábiga, transparencia, reserva del blanco del papel).

Fresco: pigmento sobre revoque de cal húmedo; el color se fija por carbonatación. Requiere jornadas (giornate) y es incompatible con retoques en seco salvo el temple a la cal.

Escultura: técnicas sustractivas (talla en piedra o madera), aditivas (modelado en barro o cera) y de fusión (cera perdida en bronce). Materiales: piedra, madera, metal, yeso, resina.

Grabado: técnicas en relieve (xilografía, linóleo) e intaglio o hueco (aguafuerte, punta seca, aguatinta). La estampación permite la tirada numerada; el número de ejemplares condiciona su valor.

Fotografía: la cámara oscura y la óptica preceden a Niépce y Daguerre (daguerrotipo, 1839). Parámetros técnicos: apertura, velocidad de obturación, sensibilidad ISO y distancia focal.

Medios digitales: imagen de mapa de bits (píxel, resolución en ppp) frente a imagen vectorial (trazado matemático, escalable). Modelos de color RGB (pantalla) y CMYK (impresión).

Conservación preventiva: control de humedad relativa (≈45-55 %), temperatura estable, iluminación limitada (lux) y filtro UV; el papel y los textiles son especialmente sensibles a la luz.

Funciones del arte: religiosa o ritual, política y propagandística, conmemorativa, didáctica, estética y de identidad colectiva. La función cambia con el contexto y el receptor.

Museo según el ICOM: institución permanente, sin ánimo de lucro, al servicio de la sociedad, que adquiere, conserva, investiga, comunica y expone el patrimonio. Funciones: preservar, documentar, difundir.

Tipos de museo: de arte, de historia, arqueológico, etnográfico, de ciencia y técnica, y de sitio. Distinguir colección permanente, exposición temporal y centro de interpretación.

Patrimonio cultural: bienes muebles e inmuebles, material e inmaterial. Categorías legales en España: BIC (Bien de Interés Cultural) y bienes inventariados; la UNESCO declara Patrimonio Mundial.

Conservación: preventiva (control ambiental, almacenaje, manipulación), curativa (restauración) y criterios de mínima intervención, reversibilidad y respeto a la autenticidad.

Baleares: Dalt Vila (Eivissa) y la muralla renacentista; la Catedral de Mallorca (La Seu) con su rosetón gótico; el Castillo de Bellver, de planta circular; la Lonja de Palma (gótico civil).

Patrimonio arqueológico balear: talayots, navetas y taulas (Menorca, cultura talayótica, Patrimonio Mundial 2023); la necrópolis de Son Real y la Pollentia romana en Mallorca.

Patrimonio inmaterial y paisaje: el canto de la Sibila en Mallorca (Patrimonio Inmaterial de la UNESCO, 2010) y la Serra de Tramuntana como paisaje cultural (2011).

Turismo y patrimonio: la masificación plantea tensiones entre conservación y uso. Instrumentos de gestión: límites de aforo, planes de conservación y figuras de protección del territorio.

Platón: la belleza como reflejo de la Idea; el arte como imitación (mimesis) de la apariencia, por tanto copia de copia. Aristóteles: el arte como mímesis verosímil y catarsis en la tragedia.

Estética moderna: Kant distingue lo bello de lo sublime y define el juicio estético como desinteresado y subjetivo pero universal; el genio produce sin reglas.

Hegel: el arte como manifestación del espíritu; su historicidad lleva a la tesis del «fin del arte» como forma suprema de conocimiento.

Teorías del arte del siglo XX: formalismo (Wölfflin, Greenberg: lo específico del medio), iconología (Panofsky) y teoría institucional (Danto, Dickie: es arte lo que la institución reconoce).

Benjamin: la reproductibilidad técnica destruye el «aura» de la obra única y transforma la recepción de masas. Adorno: la industria cultural y la autonomía del arte frente a la mercantilización.

