Extremadura PAU Choir and Vocal Technique II (Coro y Técnica Vocal II) cheat sheet
Extremadura PAU Choir and Vocal Technique II (Coro y Técnica Vocal II) · Keep the key ideas within reach.
Técnica vocal: respiración, apoyo y emisión
La respiración costo-diafragmática combina descenso diafragmático (aumento vertical del tórax) y expansión costal inferior; la clavicular es superficial y produce tensión cervical.
El diafragma es el principal músculo inspiratorio; en la espiración cantada su ascenso se controla de forma activa y gradual, no pasiva.
Apoyo (appoggio) = equilibrio entre presión subglótica y resistencia glótica; se percibe como presión estable en la zona costal inferior y lumbar, sin bloqueo laríngeo.
Presión subglótica típica: 5-10 cm H2O en canto lírico moderado; el forte orquestal puede superar 20-30 cm H2O con apoyo firme y glotis resistente.
La espiración cantada debe durar más que la inspiración: relación habitual de 1:10 o más en frases largas; la inspiración silenciosa y nasal evita ruido laríngeo.
El gesto de inspiración debe mantener la laringe en posición media-baja; elevarla acorta el tracto y aumenta la tensión de los músculos suprahioideos.
Para emitir sin ataque duro: iniciar el sonido con flujo de aire previo coordinado con cierre glótico suave; el ataque aspirado excesivo desperdicia aire y desafina.
El suspiro vocalizado, el fonema /s/ sostenido y el ejercicio de 'staccato' ayudan a coordinar apoyo y cierre cordal sin comprimir la garganta.
En notas agudas se requiere mayor presión subglótica y ajuste de la musculatura cricotiroidea; aumentar volumen sin ajuste de tracto produce grito.
Técnica vocal: resonancia, articulación y dicción
El tracto vocal filtra el espectro glótico: los formantes F1 y F2 definen la mayor parte del timbre vocálico; F1 depende de la abertura faríngea y F2 del avance/retroceso lingual.
Frecuencias de formantes aproximadas en voz hablada: /i/ F1≈250-300 Hz, F2≈2200-2500 Hz; /a/ F1≈700-900 Hz, F2≈1100-1300 Hz; /u/ F1≈300-400 Hz, F2≈700-900 Hz.
El formante del cantante (clúster 2.8-3.2 kHz) se refuerza bajando la laringe y ampliando la faringe; permite proyectar sobre orquesta sin forzar.
La 'posición alta' o máscara corresponde a sensaciones de resonancia en cavidad nasal y senos, pero el sonido nasal solo debe aparecer en fonemas nasales (/m/, /n/, /ñ/).
Vocales cerradas (/i/, /u/) elevan la lengua y estrechan la faringe; en el agudo conviene redondear hacia /u/ o /o/ para mantener el formante del cantante.
Articulación consonántica: las oclusivas sordas (/p/, /t/, /k/) deben ser breves y precisas; las sonoras (/b/, /d/, /g/) no deben perder la vibración laríngea.
En latín litúrgico, /k/ se escribe 'c' ante a, o, u y 'ch' ante e, i; 'gn' se pronuncia /ɲ/ y 'ti' ante vocal suele ser /tsi/ excepto tras s, t, x.
En italiano, las consonantes dobles se prolongan; en alemán la 'ch' tiene dos realizaciones: /ç/ tras vocal anterior y /x/ tras vocal posterior.
La dicción coral exige unificar el punto de articulación de consonantes finales y la forma vocálica de cada sílaba: la inteligibilidad depende más de consonantes que de vocales.
Registro, extensión y clasificación de voces
Registros fisiológicos: modal (voz hablada/cantada), falsete o ligero, y silbido/whistle; el registro de pecho y el de cabeza son ajustes dentro del modal, no mecanismos separados.
La transición entre pecho y cabeza se sitúa en torno a Mi4-La4 en voces femeninas (passaggio primo) y a Do4-Mi4 en masculinas; el secondo passaggio aparece una tercera o quinta más arriba.
