Galicia PAU Artistic Drawing II / Dibujo Artístico II CIUG cheat sheet
Galicia PAU Artistic Drawing II / Dibujo Artístico II CIUG · Keep the key ideas within reach.
Recursos expresivos y comunicativos del dibujo: línea, valor, textura, color y composición
La línea puede clasificarse por su función: línea de contorno (borde), línea estructural (ejes y simetrías), línea de sombreado (tramado) y línea gestual (trazo rápido y expresivo).
El valor es la escala de claridad-oscuridad de un tono. Se controla por presión, dureza del material, densidad de tramado y dilución; una escala de valor útil en PAU tiene al menos 5 pasos identificables.
El claroscuro organiza luces y sombras en: luz directa, luz reflejada, sombra propia, sombra proyectada y brillo especular. Nombrar estas zonas en un comentario demuestra lectura técnica.
La textura puede ser táctil (real, con relieve) o visual (simulada por el trazo). El frotado ( frottage) y el estarcido generan textura sin dibujar el objeto.
En color, distinguir tono (nombre del color), saturación (pureza) y luminosidad (valor). Mezclas sustractivas con pigmentos: primarios cian, magenta y amarillo; secundarios verde, violeta y naranja.
Armonías cromáticas: monocromática (un tono con variaciones de valor), análoga (tonos contiguos en el círculo), complementaria (opuestos) y de triada (tres equidistantes).
Reglas compositivas operativas: ley de tercios, sección áurea (proporción ≈1:1,618), simetría/asimetría, peso visual por tamaño, contraste o posición, y dirección de las líneas de fuerza hacia el foco.
El equilibrio compositivo puede ser estático (simetría, horizontales/verticales) o dinámico (diagonales, desequilibrio controlado). El punto de fuga y las líneas de fuga también actúan como líneas de fuerza.
Representación de la forma, el espacio y el volumen: perspectiva, proporción, estructura y modelado
Perspectiva cónica frontal: un punto de fuga (PF) en el horizonte; las líneas de profundidad convergen en él, las verticales y horizontales permanecen paralelas.
Perspectiva cónica oblicua: dos puntos de fuga sobre la línea de horizonte para aristas horizontales; las verticales siguen paralelas (perspectiva de dos puntos).
Perspectiva de tres puntos: añade fuga vertical para picados y contrapicados; se usa cuando el objeto está muy por encima o por debajo del horizonte.
La línea de horizonte coincide con la altura del ojo del observador; todo punto situado en ella se ve a la altura de los ojos, sin importar la distancia.
Estructura: todo volumen se reduce a formas básicas (cubo, esfera, cilindro, cono) y a ejes de simetría; encajar primero la estructura y después el detalle evita errores de proporción.
Proporción: comparar siempre mediante relaciones (doble, mitad, tercio) y usar la vertical/horizontal de referencia; el método de la plomada y el de la mira con lápiz permiten trasladar medidas al plano.
Modelado: gradación de valor sobre la forma según la dirección de la luz; la transición de luz a sombra sigue la curvatura de la superficie, no líneas rectas.
Escorzo y superposición: el escorzo acorta la dimensión que se aleja; la superposición de contornos indica qué plano está delante. Ambos son indicadores de profundidad sin necesidad de perspectiva rigurosa.
La figura humana: anatomía, proporción, gesto, movimiento y retrato
Canon clásico de proporción: la figura adulta mide aproximadamente 7,5 a 8 cabezas; el punto medio del cuerpo cae en la sínfisis púbica.
Referencias proporcionales: hombros ≈ 2 cabezas de ancho, codo a la altura de la cintura, muñeca a la altura de la cadera, mano ≈ una cabeza de longitud.
En el rostro, la línea de los ojos divide la cabeza por la mitad; la nariz ocupa el tercio inferior hasta su base y la boca se sitúa a un tercio entre nariz y mentón.
El retrato se construye por planos (frente, pómulos, mandíbula) antes del detalle; la simetría facial es aproximada y el eje de la nariz marca la orientación de la cabeza.
Anatomía funcional: masas musculares principales visibles (esternocleidomastoideo, deltoides, pectoral, recto abdominal, cuádriceps, gemelos) explican los cambios de contorno.
El gesto o línea de acción es una curva continua que recorre el cuerpo de la cabeza a los pies; dibujarla antes que el contorno capta el movimiento.
Contrapposto: el peso sobre una pierna inclina la pelvis y eleva un hombro en sentido contrario; es la clave del equilibrio dinámico de la figura.