Creatividad: proceso de divergencia (generación de ideas) y convergencia (selección y ejecución). Wallas describe fases: preparación, incubación, iluminación y verificación.

El papel del artista: del artesano anónimo medieval al genio romántico y al artista-investigador contemporáneo. La firma y la autoría son construcciones históricas.

Categorías estéticas: belleza, sublime, pintoresco, grotesco, feísmo y kitsch. El kitsch designa la imitación superficial y sentimental del arte culto.

La línea puede ser objetual (contorno, define el límite de la forma) o subjetiva/expresiva (trazo libre, valor emotivo); la variación de grosor (modulación) crea volumen y profundidad sin sombreado.

Formas abiertas frente a cerradas: la forma cerrada queda contenida por contornos nítidos; la abierta se funde con el fondo. La relación figura-fondo es la base de la lectura perceptiva de la imagen.

Sistemas de representación: proyección ortogonal (vistas diédricas sin fuga), axonometría (paralelas, sin punto de fuga), perspectiva cónica (uno, dos o tres puntos de fuga). La cónica reproduce la visión; la axonometría mide sin deformar.

Perspectiva cónica: la línea de horizonte contiene los puntos de fuga; la altura del observador coincide con el horizonte. A un punto de fuga: frontal; a dos: visión angular; a tres: picado o contado vertical.

Teoría del color: síntesis aditiva (luz, RGB) frente a sustractiva (pigmento, CMY). Complementarios son los opuestos en el círculo cromático; su mezcla óptica tiende al gris o al neutro.

Propiedades del color: tono o matiz (familia cromática), saturación (pureza) y luminosidad o valor (claridad). El valor es el que define el volumen en el claroscuro.

Texturas: táctiles (relieve real, se perciben por contacto) y visuales (simuladas por el dibujo o la fotografía). Pueden ser naturales o artificiales, orgánicas o geométricas.

Leyes de la composición: simetría/asimetría, equilibrio de masas, peso visual (posición, tamaño, color cálido, aislamiento), ritmo por repetición y escala. La sección áurea (≈1,618) y la regla de los tercios son recursos de proporción.

Arte griego: canon de proporciones (Policleto, Doríforo, 7 cabezas), órdenes dórico, jónico y corintio. El periodo clásico busca equilibrio; el helenístico, expresividad y movimiento (Laocoonte, Victoria de Samotracia).

Arte romano: arco, bóveda y cúpula (Panteón, ábside), hormigón y mosaico. Función propagandística y civil: termas, acueductos, anfiteatros; el retrato realista de origen funerario.

Románico (ss. XI-XII): iglesia de peregrinación, planta de cruz latina con tres naves, bóveda de cañón, arco de medio punto, muros gruesos y poca luz; escultura supeditada al marco arquitectónico (tímpanos).

Gótico (ss. XII-XV): arco apuntado, bóveda de crucería, arbotantes y contrafuertes que permiten muros diáfanos y vidrieras; verticalidad y luz simbólica. Escultura exenta y naturalista; retablos pictóricos.

Renacimiento (ss. XV-XVI): recuperación de la Antigüedad, perspectiva lineal, proporción y antropocentrismo. Quattrocento (Brunelleschi, Masaccio, Botticelli) y Cinquecento (Leonardo, Miguel Ángel, Rafael); el mecenazgo de las cortes italianas.

Barroco (ss. XVII-XVIII): dinamismo, diagonal, claroscuro y teatralidad al servicio de la Contrarreforma. Bernini en escultura, Caravaggio en pintura, Velázquez y Rubens; la fachada y el retablo como escenografía.

Neoclasicismo (2ª mitad s. XVIII): retorno a la Antigüedad tras el descubrimiento de Pompeya y Herculano, dibujo sobre color, razón ilustrada y función moral y cívica (David, Canova).

Arte islámico y mudéjar: prohibición de la imagen religiosa favorece la caligrafía, la lacería geométrica y el arabesco; arco de herradura, yeserías y azulejería. En la Península, mezquita de Córdoba y Alhambra.

