Aragón PAU Artistic Drawing II cheat sheet

La línea se define por grosor, intensidad (presión), velocidad y dirección; variar esos cuatro parámetros produce familias de trazos distintas (contorno, línea de sombra, línea de estructura, línea de relleno).

Línea de contorno: describe el límite de la forma y puede ser continua, interrumpida o de grosor variable; la línea de estructura es la que se traza antes y por debajo del contorno para situar ejes y proporciones.

El valor (value) es el grado de claridad u oscuridad de un tono, independiente del color; una escala de valor útil para el dibujo artístico va del 0 (negro) al 10 (blanco) en diez pasos, con al menos cinco valores intermedios distinguibles.

Textura táctil: se percibe por relieve real (papel, grano del soporte, empaste). Textura visual: se sugiere mediante marcas, tramado o frotado (frottage) sin relieve real.

El tramado (hatching) usa líneas paralelas; el tramado cruzado (cross-hatching) superpone dos o más direcciones y densifica el valor. A mayor densidad y cruce, mayor oscuridad aparente.

Técnica de frotado o frottage: se coloca el papel sobre una superficie con relieve y se frota con grafito o cera; registra la textura del objeto sin dibujarlo de forma figurativa.

La forma puede ser geométrica (regulada por ejes, simetría y medidas) u orgánica (irregular, asimétrica, con variación continua de curvatura); el dibujo analítico tiende a la geometría, el dibujo expresivo a la orgánica.

Regla de decisión: si el objetivo es describir volumen, priorizar el valor y la modulación del trazo; si el objetivo es describir superficie, priorizar la textura y la variación de grano.

Equilibrio simétrico: masas equivalentes respecto a un eje central. Equilibrio asimétrico: masas de distinto tamaño o valor compensadas por posición, contraste o dirección; una masa pequeña y oscura puede equilibrar una grande y clara.

Regla de los tercios: dividir el formato en tres franjas horizontales y tres verticales; situar focos de interés en las intersecciones suele generar composiciones más dinámicas que la centralización.

Ritmo: repetición regular (métrica), repetición con variación progresiva (ritmo creciente o decreciente) y repetición alterna. La repetición sin variación produce monotonía; la variación sin repetición produce dispersión.

Proporción: relación entre partes y entre parte y todo. La sección áurea (≈1,618) y la proporción 3:4, 2:3 o 4:5 son referencias frecuentes para dividir el formato y situar el horizonte.

Escala: relación de tamaño entre elementos. La escala puede ser natural (1:1), de reducción (1:2, 1:5) o de ampliación (2:1); en composición, la escala relativa de las figuras indica profundidad y jerarquía.

Organización espacial: plano de fondo, plano medio y primer plano. La superposición, la disminución de tamaño, la convergencia de líneas y el contraste de valor crean sensación de profundidad.

Peso visual: aumenta con el tamaño, la oscuridad, la saturación, la posición elevada o descentrada y el aislamiento del elemento respecto al resto.

Ley de cierre y pregnancia (Gestalt): el ojo tiende a completar formas incompletas y a agrupar elementos próximos o semejantes; el compositor puede aprovecharla o contradecirla deliberadamente.

Mezcla sustractiva (pigmentos): cian, magenta y amarillo como primarios; la mezcla de los tres tiende al negro. Mezcla aditiva (luz): rojo, verde y azul (RGB); la suma de los tres da blanco.

Colores complementarios: pares opuestos en el círculo cromático (rojo-verde, azul-naranja, amarillo-violeta). Su mezcla sustractiva produce neutros o tierras; su yuxtaposición produce máximo contraste simultáneo.

Colores análogos: contiguos en el círculo cromático; generan armonía y cohesión. Esquema tríada: tres colores equidistantes; esquema complementario dividido: un color y los dos adyacentes a su complementario.

Propiedades del color: matiz (hue, posición en el círculo), saturación (pureza o croma) y luminosidad o valor (claridad). Un mismo matiz puede variar en saturación y valor de forma independiente.

Mezcla para oscurecer: añadir complementario, tierra o azul al color base tiende a apagarlo y oscurecerlo; añadir blanco aclara pero desatura. Para conservar saturación al aclarar, usar amarillo o un tono más claro del mismo matiz.

Contraste simultáneo: un color parece más saturado o más claro según el color que lo rodea; un gris sobre fondo rojo tiende a verse verdoso, y sobre fondo amarillo tiende al violeta.

Temperatura: rojos, naranjas y amarillos se perciben cálidos y tienden a avanzar; azules y verdes se perciben fríos y tienden a retroceder. La temperatura relativa depende del contexto.

Uso expresivo: saturación alta y contraste complementario producen tensión y energía; gamas análogas y valores próximos producen calma y unidad. El color local describe el objeto; el color expresivo responde a la intención del autor.

Partes de la luz sobre un volumen: luz directa, luz reflejada, medio tono, sombra propia (zona no iluminada del objeto), sombra proyectada (sobre el plano) y brillo especular.

El claroscuro modela el volumen mediante transiciones graduales de valor; un cambio brusco de valor produce aristas y planos duros, mientras que una transición suave sugiere superficies curvas.

Dirección de la luz: una fuente lateral y algo elevada revela mejor el volumen que una luz frontal (aplana) o una contraluz (siluetea). La posición de la sombra proyectada depende de la dirección y altura de la fuente.

