BY Abitur Kunst eA key terms

Der praktische Prüfungsteil, in dem eine Gestaltungsaufgabe eigenständig geplant und als Werk umgesetzt wird. Bewertet werden Idee, Komposition, Materialeinsatz und die Fähigkeit, den eigenen Arbeitsprozess nachvollziehbar zu dokumentieren.

Die konkrete Aufgabenstellung im praktischen Teil, die Thema, Format, Technik oder Materialrahmen vorgibt. Sie verlangt eine eigenständige künstlerische Lösung innerhalb der gesetzten Bedingungen statt bloßer Reproduktion eines Vorbilds.

Die bewusste Anordnung von Bildelementen wie Formen, Farben und Linien auf der Fläche. Sie steuert Blickführung, Spannung und Gewichtung und lässt sich an Achsen, Schwerpunkten und Leerflächen beschreiben.

Ein Proportionsverhältnis von etwa 1 zu 1,618, bei dem sich der kleinere Teil zum größeren wie der größere zum Ganzen verhält. In der Bildanalyse dient es als Argument für ausgewogene, harmonisch wirkende Aufteilungen.

Eine vereinfachte Kompositionshilfe, bei der das Bild in neun gleich große Felder geteilt wird. Wichtige Motive werden auf die Schnittlinien oder deren Kreuzungspunkte gesetzt, um statische Mittellagen zu vermeiden.

Die räumliche Wirkung einer zweidimensionalen Darstellung, erzeugt durch Überschneidung, Größenabnahme, Luft- und Farbperspektive oder Fluchtlinien. Man unterscheidet zentralperspektivische, isometrische und flächig-ungegenständliche Raumkonzepte.

Konstruktionsverfahren, bei dem parallele Tiefenlinien auf einen oder mehrere Fluchtpunkte zulaufen. Sie erzeugt einen festen Betrachterstandpunkt und illusionistische Tiefe und ist seit der Renaissance ein zentrales Mittel abendländischer Bildkunst.

Der Punkt auf der Horizontlinie, in dem sich die in die Tiefe laufenden Parallelen eines Bildes treffen. Seine Lage bestimmt Blickhöhe und Raumwirkung und verrät oft die beabsichtigte Betrachterposition.

Die gedachte Linie, auf der Himmel und Erde im Bild zusammentreffen und auf der die Fluchtpunkte liegen. Ihre Höhe entscheidet, ob der Betrachter von oben, auf Augenhöhe oder von unten auf die Szene blickt.

Raumwirkung durch Übereinanderschichten von Bildelementen, wobei tiefer liegende Formen höher im Bild erscheinen. Dieses vorperspektivische Mittel prägt etwa mittelalterliche Malerei und viele außereuropäische Bildtraditionen.

Ein Grundmittel der Raumdarstellung, bei dem eine Form eine andere verdeckt und dadurch vor ihr zu liegen scheint. Sie wirkt auch ohne perspektivische Konstruktion und ist in Grafik und Malerei besonders wirksam.

Tiefenwirkung durch abnehmende Farbintensität und Kontraststärke im Hintergrund. Ferne Partien erscheinen bläulicher, heller und unschärfer, was auf atmosphärische Streuung des Lichts zurückgeht.

Verfahren, räumliche Tiefe durch zunehmende Unschärfe, Kontrastminderung und Aufhellung entfernter Bildteile zu erzeugen. Sie ergänzt die Linearperspektive und verstärkt den Eindruck von Weite und Atmosphäre.

Der deutlich wahrnehmbare Unterschied zwischen Gestaltungselementen, etwa hell und dunkel, warm und kalt, groß und klein. Kontraste erzeugen Spannung, lenken den Blick und gliedern das Bild.

Malweise, die Körper und Raum vor allem über Abstufungen von Hell und Dunkel statt über Farbe oder Linie formt. Sie erzeugt starke Plastizität und dramatische Lichtstimmung, besonders in der Barockmalerei.

Italienischer Fachbegriff für die bewusste Führung von Licht und Schatten im Bild. Harte Übergänge betonen Volumen und Dramatik, weiche Übergänge wirken ruhig und atmosphärisch.

Spannungswirkung zweier Farben, die sich im Farbkreis gegenüberliegen, etwa Rot und Grün. Sie steigern sich gegenseitig in Leuchtkraft und werden häufig für Blickführung und Akzente eingesetzt.

Schematische Anordnung der Farben nach Mischverhältnissen, meist mit Primär-, Sekundär- und Tertiärfarben. Er dient als Werkzeug, um Farbverwandtschaften, Komplementärbezüge und Mischungen zu beschreiben.

Die Intensität oder Reinheit einer Farbe, also ihr Abstand zu einem unbunten Grau. Geringe Sättigung lässt Farben stumpf und fern wirken, hohe Sättigung erzeugt Leuchtkraft und Vordergrundnähe.