Romanticismo y Realismo (s. XIX): el primero exalta el sentimiento, la naturaleza y lo sublime (Friedrich, Delacroix); el segundo documenta la vida contemporánea y la clase trabajadora (Courbet, Millet).

Impresionismo (desde 1874): pintura al aire libre, pincelada suelta, interés por la luz cambiante y disolución del contorno. Monet, Renoir, Degas; el Salón de los Rechazados y la exposición de 1874 como hito.

Postimpresionismo: camino hacia la autonomía del color y la forma. Seurat (puntillismo), Cézanne (geometrización), Van Gogh (expresividad del trazo) y Gauguin (color simbólico, sintetismo).

Vanguardias históricas (1905-1939): fovismo (color puro), cubismo (Picasso y Braque, 1907; visión múltiple y collage), futurismo (movimiento y velocidad), expresionismo alemán (Die Brücke, Der Blaue Reiter).

Dadaísmo y surrealismo: Dadá (1916, Zúrich) cuestiona el arte con el ready-made (Duchamp). El surrealismo (1924, Breton) explora el inconsciente: automatismo y onirismo (Dalí, Magritte, Miró).

Abstracción: Kandinsky y Mondrian como pioneros; la abstracción geométrica y el neoplasticismo, frente a la abstracción lírica. Supone la renuncia a la representación mimética.

Arquitectura moderna: la Bauhaus (1919-1933) integra arte, artesanía y diseño; Le Corbusier formula los cinco puntos (planta libre, fachada libre, ventana corrida, pilotis, terraza-jardín).

Arte de posguerra y contemporáneo: expresionismo abstracto, pop art (Warhol), minimalismo, arte conceptual y land art. Ruptura del objeto artístico y primacía de la idea y del proceso.

Método de comentario: identificación (autor, título, fecha, técnica, dimensiones, localización) → descripción formal → análisis iconográfico → interpretación → contextualización histórica y social.

Análisis formal: composición (esquemas geométricos, ejes, simetría), línea, color, luz (foco, dirección, claroscuro), textura, espacio y perspectiva, proporción y escala.

Iconografía frente a iconología: la primera identifica motivos y atributos (la palma del mártir, la llave de san Pedro); la segunda interpreta sus significados culturales y simbólicos.

Géneros: retrato, paisaje, bodegón, escena de género, pintura de historia y desnudo. Su jerarquía académica sitúa la pintura de historia en la cima y el bodegón en la base.

Fuentes de identificación: firma, documentación de archivo, atributos, estilo, técnica y soporte. La datación puede apoyarse en materiales (pigmentos, soportes) y en la cronología estilística.

Contexto de producción: mecenazgo (Iglesia, corte, burguesía, Estado), función (devocional, conmemorativa, propagandística, decorativa) y condiciones de recepción (emplazamiento, público).

Comentario de arquitectura: planta, alzado, cubiertas, materiales, sistema constructivo y relación con el entorno; distinguir elementos sustentantes de sustentados.

Riesgo a evitar: la descripción genérica. Cada afirmación formal debe vincularse a un efecto expresivo o a una función concreta de la obra.

Dibujo: secos (grafito, carboncillo, sanguina, pastel) y húmedos (tinta, rotulador, aguada). El carboncillo permite correcciones y difuminado; el grafito, mayor precisión de línea.

Pintura: aglutinantes y disolventes definen la técnica. Óleo (aceite de linaza, secado lento, capas y veladuras), acrílico (polímero, secado rápido), acuarela (goma arábiga, transparencia, reserva del blanco del papel).

Fresco: pigmento sobre revoque de cal húmedo; el color se fija por carbonatación. Requiere jornadas (giornate) y es incompatible con retoques en seco salvo el temple a la cal.

Escultura: técnicas sustractivas (talla en piedra o madera), aditivas (modelado en barro o cera) y de fusión (cera perdida en bronce). Materiales: piedra, madera, metal, yeso, resina.

