Castilla-La Mancha PAU Design (Diseño - UCLM 2026) cheat sheet

La Revolución Industrial separa diseño y ejecución: la producción seriada exige normalización de piezas y plantillas, y el diseñador pasa a planificar antes de fabricar.

Arts and Crafts (Morris, Ruskin, 1860-1900) rechaza la máquina y reivindica el oficio medieval; su contradicción es producir objetos de lujo inaccesibles a la clase obrera para la que decían diseñar.

La Deutscher Werkbund (1907) es el puente entre Arts and Crafts y la Bauhaus: une arte, industria y estandarización, con Muthesius defendiendo tipos normalizados frente a la individualidad artística de Van de Velde.

Bauhaus (Weimar 1919, Dessau 1925, Berlín 1932-33): curso preliminar o Vorkurs (Itten, después Moholy-Nagy y Albers) basado en forma, color y material antes de especializarse en taller.

Escuela de Ulm (HfG, 1953-1968), dirigida por Max Bill y luego Maldonado: hereda la Bauhaus, la orienta a la ciencia, la semiótica y el diseño de sistemas; base del diseño industrial alemán de posguerra.

Estilo Internacional o International Typographic Style (Suiza, años 50): retícula modular, tipografía sans serif, alineación a la izquierda en bandera, fotografía objetiva; referentes Müller-Brockmann y Ruder.

Pop art y contracultura de los 60 (Warhol, Push Pin Studios) introducen ironía, color saturado y cultura de masas; el diseño postmoderno (Memphis, 1981) rompe la retícula con color y geometría lúdica.

Diseño digital: la pantalla sustituye al papel como soporte dominante desde los 90; el diseño responsive (2010) y el design system sustituyen la pieza única por componentes reutilizables y reglas de comportamiento.

Elementos básicos: punto, línea, plano, forma, textura, color y tipografía. La línea define contorno y dirección; el plano construye volumen por superposición.

Punto, línea y plano (Kandinsky): el punto es la unidad mínima y foco de atención; la línea es energía y trayectoria; el plano es la superficie que recibe la composición.

Ley de la pregnancia o Prägnanz (Gestalt): la percepción tiende a la forma más simple, simétrica y regular posible; una figura ambigua se lee primero en su versión más estable.

Leyes de agrupación Gestalt: proximidad (lo cercano se agrupa), semejanza (lo parecido se agrupa), cierre (se completa la forma incompleta), continuidad y destino común.

Figura-fondo: la relación se invierte si los contornos son ambiguos (jarras de Rubin); el diseñador controla qué se lee primero mediante contraste, tamaño y detalle.

Jerarquía visual: se construye con escala relativa, contraste de valor, posición (arriba y centro se leen antes en cultura occidental), aislamiento y peso visual.

Regla de los tercios y proporción áurea (1:1,618): herramientas de encuadre y de proporción de formatos; no son leyes perceptivas demostradas, sino convenciones de composición.

Simetría (axial, bilateral, radial) frente a asimetría equilibrada: la asimetría se compensa con masa visual; el peso de un elemento crece con tamaño, saturación y aislamiento.

Modelos sustractivos y aditivos: RGB (aditivo, pantalla, suma luz) y CMYK (sustractivo, impresión, resta luz). Mezclar los tres primarios RGB da blanco; mezclar los tres CMYK da negro sucio.

Círculo cromático y armonías: complementarios (opuestos, máximo contraste), análogos (contiguos, armonía suave), tríada (tres equidistantes), complementario dividido y tetrada.

Atributos del color: tono o matiz (posición en el círculo), saturación o croma (pureza) y luminosidad o valor (claridad). Un color cambia de lectura según el fondo que lo rodea (contraste simultáneo).

Contraste de complementarios: yuxtaponerlos aumenta la vibración y la saturación aparente; mezclarlos físicamente los neutraliza hacia gris o marrón.

Psicología y cultura del color: el rojo se asocia a alerta y pasión, el azul a confianza y tecnología, el verde a naturaleza y sostenibilidad; estas asociaciones son culturales, no universales.

