Valencian Community PAU Performing Arts II cheat sheet

Texto dramático: se define por la virtualidad escénica; las acotaciones (didascalias) pertenecen al texto secundario y no se pronuncian en escena.

Estructura aristotélica en cinco partes: planteamiento, nudo o complicación, clímax, desenlace y situación final; el modelo clásico reduce a tres actos (planteamiento-nudo-desenlace).

Conflicto dramático: fuerza protagónica frente a fuerza antagonista; sin oposición no hay acción dramática, solo narración.

Tiempo dramático: tiempo de la fábula (duración representada) frente a tiempo de la representación (duración real del espectáculo); la unidad clásica exige coincidencia de ambos en 24 horas.

Espacio dramático: espacio escénico (visible, construido por la escenografía) y espacio dramático o diegético (evocado por el diálogo, fuera de escena).

Géneros mayores: tragedia, comedia y drama (tragicomedia); géneros menores o formas breves: entremés, loa, sainete, auto sacramental, paso.

Personaje: se construye por lo que dice, lo que hace y lo que otros dicen de él; distinción entre personaje redondo (evoluciona) y plano (sin transformación).

Modelo actancial de Greimas: sujeto, objeto, ayudante, oponente, destinador y destinatario; permite describir la estructura profunda de cualquier relato dramático.

Ironía trágica: el espectador conoce información que el personaje ignora; la peripecia (cambio de fortuna) y la anagnórisis (reconocimiento) son sus motores en la Poética de Aristóteles.

Puesta en escena (mise en scène): conjunto de decisiones del director que integran texto, espacio, actores, luz, sonido y vestuario en una lectura coherente de la obra.

Tipos de escenario: a la italiana (frontal, cuarta pared), isabelino (corral, público en tres lados), arena o circular, escenario flexible o black box, y teatro de calle.

Convenciones escénicas: la cuarta pared, el aparte, el monólogo, el soliloquio y el coro; su aceptación por el público define el pacto ficcional.

Escenografía: construcción del espacio visible; puede ser realista (ilusionista), simbólica, funcional o proyectada (videomapping).

Iluminación: funciones de visibilidad, selección de foco, creación de atmósfera, marcado temporal y ritmo; la luz plana (general) frente a la luz contrastada o de recorte.

Vestuario y maquillaje: caracterizan época, clase social, edad y estado psicológico; el vestuario de personaje no equivale al vestuario de actor.

Sonido y música: ambientales (diegéticos, justificados por la escena) o incidentales (no diegéticos); el diseño sonoro refuerza el ritmo y la tensión.

Producción: jerarquía de director, escenógrafo, figurinista, iluminador, diseñador de sonido, regidor y productor; el cuaderno de dirección y el plan de ensayos ordenan el montaje.

El espacio vacío de Peter Brook: el teatro requiere solo un actor, un público y un espacio; los demás elementos son opcionales y significativos por elección.

Sistema Stanislavski: memoria emotiva, circunstancias dadas, objetivo (tarea) y superobjetivo; el 'si mágico' activa la imaginación del actor.

Método de las acciones físicas (Stanislavski tardío): la acción concreta genera la emoción, no al contrario; el actor parte del 'qué hago' y no del 'qué siento'.

Distanciamiento (Brecht): el actor muestra al personaje sin fundirse con él; efecto de extrañamiento (Verfremdungseffekt) para activar el juicio crítico del público.

Biomecánica (Meyerhold) y teatro pobre (Grotowski): el cuerpo del actor como material esencial; entrenamiento físico riguroso y reducción de elementos escénicos.

Voz: apoyo diafragmático, proyección, articulación, resonancia y control del ritmo respiratorio; la prosodia transmite intención antes que el contenido literal.

Presencia escénica: capacidad de sostener la atención del público sin acción verbal; se entrena con trabajo de centro, equilibrio, mirada y escucha activa.

Trabajo de ensemble: escucha, ritmo compartido, reparto de foco y corresponsabilidad; el actor no actúa para el público sino con el otro actor.

Construcción del personaje: análisis del texto (objetivos por escena), partitura física y vocal, subtexto y biografía imaginaria del personaje.

Improvisación: herramienta de ensayo para explorar circunstancias dadas y relaciones; la improvisación no sustituye al texto fijado en la representación.

Teatro griego clásico (s. V a.C.): tragedia de Esquilo, Sófocles y Eurípides; comedia de Aristófanes; espacio del theatron, orchestra y skene; uso de máscaras y coro.

Teatro romano: hereda el modelo griego; Plauto y Terencio en comedia, Séneca en tragedia; el edificio teatral romano se levanta sobre bóvedas exentas.

Edad Media: teatro religioso (misterios, milagros, autos) en atrios e iglesias y teatro profano (farsas, soties); el carro de misterios y la decoración simultánea.

Siglo de Oro español (ss. XVI-XVII): Lope de Vega y el Arte nuevo de hacer comedias (1609), que rompe las unidades; corral de comedias; Calderón y el auto sacramental.