Extensión total típica: soprano Do4-Do6 (con coloratura hasta Fa6), mezzosoprano La3-La5, contralto Fa3-Fa5, tenor Do3-Do5, barítono La2-La4, bajo Mi2-Mi4.
Tesitura es la zona donde la voz rinde con comodidad y timbre óptimo, distinta de la extensión total; clasificar por tesitura, no por nota extrema aislada.
Soprano ligera/coloratura: agilidad y agudos fáciles, centro débil; lírica: timbre cálido y homogéneo; dramática: volumen y peso en el centro-grave.
Tenor ligero (di grazia) frente a tenor lírico y dramático: el dramático tiene centro más oscuro y mayor resistencia orquestal; el contratenor canta en falsete o voz de cabeza masculina.
El timbre (color) y el peso vocal, no el sexo, determinan la clasificación; una mezzo con agudos fáciles puede cantar roles de soprano pero no se clasifica como tal.
La voz infantil se sitúa aproximadamente una octava por encima de la adulta; la muda vocal masculina reduce la extensión y puede causar inestabilidad temporal.
Coro: empaste, afinación y equilibrio de cuerdas
Empaste: unificación de vocales, vibrato, dinámica y articulación; se evalúa escuchando el coro como un solo timbre, no como suma de individualidades.
El vibrato coral excesivo impide la afinación por batidos; se controla reduciendo amplitud y sincronizando frecuencias, no eliminando el vibrato por completo.
Afinación vertical (armónica) se basa en intervalos puros: tercera mayor 5:4, quinta 3:2, cuarta 4:3; la afinación temperada desvía la tercera mayor unos 14 cents.
Afinación horizontal (melódica) tiende a subir en el agudo y a bajar en el grave; la corrección se hace escuchando la fundamental y los armónicos comunes.
Balance de cuerdas: la melodía predomina; las voces internas sostienen armonía a menor dinámica; el bajo define la afinación y el soprano la proyección.
Proporción orientativa de efectivos por cuerda en coro mixto: sopranos 35-40 %, altos 25-30 %, tenores 20-25 %, bajos 20-25 %.
Principio de 'blend' acústico: las voces graves producen más energía en frecuencias bajas; colocar más efectivos en tenores y altos equilibra el espectro.
En acordes con tercera en la voz superior, la afinación tiende a ser más brillante; en acordes con quinta al aire, la referencia es el bajo y la quinta debe quedar pura.
El unísono entre cuerdas (soprano y tenor a la octava) exige ajuste de vibrato y vocal; el coro debe escuchar la fundamental común antes de atacar.
Coro: repertorio polifónico y estilos históricos
Ars nova (s. XIV): textura polifónica con tenor, contratenor y triplum; formas como el motete isorrítmico y la ballata; uso de proporciones rítmicas.
Renacimiento: imitación continua, contrapunto imitativo y homofonía; el motete y la misa ciclómicas; la chanson y el madrigal como formas profanas.
Escuela franco-flamenca (Ockeghem, Josquin, Gombert): imitación densa, cadencias con retardos y uso de cantus firmus en misas.
Polifonía renacentista española (Victoria, Morales, Guerrero): motetes y misas a 4-8 voces, con tratamiento silábico y expresividad contenida.
Barroco: bajo continuo, concertato y oratorio; el motete barroco y la cantata; el madrigal evoluciona hacia el estilo concertado.
Clasicismo: homofonía con melodía acompañada, claridad formal; misas y oratorios de Haydn, Mozart y Beethoven; menor uso del contrapunto imitativo.
Romanticismo: cromatismo, ampliación de la orquesta, coros de ópera y oratorios (Mendelssohn, Brahms, Verdi); texturas densas y dinámicas extremas.
Siglo XX-XXI: politonalidad, clusters, técnicas extendidas (hablado, susurro, glissando), y repertorio coral a cappella de nueva creación.
Formas corales profanas: madrigal (s. XVI), chanson, lied coral, y el villancico español con estribillo y coplas.
