Castilla-La Mancha PAU Fundamentos Artísticos cheat sheet

Órdenes griegos: dórico (sin basa, capitel de equino y ábaco, friso de metopas y tríglifos), jónico (basa, volutas, friso continuo) y corintio (capitel de hojas de acanto); el toscano y el compuesto son variantes romanas.

Evolución de la escultura griega: arcaica (sonrisa arcaica, frontalidad, kuros y kore), clásica (contrapposto, canon de Policleto de 7 cabezas, diartrosis de Fidias) y helenística (pathos, movimiento, escorzos, grupos).

Principales escultores: Mirón (Discóbolo, tensión en el instante previo), Policleto (Doríforo, canon), Fidias (frontones del Partenón), Praxíteles (curva praxiteliana, Afrodita de Cnido), Lisipo (canon de 8 cabezas, Apoxiomeno).

Arquitectura griega: el templo es la tipología principal; períptero, próstilo, anfipróstilo; órdenes en los órdenes; correcciones ópticas del Partenón (éntasis, inclinación de columnas); teatro de Epidauro.

Arquitectura romana: arco de medio punto, bóveda de cañón y de arista, cúpula; opus quadratum, reticulatum, latericium; órdenes aplicados al muro; superposición de órdenes en el Coliseo (toscano, jónico, corintio, compuesto).

Tipologías romanas: basílica, termas (Calidarium, Tepidarium, Frigidarium), anfiteatro (Coliseo), teatro, circo, templo (Maison Carrée, Panteón con cúpula de casetones y óculo), arco de triunfo, columna conmemorativa (Trajana).

Retrato romano: realismo republicano de tradición funeraria (patricios con imagines maiorum); retrato imperial idealizado (Augusto de Prima Porta, con relieves en la coraza); retrato ecuestre (Marco Aurelio).

Relieve histórico romano: narración continua en la Columna Trajana y en el Ara Pacis; fusión de mito y propaganda imperial; diferencias con el relieve griego del friso del Partenón.

Arte paleocristiano: catacumbas con pintura simbólica (crismón, pez, buen pastor); basílica de planta longitudinal con ábside y transepto; mausoleos de planta centralizada (Santa Constanza); sarcófagos con relieves bíblicos.

Arte bizantino: planta centralizada con cúpula sobre pechinas (Santa Sofía), mosaicos de teselas doradas sobre fondo azul, iconostasis; iconografía de Pantocrátor, Theotokos y Deesis; etapas iconoclasta (726-843) e iconódula.

Ravenna: mosaicos de San Vital (Justiniano y Teodora), mausoleo de Gala Placidia; fusión de tradición romana y bizantina; hieratismo, frontalidad y simbolismo del espacio.

Prerrománico: arte visigodo (San Juan de Baños, arco de herradura, sillería), asturiano (Santa María del Naranco, función palatina), carolingio (capilla palatina de Aquisgrán, Westwerk) y mozárabe (San Miguel de Escalada).

Románico: iglesia de peregrinación con planta de cruz latina, tres naves, transepto, girola con absidiolos; bóveda de cañón con arcos fajones, pilares cruciformes, arco de medio punto, muros gruesos y ventanas abocinadas.

Escultura y pintura románicas: subordinación al marco arquitectónico, hieratismo, isocefalia, perspectiva jerárquica; tímpano del Juicio Final (Autun, Moissac); pintura mural al fresco con Pantocrátor en el ábside (San Clemente de Taüll).

Gótico: arco apuntado u ojival, bóveda de crucería, arbotantes y contrafuertes para descargar el muro; ventanales con vidrieras y rosetón; planta de tres o cinco naves con girola y capillas radiales.

Etapas del gótico: protogótico (Saint-Denis, Notre-Dame de París), clásico (Chartres, Reims, Amiens), rayonnant (Sainte-Chapelle) y flamígero (decoración calada); en España: cisterciense, castellano y levantino (lonjas).

