La Rioja PAU History of Art key terms

Producción artística de los primeros cristianos, entre los siglos II y V, desarrollada en catacumbas, basílicas y sarcófagos, con lenguaje simbólico heredado del mundo romano y finalidad didáctica y funeraria.

Estilo propio del Imperio de Oriente, caracterizado por el hieratismo, el fondo de oro, la luz como expresión de lo divino y el uso del mosaico en iglesias de planta centralizada o cruz griega.

Conjunto de manifestaciones artísticas del mundo musulmán, con preferencia por la decoración geométrica, epigráfica y vegetal, el arco de herradura y los patios, y una arquitectura que integra agua y jardín.

Etapa artística europea anterior al año 1000, con ejemplos como el arte asturiano, mozárabe y carolingio, caracterizada por la fusión de tradiciones locales y la experimentación en plantas y cubiertas.

Arquitectura y orfebrería del reino de Asturias entre los siglos VIII y X, con sillarejo, contrafuertes, arcos peraltados y bóvedas de cañón, visible en Santa María del Naranco o San Miguel de Lillo.

Producción de comunidades cristianas en territorio musulmán o de repoblación, con arcos de herradura, naves estrechas, cubiertas de madera y capiteles de tradición califal, como San Miguel de Escalada.

Estilo europeo de los siglos XI y XII, con iglesias de piedra de naves abovedadas, arcos de medio punto, muros gruesos, escasa iluminación y escultura monumental subordinada a la arquitectura y de función didáctica.

Estilo europeo desde mediados del siglo XII hasta el XVI, basado en el arco apuntado, la bóveda de crucería y el arbotante, que permite muros diáfanos, vidrieras y una escultura más naturalista y expresiva.

Arquitectura y decoración realizadas por artesanos musulmanes en territorios cristianos, con ladrillo, yeserías, azulejos, arcos ciegos y artesonados de madera, como las torres de Teruel o la de San Martín de Aragón.

Movimiento artístico europeo de los siglos XV y XVI que recupera el modelo clásico, la proporción, la perspectiva y el estudio de la naturaleza, con el artista reconocido como creador individual.

Renacimiento italiano del siglo XV, centrado en Florencia, con experimentación en perspectiva, proporción y anatomía, y figuras como Brunelleschi, Donatello, Masaccio y Botticelli.

Fase italiana del siglo XVI del Renacimiento, con centro en Roma y Venecia, marcada por el clasicismo maduro, la monumentalidad y la tensión hacia el Manierismo, con Leonardo, Miguel Ángel, Rafael y Tiziano.

Corriente del siglo XVI que prolonga y altera el Renacimiento, con composiciones alargadas, colores ácidos, espacios ambiguos y elegancia artificiosa, como en El Greco o Pontormo.

Estilo europeo de los siglos XVII y XVIII, con dinamismo, contrastes de luz, teatralidad, persuasión religiosa y dominio del espacio, representado por Bernini, Caravaggio, Velázquez y Rubens.

Estilo decorativo del siglo XVIII, ligado a la corte y a la vida privada, con formas asimétricas, colores pastel, motivos de rocalla y temas galantes, como en Watteau o Tiepolo.

Movimiento de finales del siglo XVIII y comienzos del XIX que rechaza el Barroco y recupera la Antigüedad clásica, con claridad compositiva, dibujo preciso y temas históricos y morales.

Movimiento artístico del siglo XIX que privilegia el sentimiento, la imaginación, la naturaleza sublime y la libertad del individuo, con pincelada suelta y temas históricos y dramáticos.

Corriente de mediados del siglo XIX que representa la vida cotidiana y las clases trabajadoras con veracidad, sin idealización, y con temáticas sociales y políticas, como en Courbet o Millet.

Movimiento francés de la segunda mitad del siglo XIX que pinta la impresión luminosa del instante, con pincelada suelta, colores puros y pintura al aire libre, como Monet, Renoir o Pissarro.