Grabado: técnicas en relieve (xilografía, linóleo) e intaglio o hueco (aguafuerte, punta seca, aguatinta). La estampación permite la tirada numerada; el número de ejemplares condiciona su valor.

Fotografía: la cámara oscura y la óptica preceden a Niépce y Daguerre (daguerrotipo, 1839). Parámetros técnicos: apertura, velocidad de obturación, sensibilidad ISO y distancia focal.

Medios digitales: imagen de mapa de bits (píxel, resolución en ppp) frente a imagen vectorial (trazado matemático, escalable). Modelos de color RGB (pantalla) y CMYK (impresión).

Conservación preventiva: control de humedad relativa (≈45-55 %), temperatura estable, iluminación limitada (lux) y filtro UV; el papel y los textiles son especialmente sensibles a la luz.

Funciones del arte: religiosa o ritual, política y propagandística, conmemorativa, didáctica, estética y de identidad colectiva. La función cambia con el contexto y el receptor.

Museo según el ICOM: institución permanente, sin ánimo de lucro, al servicio de la sociedad, que adquiere, conserva, investiga, comunica y expone el patrimonio. Funciones: preservar, documentar, difundir.

Tipos de museo: de arte, de historia, arqueológico, etnográfico, de ciencia y técnica, y de sitio. Distinguir colección permanente, exposición temporal y centro de interpretación.

Patrimonio cultural: bienes muebles e inmuebles, material e inmaterial. Categorías legales en España: BIC (Bien de Interés Cultural) y bienes inventariados; la UNESCO declara Patrimonio Mundial.

Conservación: preventiva (control ambiental, almacenaje, manipulación), curativa (restauración) y criterios de mínima intervención, reversibilidad y respeto a la autenticidad.

Baleares: Dalt Vila (Eivissa) y la muralla renacentista; la Catedral de Mallorca (La Seu) con su rosetón gótico; el Castillo de Bellver, de planta circular; la Lonja de Palma (gótico civil).

Patrimonio arqueológico balear: talayots, navetas y taulas (Menorca, cultura talayótica, Patrimonio Mundial 2023); la necrópolis de Son Real y la Pollentia romana en Mallorca.

Patrimonio inmaterial y paisaje: el canto de la Sibila en Mallorca (Patrimonio Inmaterial de la UNESCO, 2010) y la Serra de Tramuntana como paisaje cultural (2011).

Turismo y patrimonio: la masificación plantea tensiones entre conservación y uso. Instrumentos de gestión: límites de aforo, planes de conservación y figuras de protección del territorio.

Platón: la belleza como reflejo de la Idea; el arte como imitación (mimesis) de la apariencia, por tanto copia de copia. Aristóteles: el arte como mímesis verosímil y catarsis en la tragedia.

Estética moderna: Kant distingue lo bello de lo sublime y define el juicio estético como desinteresado y subjetivo pero universal; el genio produce sin reglas.

Hegel: el arte como manifestación del espíritu; su historicidad lleva a la tesis del «fin del arte» como forma suprema de conocimiento.

Teorías del arte del siglo XX: formalismo (Wölfflin, Greenberg: lo específico del medio), iconología (Panofsky) y teoría institucional (Danto, Dickie: es arte lo que la institución reconoce).

Benjamin: la reproductibilidad técnica destruye el «aura» de la obra única y transforma la recepción de masas. Adorno: la industria cultural y la autonomía del arte frente a la mercantilización.

Creatividad: proceso de divergencia (generación de ideas) y convergencia (selección y ejecución). Wallas describe fases: preparación, incubación, iluminación y verificación.

El papel del artista: del artesano anónimo medieval al genio romántico y al artista-investigador contemporáneo. La firma y la autoría son construcciones históricas.

Categorías estéticas: belleza, sublime, pintoresco, grotesco, feísmo y kitsch. El kitsch designa la imitación superficial y sentimental del arte culto.