Accesibilidad: el contraste mínimo WCAG para texto normal es 4,5:1 (nivel AA) y 3:1 para texto grande; el color nunca debe ser el único portador de información.

Daltonismo: la deuteranopia (verde) es la más frecuente; se evita codificar solo con rojo-verde y se combina color con forma, icono o etiqueta.

Modo de color en el flujo de trabajo: diseñar en RGB para pantalla y convertir a CMYK para imprenta con perfil ICC; los colores saturados fuera de gama (azules y verdes intensos) se apagan al convertir.

Anatomía del tipo: altura de las mayúsculas, altura x, ascendentes, descendentes, línea base, asta, remate o serif, hombro, contraforma y ojo del tipo.

Clasificación: romanas antiguas o humanistas, romanas de transición, romanas modernas (Didot, Bodoni, alto contraste), egipcias o slab, sans serif (grotescas y geométricas) y script o caligráficas.

Medidas tipográficas: cuerpo (tamaño), interlínea (leading), tracking o interletraje global, kerning o ajuste de pares concretos; la interlínea se expresa como porcentaje del cuerpo, 120 % es un valor de partida habitual.

Legibilidad: líneas de 45-75 caracteres en texto corrido, interlínea mayor cuanto más larga es la línea y menor el cuerpo; el texto justificado exige control de ríos y calles.

Retícula editorial: columnas, márgenes, mancha de texto, línea base y módulo. La retícula modular de Müller-Brockmann organiza campos para imagen y texto con proporciones consistentes.

Jerarquía tipográfica: titular, subtítulo, entradilla, cuerpo y pie se diferencian por cuerpo, peso, color y espacio; se recomienda limitar la familia a dos o tres tamaños base con variaciones.

Viudas y huérfanas: la viuda es la última línea de un párrafo que queda sola al inicio de página o columna; la huérfana es la primera línea que queda sola al final. Se corrigen con ajuste de texto, no con líneas forzadas.

Formatos y encuadernación: el pliego se imprime en hojas grandes y se pliega; los formatos estándar de la serie A (ISO 216) mantienen la proporción raíz de 2 (1:1,414) y A0 mide 1 m².

Identidad visual: conjunto de signos verbales y no verbales (logotipo, símbolo, color, tipografía, tono) que hacen reconocible a una organización; el manual de identidad fija sus usos y prohibiciones.

Tipos de marca gráfica: logotipo (solo texto), símbolo o isotipo (solo imagen), imagotipo (imagen y texto separados), isologo (imagen y texto fundidos en un bloque inseparable).

Briefing: documento que fija objetivo, público, competencia, mensaje, tono, entregables, plazos y presupuesto. El contrabriefing devuelve al cliente la interpretación del problema antes de diseñar.

Proceso de identidad: investigación, definición de atributos, naming, exploración gráfica, selección, desarrollo de aplicaciones y manual de uso; el rediseño se justifica por cambio estratégico, no por cansancio visual.

Cartel: soporte de lectura rápida y a distancia; la jerarquía se resuelve con pocos elementos, alto contraste y tipografía de gran cuerpo. Referentes históricos: Toulouse-Lautrec, Cassandre, cartel suizo y cartel político.

Packaging: resuelve protección, información legal, logística y venta. En el lineal compite a menos de un metro; la zona frontal debe comunicar marca y categoría antes que el texto descriptivo.

Señalética: sistema de orientación en el espacio; se rige por normas ISO de símbolos (por ejemplo ISO 7010 para seguridad) y por criterios de distancia de lectura, altura de colocación y contraste.

Comunicación y público: el mensaje se adapta al target (edad, cultura, contexto de uso); una campaña se evalúa por recuerdo, reconocimiento y coherencia con los valores de marca, no por gusto personal.

Diseño centrado en las personas: se investiga al usuario (observación, entrevistas, test de uso) antes de definir requisitos; el diseño emocional de Norman distingue niveles visceral, conductual y reflexivo.