Escultura gótica: progresiva humanización y naturalismo, sonrisa gótica, paños con pliegues, Virgen con el Niño; portadas con tímpano, dintel, jambas y parteluz; retablos y sepulcros; pintura de Giotto como precedente del naturalismo.

Quattrocento: Brunelleschi (cúpula de Santa María del Fiore, perspectiva lineal), Alberti (fachada de Santa Maria Novella, De re aedificatoria), Donatello (David, San Jorge), Masaccio (Trinidad, fresco con perspectiva).

Cinquecento: Bramante (Tempietto, San Pietro), Miguel Ángel (David, Moisés, Capilla Sixtina, cúpula de San Pedro), Rafael (Escuela de Atenas, Madonnas), Leonardo (sfumato, Última Cena, La Gioconda).

Claves formales del Renacimiento: perspectiva lineal y aérea, proporción y simetría, planta centralizada, orden clásico, cúpula, frontón, almohadillado; recuperación del desnudo y del retrato.

Venecia: color frente a dibujo (disegno/colore); Giorgione (Tempestad), Tiziano (Venus de Urbino, retratos), Veronés (bodas de Caná), Tintoretto (escenografía y escorzos).

Manierismo: crisis del equilibrio clásico; figuras alargadas, serpentinata, colores ácidos, espacio ambiguo, virtuosismo; Pontormo, Rosso Fiorentino, Parmigianino (Madonna del cuello largo), Bronzino.

El Greco: alargamiento, luz irreal, iconografía contrarreformista; El entierro del conde de Orgaz, con dos registros (terrenal y celestial); influencia de Venecia y de Miguel Ángel.

Renacimiento español: plateresco (fachada de la Universidad de Salamanca), purismo (Palacio de Carlos V en Granada, Machuca), herreriano (El Escorial, Juan de Herrera); escultura de Berruguete y Juni.

Difusión europea: escuelas flamenca (Van Eyck, Roger van der Weyden, Bruegel), alemana (Durero, Cranach), francesa (Escuela de Fontainebleau); papel del grabado en la difusión de modelos.

Tratadistas y conceptos: Vasari (Las vidas), Durero (proporción), Palladio (Los cuatro libros de arquitectura); concepto de ‘renacimiento’ como retorno a la antigüedad y ‘maniera’ como estilo personal.

Claves barrocas: movimiento, teatralidad, claroscuro, diagonalidad, fusión de artes (arquitectura, escultura, pintura), persuasión contrarreformista y propaganda del poder absoluto.

Arquitectura barroca: Roma (Maderno, Borromini con San Carlo alle Quattro Fontane, Bernini con columnata de San Pedro), fachadas onduladas, cúpulas ovales; Versalles como modelo palaciego.

Escultura barroca: Bernini (Apolo y Dafne, Éxtasis de Santa Teresa, David) con multiplicidad de puntos de vista y tratamiento del mármol; en España, imaginería policromada de Gregorio Fernández y Salzillo.

Pintura barroca italiana: Caravaggio (naturalismo, tenebrismo, foco único), Annibale Carracci (idealización clasicista, bóveda del Palacio Farnesio), escuela boloñesa.

Pintura flamenca y holandesa: Rubens (composición en diagonal, carnaciones, grandes formatos), Van Dyck (retrato cortesano), Rembrandt (claroscuro y retrato psicológico), Vermeer (luz lateral, intimidad).

Barroco español: naturalismo tenebrista (Ribera), realismo (Velázquez: Las Meninas, Las hilanderas, perspectiva aérea y teoría de los planos), Murillo (inmaculadas), Zurbarán (bodegones y santos).

Velázquez: uso de la perspectiva aérea, manchas de color, segundo plano narrativo, autorretrato y juego de miradas en Las Meninas; etapas: sevillana, madrileña y de plena madurez.

Urbanismo y jardín barrocos: plaza mayor, eje perspectivo, fuente y obelisco; Versalles con Le Nôtre; Churriguera y el estípite en España; transición al Rococó con decoración interior y porcelana.