Perspectiva cónica: línea de horizonte (LH), punto de fuga (PF) y línea de tierra (LT). En perspectiva de un punto, las aristas paralelas al plano del cuadro no fugan; las perpendiculares fugan al PF.

Perspectiva de dos puntos: las aristas horizontales del objeto fugan a dos PF situados sobre la LH. Perspectiva de tres puntos añade un PF vertical para vistas picadas o contrapicadas.

Escorzo: acortamiento aparente de un objeto o figura que se orienta hacia el espectador; exige reducir la dimensión en profundidad y ajustar solapamientos.

Regla práctica de proporción en perspectiva: a igual altura real, los objetos más lejanos se sitúan más cerca de la LH y se dibujan más pequeños; la escala disminuye de forma no lineal con la distancia.

Luz y volumen en el dibujo del natural: conviene establecer primero la estructura (ejes, volúmenes básicos), después los planos de luz y sombra, y por último los detalles y las texturas.

Grafito: dureza codificada con H (duro, trazo claro y preciso), B (blando, trazo oscuro y graso) y F entre ambos; 9H es el más duro y 9B el más blando. El grafito se borra y se difumina con difumino.

Carbón: carboncillo de sauce (blando, tonos medios), carbón comprimido (negro intenso, mayor cobertura) y lápiz carbón (trazo más controlado). Se fija con fijador; se borra con goma maleable o goma de pan.

Tinta: plumilla para trazos variables por presión, pincel para masas y aguada diluida en agua para valores. La tinta es permanente una vez seca; el error no se corrige por borrado, se integra o se cubre.

Pastel: barra seca de pigmento con poca carga aglutinante; permite superposición y mezcla óptica por frotado. Los pasteles grasos (oil pastels) se mezclan por arrastre y no se fijan igual que los secos.

Técnicas secas (grafito, carbón, pastel, cera) frente a húmedas (tinta, aguada, acuarela). Las secas permiten corrección y difuminado; las húmedas exigen planificación del orden de aplicación.

Técnica mixta: combinar medios con distinta naturaleza (por ejemplo, aguada de tinta con grafito o pastel sobre carbón). Regla de compatibilidad: aplicar primero el medio graso o permanente y después el soluble o acuoso, salvo que se busque reserva o rechazo.

Soportes: papel de grano grueso retiene más pigmento y produce texturas; papel satinado favorece el detalle fino. El gramaje bajo se deforma con aguadas; para húmedas se recomienda gramaje alto y encolado.

Recursos de expresión: línea modulada, mancha, difuminado, reserva en blanco del papel como luz, raspado o esgrafiado y veladuras. El blanco del soporte actúa como valor máximo si se conserva sin cubrir.

Método de comentario en cuatro pasos: descripción (qué se ve), análisis formal (cómo está construido), análisis técnico (con qué medio y procedimiento) y valoración o interpretación (qué efecto o intención produce).

En la descripción se identifican tema, género (retrato, paisaje, bodegón, figura, apunte), encuadre y formato (horizontal, vertical, cuadrado, irregular).

En el análisis formal se examinan composición (ejes, equilibrio, focos), proporción, escala, ritmo, tratamiento del espacio y uso del color o del valor.

En el análisis técnico se reconoce el medio por sus huellas: grano y brillo del grafito, borde quebradizo y negro mate del carbón, contraste seco y aguada de la tinta, textura pulverulenta del pastel.

Vocabulario de valoración: tensión, equilibrio, dinamismo, contención, expresividad, síntesis, detalle, ambigüedad espacial, economía de medios. Cada término debe justificarse con un elemento observable.

El boceto o apunte previo revela el proceso: líneas de construcción, correcciones visibles, tanteos de proporción y encaje. Su presencia en la obra es dato para el comentario, no defecto.

Contexto: fecha, autor, movimiento y función de la obra (estudio preparatorio, dibujo autónomo, ilustración, caricatura) condicionan la interpretación; no se atribuye intención sin apoyo en indicios visuales.

Error frecuente: confundir descripción con interpretación. Afirmar «transmite soledad» exige señalar el recurso que lo produce (figura aislada, espacio vacío, gama reducida, horizonte alto).

Fases del proyecto: definición del tema y del encargo, investigación y referencias, bocetos de tanteo, estudios de detalle, elección de alternativa, desarrollo final y presentación.

Boceto de tanteo: muchas variantes rápidas y de pequeño formato para explorar encuadre y composición. Estudio: versión más elaborada que resuelve proporciones, luz y color de una alternativa elegida.

El cuaderno de campo o de apuntes registra observación directa; su valor está en la cantidad y variedad de soluciones, no en la limpieza. Se documenta con fecha y anotaciones.

Criterios de selección entre alternativas: claridad del foco, coherencia con el objetivo, viabilidad técnica, originalidad de la solución y economía de medios. Conviene fijar los criterios antes de elegir.

Unidad de la serie: repetir formato, gama cromática, tratamiento de línea o escala para que las piezas se lean como conjunto; la variación se reserva para el elemento que debe destacar.

Planificación técnica: elegir soporte, formato y medio en función del tiempo disponible y de la corrección posible; los medios permanentes exigen más planificación previa que los borrables.

Presentación: margen y enmarcado afectan a la lectura de la obra; una firma, un título y una ficha técnica (título, técnica, soporte, medidas, año) completan la entrega profesional del proyecto.

Autoevaluación: comprobar encaje y proporción, coherencia de la fuente de luz, unidad de la gama, legibilidad del foco y correspondencia entre la intención inicial y el resultado final.