Dirección coral: gesto, dinámica y articulación
El compás se marca con tres planos: ictus (punto de rebote), trayectoria y preparación; el gesto preparatorio anticipa el ataque y fija tempo, dinámica y carácter.
Patrones básicos: 2/4 y 4/4 con gesto en cruz o en 'J'; 3/4 en triángulo; 6/8 en dos tiempos con subdivisión ternaria.
La mano derecha marca el compás y la dinámica; la izquierda indica entradas, matices, cortes y articulación.
La dinámica se controla por amplitud del gesto y altura del plano: gestos amplios y altos para forte, gestos pequeños y bajos para piano.
Articulación: legato con gesto continuo y sin ictus marcado; staccato con rebote corto y preciso; marcato con ictus fuerte y trayectoria rápida.
El calderón se prepara con gesto de suspensión y se cierra con un corte claro; no se marca el pulso durante la suspensión.
La anacrusa exige gesto preparatorio hacia el primer tiempo fuerte; el director debe respirar con el coro para fijar el tempo.
El cambio de tempo se anticipa con el gesto y con la mirada; los cambios bruscos requieren subdivisión previa para evitar retrasos.
La entrada de cada cuerda se señala con la mano libre y contacto visual; el director no canta ni marca el pulso con la voz.
Lectura y análisis de partituras corales
Claves corales: sol para soprano y tenor (el tenor suena una octava baja), fa para alto, tenor y bajo según la edición; el do en claves de alto y tenor históricas.
Indicaciones de dinámica: p, mp, mf, f, ff, cresc., dim., y 'fp' (fuerte y piano inmediato); los matices son relativos al conjunto, no absolutos.
Indicaciones de tempo: Allegro 120-168 ppm, Andante 76-108, Adagio 56-76, Largo 40-60; el metrónomo se indica con negra o corchea según compás.
Armadura y tonalidad: contar sostenidos/bemoles y aplicar el orden Fa-Do-Sol-Re-La-Mi-Si; la relativa menor está una tercera menor descendente.
Análisis de acordes: identificar bajo, fundamental, estado (5, 6, 6/4) y función (tónica, subdominante, dominante); las cadencias auténtica, plagal, rota y semicadencia.
Textura: homofonía (acordes verticales), contrapunto imitativo (entradas sucesivas del mismo motivo) y homofonía con melodía dominante.
El cifrado americano usa letras (C, D, E...) con sufijos m, 7, maj7, dim, aug; el bajo cifrado barroco usa números sobre el bajo.
El análisis de texto y música: identificar sílaba por nota (silábico) frente a melisma (varias notas por sílaba) y su efecto expresivo.
Audición y reconocimiento auditivo de obras corales
Reconocer textura: monofonía, homofonía, polifonía imitativa o contrapunto libre; la escucha de entradas sucesivas del mismo motivo indica imitación.
Identificar el idioma por fonética: latín (vocales puras, /k/ y /ts/), italiano (dobles consonantes), alemán (/ç/, /x/, diptongos) y francés (nasales /ɑ̃/, /ɔ̃/).
Reconocer el período por rasgos: Renacimiento (imitación sin bajo continuo), Barroco (bajo continuo y concertato), Clasicismo (homofonía clara), Romanticismo (cromatismo y dinámicas amplias).
Intervalos característicos: quinta justa (3:2), cuarta justa (4:3), tercera mayor (5:4) y menor (6:5); el tritono divide la octava en dos partes iguales.
Reconocer el modo: mayor (tercera mayor sobre la tónica) frente a menor (tercera menor); el modo dórico tiene sexta mayor y tercera menor.
Las formas corales reconocibles: motete (latín, sacro), madrigal (italiano, profano, s. XVI), oratorio (narrativo, con solistas y coro), cantata (varias secciones).
La escucha de la línea del bajo ayuda a identificar la tonalidad y las cadencias; la voz superior suele llevar la melodía principal.
El reconocimiento de dinámica y articulación en la escucha: legato continuo frente a staccato, crescendo progresivo y acentos súbitos.