Rococó: arte cortesano y burgués del siglo XVIII; asimetría, rocalla, colores pastel, temas galantes y mitológicos; Watteau (fête galante), Boucher, Fragonard, Tiepolo; arquitectura de interiores (Palacio de Amalienburg).

Neoclasicismo: retorno al orden clásico tras el descubrimiento de Pompeya y Herculano; Winckelmann como teórico; sobriedad, línea, dibujo, temas heroicos y cívicos; Canova, Thorvaldsen, David (Juramento de los Horacios), Ingres (dibujo).

Arquitectura neoclásica: arco de triunfo, columnata, panteón, museo; Puerta de Brandeburgo (Langhans), Museo del Prado (Villanueva), Capitolio de Washington; urbanismo ilustrado.

Romanticismo: primacía del sentimiento y de la imaginación; lo sublime y lo pintoresco; paisaje como género autónomo; temas medievales, exóticos y de actualidad; color sobre dibujo.

Pintores románticos: Géricault (La balsa de la Medusa), Delacroix (La libertad guiando al pueblo), Friedrich (El caminante sobre el mar de niebla), Turner (luz y atmósfera), Constable (paisaje naturalista).

Romanticismo español: Esquivel, Madrazo, Lucas Villaamil; el paisaje y el costumbrismo; la arquitectura historicista y el eclecticismo (neogótico, neomudéjar).

Realismo: representación objetiva de la vida cotidiana y de las clases trabajadoras; Courbet (El entierro en Ornans, Un entierro en Ornans, manifiesto del realismo), Millet, Daumier (caricatura), Corot como puente.

Impresionismo: pintura al aire libre, pincelada suelta, teoría del color (colores complementarios, mezcla óptica), ausencia de negro, series y luz cambiante; Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Morisot.

Postimpresionismo: camino hacia la autonomía del color y la forma; Seurat (puntillismo), Cézanne (geometrización, planos), Van Gogh (pincelada expresiva), Gauguin (sintetismo, cloisonnisme), Toulouse-Lautrec.

Escultura del siglo XIX: Neoclasicismo (Canova), Romanticismo (Rude, Barye), Realismo (Rodin con El pensador, Los burgueses de Calais) y su influencia en la escultura moderna.

Fauvismo (1905): color puro y arbitrario, autonomía del color respecto al objeto; Matisse (La danza), Derain, Vlaminck; influencia del postimpresionismo y del arte africano.

Cubismo: ruptura de la perspectiva, visión múltiple, geometrización; fases analítica (monocromía, fragmentación) y sintética (collage, papiers collés); Picasso (Las señoritas de Avignon, Guernica), Braque, Gris.

Expresionismo: deformación subjetiva y carga emocional; Die Brücke (Kirchner, Schmidt-Rottluff) y Der Blaue Reiter (Kandinsky, Franz Marc); antecedentes en Munch y Ensor.

Futurismo: exaltación de la velocidad y la máquina; Marinetti (manifiesto, 1909), Boccioni (Formas únicas de continuidad en el espacio), Balla, Severini; simultaneidad y líneas de fuerza.

Abstracción: Kandinsky (primera acuarela abstracta, 1910), Mondrian (neoplasticismo, De Stijl), Malevich (suprematismo, Cuadrado negro), constructivismo ruso (Tatlin, Rodchenko).

Dadaísmo: negación del arte burgués, azar, ready-made (Duchamp, La fuente), fotomontaje (Höch, Hausmann); Cabaret Voltaire, Zúrich, 1916.

Surrealismo: automatismo psíquico y sueño; Dalí (método paranoico-crítico), Magritte (juego de lenguaje), Miró (biomorfismo), Ernst (frottage); Breton y el manifiesto de 1924.

Arquitectura moderna: Bauhaus (Gropius, 1919), racionalismo (Le Corbusier, cinco puntos), organicismo (Wright, Casa de la Cascada), rascacielos de la Escuela de Chicago y Art Déco.