Conjunto de trayectorias posteriores al Impresionismo que lo superan por vías distintas: estructura y volumen en Cézanne, color simbólico en Gauguin, expresión lineal en Van Gogh y dibujo en Toulouse-Lautrec.

Técnica pictórica que construye la imagen con pequeños puntos de color puro, basada en la mezcla óptica y en teorías científicas del color, practicada por Seurat y Signac.

Movimiento de finales del siglo XIX y comienzos del XX, con formas orgánicas, decoración integrada y artesanía, representado en arquitectura por Gaudí y en pintura por Klimt.

Movimientos artísticos de las primeras décadas del siglo XX que rompen con la tradición y la representación mimética, como el fauvismo, el cubismo, el futurismo, el expresionismo y el surrealismo.

Vanguardia iniciada por Picasso y Braque que descompone el objeto en planos y lo muestra desde varios puntos de vista, con etapas analítica y sintética y uso del collage.

Vanguardia que explora el inconsciente, el sueño y el automatismo psíquico, con imágenes oníricas y asociaciones insólitas, en Dalí, Magritte, Ernst y Miró.

Corriente que deforma y exagera la forma y el color para transmitir emociones intensas, con grupos como Die Brücke y Der Blaue Reiter y autores como Munch o Kirchner.

Vanguardia francesa de comienzos del siglo XX que emplea el color puro e intenso con autonomía respecto a la realidad, con Matisse como figura principal.

Arquitectura del siglo XX basada en la función, los nuevos materiales, la planta libre y la ausencia de ornamento, con figuras como Le Corbusier, Gropius y Mies van der Rohe.

Escuela alemana fundada por Gropius en 1919 que unió arte, artesanía y diseño industrial, con una pedagogía basada en talleres y una influencia decisiva en el diseño moderno.

Producción posterior a la Segunda Guerra Mundial que amplía los medios y los conceptos del arte, con tendencias como el informalismo, el pop, el minimalismo, el arte conceptual y las instalaciones.

Tendencia que renuncia a representar objetos reconocibles y trabaja con formas, colores y líneas autónomas, desde Kandinsky y Mondrian hasta el expresionismo abstracto posterior.

Práctica artística en la que la idea prevalece sobre el objeto, con uso de textos, instrucciones, documentos y acciones, y con autores como Kosuth o Beuys.

Sistema geométrico que representa la profundidad mediante líneas convergentes en uno o varios puntos de fuga, con un horizonte y una escala proporcional, desarrollado en el Renacimiento.

Uso contrastado de luces y sombras para modelar volúmenes y crear dramatismo, característico del Barroco y llevado al extremo por Caravaggio en el tenebrismo.

Variante del claroscuro que ilumina violentamente las figuras sobre fondos oscuros, con fuerte carga teatral, iniciada por Caravaggio y difundida por sus seguidores europeos.

Arco semicircular formado por dovelas que transmiten empujes laterales, característico de la arquitectura romana y del Románico.

Arco formado por dos segmentos de circunferencia que se cortan en la clave, lo que reduce los empujes laterales y permite mayor altura y vanos más amplios, propio del Gótico.

Arco que prolonga su curva más allá del semicírculo, de tradición visigoda y muy usado en la arquitectura islámica y mudéjar.

Cubierta formada por la prolongación de un arco a lo largo de un eje, que genera empujes que requieren muros gruesos o contrafuertes, típica del Románico.

Cubierta gótica formada por el cruce de dos bóvedas de cañón apuntadas, cuyos nervios concentran los empujes en los pilares y permiten muros más ligeros.

Elemento exterior gótico formado por un arco que transmite los empujes de la bóveda a un contrafuerte, liberando el muro para abrir grandes ventanales.

Superficie semicircular situada sobre el dintel de una portada, frecuente en el Románico y el Gótico, donde se desarrollan programas escultóricos didácticos como el Juicio Final.