Die Art, wie Farbe auf den Bildträger gebracht wird, etwa lasierend, deckend, pastos oder spritzend. Er beeinflusst Oberfläche, Lichtwirkung und Ausdruckscharakter eines Werkes erheblich.

Dünnflüssiger, transparenter Farbauftrag über eine getrocknete Schicht. Lasuren lassen den Untergrund durchscheinen, erzeugen leuchtende Tiefenwirkung und werden in Ölmalerei oft schichtweise kombiniert.

Italienischer Begriff für pastosen, deutlich über die Fläche hinausragenden Farbauftrag. Die Farbe wird mit Pinsel oder Spachtel dick aufgetragen, sodass Oberflächenstruktur und Lichtreflexe Teil der Bildwirkung werden.

Dicker, körperlicher Farbauftrag, bei dem Pinsel- oder Spachtelspuren sichtbar bleiben. Er betont die Materialität der Farbe und wird häufig in expressiver Malerei eingesetzt.

Die nachvollziehbare Aufzeichnung von Ideenfindung, Skizzen, Materialtests und Zwischenständen während der Gestaltungsaufgabe. Sie zeigt Entscheidungen und Alternativen und ist oft Teil der Bewertung im praktischen Abitur.

Schnelle, oft lockere zeichnerische Notiz, die eine Bildidee, Bewegung oder Komposition festhält. Sie dient der Ideenfindung und Planung und muss nicht ausgearbeitet sein.

Die systematische Reflexion über Kunst: über ihre Begriffe, ihre Wirkung, ihre Produktions- und Rezeptionsbedingungen. Im Abitur dient sie als Grundlage, um Werke zu deuten und eigene Urteile zu begründen.

Systematische Untersuchung eines Kunstwerks nach festen Kategorien wie Komposition, Farbe, Form, Licht und Material. Sie beschreibt zunächst das Sichtbare und leitet daraus begründete Deutungen ab.

Der erste Schritt der Werkanalyse: das sachliche Erfassen von Motiv, Bildaufbau und Gestaltungsmitteln ohne vorschnelle Deutung. Sie schafft die Grundlage, auf der Interpretation und Vergleich aufbauen.

Die Deutung eines Werkes im Hinblick auf Aussage, Wirkung und historischen Kontext. Sie stützt sich auf die Ergebnisse der Analyse und macht die eigenen Deutungsschritte argumentativ nachvollziehbar.

Untersuchung der formalen Mittel eines Werkes, etwa Linienführung, Flächengliederung, Plastizität und Kontraste. Sie beschreibt, wie die Gestaltung den Ausdruck erzeugt, unabhängig vom dargestellten Motiv.

Die Lehre von den Bildinhalten und ihren überlieferten Bedeutungen, etwa Attributen von Heiligen oder mythologischen Motiven. Wer sie kennt, kann Anspielungen in Werken erkennen, die ohne Hintergrundwissen verborgen bleiben.

Die Deutung von Bildinhalten im kulturellen und historischen Zusammenhang, über die bloße Identifikation von Motiven hinaus. Sie fragt, welche Weltanschauung oder gesellschaftliche Ordnung ein Werk vermittelt.

Das methodische Gegenüberstellen zweier Werke anhand gemeinsamer Kriterien wie Motiv, Komposition, Farbe und Entstehungszeit. Ziel ist es, Gemeinsamkeiten und Unterschiede herauszuarbeiten und zu begründen.

Ein zeitlich und stilistisch abgrenzbarer Abschnitt der Kunstgeschichte, etwa Romanik, Renaissance oder Expressionismus. Epochenbegriffe sind Hilfskonstruktionen, die nie alle Werke einer Zeit erfassen.

Eine typische, wiederkehrende Gestaltungsweise, an der sich Werke einer Epoche, Region oder Künstlerpersönlichkeit erkennen lassen. Stilmerkmale werden beschrieben und begründet, nicht bloß benannt.

Der antike Begriff für Nachahmung der Wirklichkeit in der Kunst. Er wurde über Jahrhunderte als Maßstab künstlerischer Qualität diskutiert und in der Moderne durch Konzepte wie Abstraktion und Konstruktion relativiert.

Das Lösen der Darstellung von der sichtbaren Wirklichkeit hin zu freien Formen, Farben und Zeichen. Man unterscheidet gegenstandsfreie und gegenstandsnahe Abstraktion, etwa bei Kandinsky und Klee.

Ansatz, der die Wirkung eines Werkes auf den Betrachter in den Mittelpunkt stellt. Bedeutung entsteht demnach erst im Zusammenspiel von Werk, Betrachter und Kontext, nicht allein in der Absicht des Künstlers.