Usabilidad y affordance: un objeto comunica su uso por su forma (una manilla se agarra, un plato se empuja). El signifier es la señal explícita que indica dónde actuar.

Diseño universal o diseño para todos: siete principios, entre ellos uso equitativo, flexibilidad de uso, uso simple e intuitivo, tolerancia al error y bajo esfuerzo físico.

Ergonomía y antropometría: el producto se dimensiona con percentiles poblacionales (P5-P95 para alcances, P50 para ajustes); los datos antropométricos varían por sexo, edad y población.

Materiales y procesos: plásticos por inyección (series grandes, moldes caros), extrusión de aluminio, chapa plegada, madera por mecanizado CNC e impresión 3D para prototipos y series cortas.

Prototipado: boceto, mockup de volumen, modelo funcional y prototipo de producción. El prototipo rápido valida una hipótesis concreta; no sustituye al ensayo normativo.

Sostenibilidad: ecodiseño según ISO 14006, análisis de ciclo de vida (ACV), diseño para desmontaje y reparación, y economía circular frente al modelo lineal extraer-usar-tirar.

Espacio y entorno: el diseño de interiores y de exposiciones trabaja con recorrido, escala humana, iluminación, accesibilidad (anchura de paso, giro de silla) y señalización integrada.

Fases del proceso: investigación y análisis, definición del problema, ideación, desarrollo, verificación o test y producción. No es lineal: la iteración y el retorno a fases anteriores son parte del método.

Doble diamante (Design Council, 2005): descubrir (divergir), definir (converger), desarrollar (divergir) y entregar (converger); cada diamante separa exploración de decisión.

Design thinking: empatizar, definir, idear, prototipar y testear. El prototipo se construye barato y temprano para aprender rápido, no para presentar al cliente.

Metodología de Munari: problema, definición, componentes, recogida de datos, análisis, creatividad, materiales y tecnología, experimentación, modelos, verificación y solución.

Herramientas de ideación: brainstorming con reglas (no criticar, cantidad, ideas salvajes, construir sobre otras), mapas mentales, análisis morfológico, SCAMPER y los seis sombreros de De Bono.

Investigación de usuario: personas, mapas de empatía, customer journey, observación contextual y entrevistas. Una persona es un arquetipo construido con datos, no un usuario inventado.

Documentación del proyecto: memoria (objetivo, contexto, condicionantes), planos o artes finales, especificaciones técnicas, presupuesto y dossier de presentación con maquetas o renders.

Evaluación: test con usuarios, heurísticas de Nielsen (diez reglas de usabilidad) y control de calidad del arte final (sangrado, marcas de corte, resolución, perfiles de color).

Estructura de comentario: identificación (autor, título, fecha, tipo de objeto), descripción formal, análisis funcional y técnico, contexto histórico, comparación con referentes y valoración crítica argumentada.

Identificación: si el autor o la fecha no constan con certeza, se declara la duda y se sitúa la obra por estilo y época en lugar de inventar datos.

Análisis formal: se describen elementos (forma, color, tipografía, textura, proporción, composición) y se relacionan con principios (jerarquía, equilibrio, contraste, ritmo, unidad).

Análisis funcional: qué problema resuelve la pieza, para quién, con qué condicionantes técnicos y económicos, y si la solución es eficaz además de atractiva.

Contexto: toda obra se explica por su marco productivo (artesanía o industria), su cliente, su público y las corrientes de su época; el juicio estético aislado no es análisis.

Valoración crítica: debe ser argumentada y falsable, apoyada en criterios explícitos (coherencia, legibilidad, innovación, sostenibilidad, adecuación al público), no en el gusto personal.

Errores frecuentes: confundir descripción con análisis, adjetivar sin justificar, atribuir intenciones al autor sin pruebas y juzgar con criterios actuales obras de otro contexto sin advertirlo.

Comparación: contrastar la obra con al menos un referente anterior y uno posterior permite situarla en una línea de evolución y demostrar conocimiento del dominio.

Sección de control sin contenido sustantivo.

No se usa en la práctica.

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No se usa en la práctica.

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