Escultura de entreguerras: Brancusi (búsqueda de la forma esencial), Picasso y el ensamblaje, Giacometti (figura filiforme), Calder (móviles) y el constructivismo de Pevsner y Gabo.

Informalismo y expresionismo abstracto: Pollock (action painting, dripping), De Kooning, Rothko (campos de color), Fontana (espacialismo, cortes en el lienzo); materia y gesto.

Pop Art: apropiación de la cultura de masas, serigrafía, cómic y publicidad; Warhol (Latas de sopa Campbell, Marilyn), Lichtenstein, Rauschenberg, Oldenburg; en España, Equipo Crónica.

Nuevos realismos y arte de acción: nouveau réalisme (Klein, Arman), happening, performance, body art (Marina Abramović), fluxus; el cuerpo y el proceso como obra.

Minimalismo y arte conceptual: reducción formal, módulo y serie (Judd, Stella, Morris); idea sobre objeto (Kosuth, Weiner, Beuys con la escultura social); land art (Smithson, Spiral Jetty).

Arte cinético y op art: ilusión de movimiento y efectos ópticos; Vasarely, Bridget Riley, Calder; relación entre obra y percepción del espectador.

Posmodernidad y transvanguardia: pluralidad de estilos, cita y pastiche; neoexpresionismo alemán (Baselitz, Kiefer), transvanguardia italiana (Chia, Clemente), apropiacionismo (Sherrie Levine).

Arte y compromiso: Guernica como precedente; memoriales y arte político; fotografía y vídeo como medios (Bill Viola, Cindy Sherman); arte feminista de los setenta.

Arquitectura de la segunda mitad del siglo XX: high tech (Pompidou, Rogers y Piano), posmoderna (Venturi, Graves), deconstructivista (Gehry, Guggenheim Bilbao), minimalista (Barragán, Ando).

Arte contemporáneo español: informalismo (Tàpies, Saura, Millares), escultura (Chillida, Oteiza, Eduardo Arroyo), arquitectura (Calatrava, Moneo); museos y centros de arte como nuevos contenedores.

Análisis formal: soporte y técnica, formato, composición (simetría, axialidad, diagonal, sección áurea), línea frente a color, luz y claroscuro, espacio y perspectiva, pincelada, textura, escala y relación figura-fondo.

Análisis arquitectónico: planta, alzado y sección; tipología, sistema constructivo, cubiertas, soportes, vanos y decoración; relación entre estructura y función; materiales y escala.

Análisis escultórico: bulto redondo frente a relieve; materiales y técnica (talla, modelado, fundición); masa y volumen, hueco, movimiento, puntos de vista, policromía, integración en el marco arquitectónico.

Análisis iconográfico: identificación de personajes por atributos (llaves de Pedro, rueda de Catalina, lirio de la Anunciación), fuentes literarias (Biblia, mitología, vidas de santos) y símbolos; niveles preiconográfico, iconográfico e iconológico (Panofsky).

Análisis contextual: comitente, mecenas, destino y función de la obra, ubicación original, público, contexto histórico, político, religioso y económico; relación con tratados y con el pensamiento de la época.

Método de comentario: ficha técnica (título, autor, cronología, estilo, técnica, dimensiones, localización) → descripción formal → análisis iconográfico → contexto → conclusiones e influencias; usar terminología precisa.

Conceptos transversales: estilo y periodización, diferencia entre original y copia, restauración, patrimonio y musealización; obra maestra frente a obra seriada; autoría y taller.

Fuentes de documentación: tratados (Vitruvio, Alberti, Palladio, Vasari), fuentes literarias clásicas (Ovidio, Plinio) y textos sagrados; documentos de archivo, contratos y dibujos preparatorios.

Criterios de evaluación: coherencia entre forma y contenido, originalidad e innovación técnica, capacidad de transmitir ideas, pervivencia e influencia posterior; evitar juicios de valor subjetivos sin argumentación.