PAU Literatura Dramática (Cantabria) key terms

Texto secundario del drama, normalmente en cursiva, que indica decorado, vestuario, gestos o movimientos. No se pronuncia en escena, pero guía la puesta en escena y aporta información sobre el espacio y la acción.

Intercambio verbal entre personajes que constituye el modo principal de transmitir la acción. Cada réplica responde a la anterior y avanza el conflicto, caracteriza a quien habla y sitúa la escena.

Parlamento extenso de un personaje que habla sin interlocutor presente en la ficción. Revela su interioridad, resume información o prepara una decisión, y suele marcar un momento de máxima tensión.

Variante del monólogo en la que el personaje, a solas, expresa en voz alta sus pensamientos como si nadie escuchara. Frecuente en el teatro clásico para mostrar dudas y deliberaciones ante el público.

Réplica breve que un personaje dirige al público fingiendo que los demás no la oyen. Crea complicidad, ironía o suspense, y es un recurso típico de la comedia y del teatro barroco.

Efecto por el que el espectador conoce un dato que el personaje ignora, de modo que sus palabras adquieren un sentido que él no percibe. Genera tensión, compasión o comicidad.

Enfrentamiento de fuerzas o voluntades que sostiene la acción: dos personajes, un personaje y su entorno, o un personaje consigo mismo. Sin conflicto no hay progresión dramática ni interés escénico.

Conjunto de hechos que se encadenan por causa y efecto y transforman la situación inicial. Debe ser verosímil, progresiva y culminar en un desenlace que responda a lo planteado.

División clásica de la estructura externa del drama: presentación de personajes y conflicto, desarrollo con complicaciones y resolución final. Es la base del análisis de la trama en cualquier época.

Momento de máxima tensión del conflicto, donde la suerte del protagonista parece decidirse. Suele preceder al desenlace y concentra la emoción de la obra.

Término aristotélico para el cambio brusco de fortuna del héroe, del bien al mal o al revés. Provoca sorpresa y refuerza el efecto trágico cuando nace de la propia acción del personaje.

Reconocimiento o descubrimiento que transforma la situación de los personajes, por ejemplo al revelarse una identidad oculta. Aristóteles la considera, junto a la peripecia, motor de la tragedia.

Según la Poética, purificación de las emociones de compasión y temor que el espectador experimenta al asistir a la tragedia. Es uno de los conceptos más discutidos de la teoría dramática.

Error o falta del héroe trágico que, sin hacerlo malvado, explica su caída. Aristóteles la distingue de la maldad deliberada y la vincula al paso de la dicha a la desgracia.

Reglas de acción, tiempo y lugar que la preceptiva clásica derivó de Aristóteles y la crítica posterior. La unidad de acción es la más aceptada; las de tiempo y lugar se relajan desde el Romanticismo.

Norma neoclásica que exige una sola acción, transcurrida en un día y en un lugar único. Se justificaba por la verosimilitud y fue rechazada por los románticos en nombre de la libertad creadora.

Cualidad de lo que resulta creíble dentro de las convenciones de la obra, aunque no sea real. La poética clásica la opone a lo meramente histórico y la vincula al decoro de personajes y acciones.

Adecuación del lenguaje y el comportamiento de cada personaje a su condición social, edad y sexo. Precepto central del teatro clásico y neoclásico, que regulaba también la mezcla de géneros.

Género que presenta a un personaje de alta condición enfrentado a un destino adverso, con desenlace funesto. Busca provocar compasión y temor, y su lenguaje suele ser elevado y solemne.

Género que muestra conflictos humanos de personajes corrientes con final feliz, a menudo mediante equívocos, ingenio y crítica de costumbres. Su lenguaje es familiar y su propósito, provocar risa.

Forma que combina rasgos trágicos y cómicos y refleja la vida cotidiana con personajes de clase media. Se consolida en el siglo XVIII y domina buena parte del teatro moderno y contemporáneo.

Obra que mezcla lo trágico y lo cómico en una misma acción, con desenlace que puede ser feliz. Lope de Vega la defendió frente a la separación estricta de géneros de la preceptiva clásica.

Pieza breve y cómica representada entre los actos de una comedia mayor. Retrata tipos populares y costumbres con humor directo; Cervantes y Quiñones de Benavente destacaron en el género.

Breve escena cómica de origen renacentista, precursora del entremés, que se representaba en los intermedios. Lope de Rueda la cultivó con tipos populares y diálogo vivo.

Obra religiosa en un acto, con personajes alegóricos, que dramatiza el misterio de la Eucaristía. Calderón de la Barca llevó el género a su máxima altura durante el Barroco.

Modelo dramático fijado por Lope de Vega en el siglo XVII: tres actos, mezcla de lo trágico y lo cómico, ruptura de unidades y polimetría. Se adapta al gusto del público y domina el teatro barroco español.

Uso de distintas formas métricas dentro de una misma obra, asociando cada estrofa a un tipo de escena o personaje. Es un rasgo definidor de la comedia nueva y un criterio de análisis del texto dramático.

Personaje cómico de la comedia barroca, criado del galán, que comenta con humor e ironía la acción seria. Introduce la perspectiva popular y rebaja la tensión trágica.

Valores sociales que articulan el conflicto de gran parte del teatro barroco: la honra es la reputación pública y el honor, la virtud personal. Generan dramas de venganza y de celos.

Representación de episodios religiosos, en latín y luego en lengua vulgar, surgida en el ámbito de la iglesia medieval. Es el origen del teatro europeo tras la Antigüedad.

Drama medieval de tema religioso, representado por gremios en fiestas y plazas, que escenifica episodios bíblicos o vidas de santos. Combina devoción y elementos populares.

Procedimiento por el que personajes o acciones representan ideas abstractas, como la Muerte, la Virtud o el Pecado. Es central en el auto sacramental y en el teatro medieval y moralizante.

Patio de vecinos adaptado para representaciones teatrales en el Siglo de Oro, con escenario, galerías y público de pie. Su disposición condicionó la escritura y la puesta en escena barrocas.

Conjunto de lugares donde transcurre la acción, tanto los representados en escena como los evocados por el diálogo. Su tratamiento revela la estética de la obra y su grado de realismo.

Duración de la acción ficticia frente al tiempo real de la representación. Puede comprimirse o dilatarse mediante elipsis, apartes o relatos, y se analiza junto al tiempo de la enunciación.

Entidad construida por sus palabras, acciones y lo que otros dicen de ella, sin narrador que la describa. Se analiza por su función, su carácter y su evolución a lo largo del conflicto.

Lista inicial de personajes que encabeza el texto dramático, a veces con indicación de parentesco o condición. Orienta la lectura y refleja la jerarquía de la obra.

Corriente de mediados del siglo XX que rompe la lógica causal y el diálogo coherente para expresar la falta de sentido de la existencia. Beckett o Ionesco son referentes, junto a autores españoles afines.

Propuesta de Brecht que busca distanciar al espectador para que reflexione críticamente en lugar de identificarse. Usa carteles, canciones y ruptura de la ilusión escénica como recursos didácticos.

Efecto brechtiano que impide la identificación emocional del público con los personajes, mostrando la acción como algo que puede juzgarse. Favorece la conciencia crítica y la intención política del teatro.