Teatro isabelino y jacobeo: Shakespeare y Marlowe; escenario descubierto, apuntes y público en tres frentes; la escena habla de lugares mediante la palabra.

Neoclasicismo (s. XVIII): regla de las tres unidades, verosimilitud y decoro; en España, Leandro Fernández de Moratín y la comedia neoclásica.

Romanticismo (s. XIX): ruptura de unidades, mezcla de géneros y drama histórico; en España, Duque de Rivas, Zorrilla y Hartzenbusch.

Vanguardias y siglo XX: simbolismo, expresionismo, teatro épico de Brecht, teatro del absurdo (Beckett, Ionesco) y teatro de la crueldad (Artaud).

Teatro español contemporáneo: generación de los 50 (Buero Vallejo, Alfonso Sastre), teatro independiente de los 70 y autores posteriores como Sanchis Sinisterra.

Poética de Aristóteles: mímesis, fábula (mythos), caracteres, pensamiento, elocución, melopeya y espectáculo; catarsis como purgación de piedad y temor.

Crítica textual frente a crítica escénica: la primera analiza el texto dramático; la segunda evalúa la representación como hecho escénico autónomo.

Teatro épico (Brecht): narración, ruptura de la ilusión, carteles y canciones; el público como observador crítico y no como sujeto de identificación.

Teatro de la crueldad (Artaud): primacía del gesto, el sonido y el cuerpo sobre la palabra; el teatro como experiencia sensorial y ritual.

Semiótica teatral (Kowzan, Ubersfeld): la representación como sistema de signos; signos del actor, del espacio, del sonido y del texto, en relación de complementariedad.

Teatro posdramático (Lehmann): disolución de la fábula y del personaje, primacía del acontecimiento escénico y del espectador como coproductor.

Análisis de la recepción: horizonte de expectativas (Jauss) y lector/espectador implícito; la obra se completa en la interpretación del público.

Crítica teatral: describe, interpreta y valora; distingue entre juicio estético argumentado y opinión impresionista sin evidencia escénica.

Danza: ballet clásico (codificación académica, zapatillas de punta), danza moderna (Graham, Humphrey) y danza contemporánea (release, contact improvisation).

Danza española y flamenco: palos (soleá, alegrías, bulerías), compás de 12 tiempos y estructura de cante, toque y baile; el tablao como espacio tradicional.

Teatro musical: integración de libro, letra y partitura (book, lyrics, score); la canción avanza la acción dramática y no solo decora.

Ópera: drama en música con libreto; diferencia entre aria (expresión lírica detenida) y recitativo (avance de la acción).

Circo: disciplinas aéreas, acrobacia, malabares y clown; el circo contemporáneo incorpora dramaturgia y narrativa frente al número aislado tradicional.

Performance art: el cuerpo y el tiempo real como material; carácter efímero, no repetible y a menudo site-specific; documentación como memoria de la obra.

Nuevos medios: videomapping, teatro interactivo, realidad aumentada y escena digital; el espectador puede intervenir en la dramaturgia.

Teatro de títeres y objetos: el animador transfiere presencia al objeto; técnicas de guante, varilla, marioneta de hilo y teatro de sombras.

Interdisciplinariedad: la hibridación de lenguajes exige analizar qué sistema domina la dramaturgia (cuerpo, imagen, texto o sonido) en cada propuesta.

Instituciones públicas: Institut Valencià de Cultura (IVC), con teatros como el Principal de València y el Teatre Arniches de Alicante, y la red de teatros municipales.

Compañías históricas y actuales: La Fura dels Baus (nacida en 1979 en Moià pero vinculada a Cataluña y con proyección valenciana), Bambalina Teatre Practicable, Teatre Micalet y Albena Teatre.

Festivales: Festival Internacional de Teatre de Alcoi (impulsado desde el año 2000), Mostra de Teatre de Alcoi, y programaciones de artes escénicas en València como Russafa Escènica.

Formación: Escuela Superior de Arte Dramático de València (ESADV) y estudios de artes escénicas en universidades valencianas.

Dramaturgia valenciana contemporánea: autores como Rodolf Sirera, Josep Lluís Sirera y Paco Zarzoso; recuperación de clásicos valencianos como Roís de Corella.

Tradición escénica valenciana: el Misteri d'Elx (Patrimonio Oral e Inmaterial de la UNESCO, 2001) como drama sacro medieval con dos partes representadas el 14 y 15 de agosto.

Sainete y teatro popular valenciano: el sainete valenciano del siglo XIX y el auge del teatro de variedades en la ciudad de València.

Política cultural: ayudas a la producción escénica de la Generalitat Valenciana, circuitos como el Circuit Cultural Valencià y giras de compañías profesionales.

Sedes emblemáticas: Teatre Principal de València (reconstruido en 1998), Teatre Talia, Teatre Olympia y el Palau de les Arts Reina Sofía para ópera y música.