Estudios de movimiento: el escorzo de brazos y piernas y el uso de líneas de repetición o fantasmas transmiten desplazamiento; el centro de gravedad debe quedar sobre la base de apoyo.
Técnicas y procedimientos gráfico-plásticos: medios secos, húmedos, mixtos y soportes
Medios secos: grafito (duro 9H a blando 9B), carboncillo (negro intenso, fácil de difuminar), sanguina (rojo terroso), creta, pastel y lápiz de color. El grafito blando da negros más densos; el duro permite líneas finas.
Medios húmedos: tinta (plumilla, pincel, caña), acuarela (transparente, se aclara con agua), témpera y acrílico (opacos, cubrientes). La acuarela trabaja de claro a oscuro; el acrílico permite corregir por superposición.
Técnicas mixtas: combinar secos y húmedos (por ejemplo, aguada de tinta con grafito o pastel graso resistente a la acuarela). Aplicar primero el medio graso o resistente y después el aguado.
Soportes: papel de grano grueso retiene pastel y carboncillo; papel satinado favorece tinta y plumilla; el papel de acuarela debe ser de 200-300 g/m² para no deformarse con el agua.
El difuminado con dedo, trapo o difumino suaviza el modelado; el borrado como técnica (goma de pan o goma moldeable) recupera luces en carboncillo.
Tramado y rayado cruzado generan valor con medios secos; el rayado paralelo a la forma describe volumen, el rayado perpendicular a la forma aplana.
Fijado: el carboncillo y el pastel requieren fijador para no manchar; aplicar en capas finas y a distancia para no disolver el pigmento.
La tinta admite recursos como la reserva con cera o la aguada con sal para texturas; el tiempo de secado y la dilución controlan la intensidad del negro.
Análisis y comentario de imágenes y obras de arte: lectura, interpretación y contextualización
Estructura de comentario en PAU: identificación (autor, título, fecha, técnica, soporte, formato), descripción formal, análisis de elementos plásticos, interpretación y contexto histórico-artístico.
Análisis formal: identificar línea dominante, escala de valores, paleta cromática, texturas, composición y tratamiento del espacio antes de interpretar.
Contextualizar exige relacionar la obra con su movimiento, su época y su función (religiosa, cortesana, documental, experimental); no basta con adjetivos como 'bonito' o 'moderno'.
En el dibujo como obra autónoma, valorar el trazo como huella del proceso: bocetos, estudios preparatorios y dibujos de academia tienen estatuto propio desde el Renacimiento.
Vocabulario técnico útil: sfumato, claroscuro, escorzo, anamorfosis, perspectiva aérea, contraposto, tensión compositiva, economía de medios.
La lectura iconográfica distingue tema (qué se representa) de iconografía (atributos y símbolos: calavera, balanza, espejo) y de iconología (significado cultural).
Indicadores de época en el dibujo: academicismo del XIX, ruptura de la línea en el expresionismo, automatismo y azar en el surrealismo, dibujo conceptual y de instrucciones desde los años sesenta.
Al comentar una imagen publicitaria o de cultura visual, analizar encuadre, jerarquía visual, tipografía, estereotipo y función persuasiva, no solo la técnica.
Proceso creativo y proyecto: ideación, bocetos, experimentación y resolución final
Fases del proyecto: definición del problema o encargo, investigación y referentes, ideación (bocetos rápidos), experimentación técnica, selección y resolución final.
El cuaderno de campo o sketchbook documenta el proceso: fecha, pruebas de material, variantes y correcciones; en la evaluación de PAU se valora el proceso tanto como el resultado.
Bocetos de distinto nivel: miniatura o thumbnail (composición), boceto estructural (encaje) y estudio de detalle; no mezclar escalas en la misma fase.
La experimentación debe ser comparativa: probar al menos dos soluciones de encuadre, dos esquemas de valor o dos paletas y justificar la elección.
Criterios de selección: coherencia con el enunciado, legibilidad del foco, equilibrio compositivo, dominio técnico y viabilidad del tiempo disponible.
Presentación final: limpieza del soporte, firma o identificación, formato y orientación coherentes con la composición, y memoria breve que explique decisiones.
Gestión del tiempo en prueba: reservar aproximadamente un tercio del tiempo a encaje y estructura, otro tercio al desarrollo y el último a ajustes de valor y acabado.
Errores frecuentes que penalizan: empezar por el detalle sin encaje, saturar el soporte, mezclar medios sin control de secado y no documentar el proceso.
El dibujo en el arte contemporáneo y la cultura visual: referencias, tendencias e interdisciplinariedad
El dibujo contemporáneo se expande más allá del papel: instalación mural, dibujo de performance, animación, dibujo digital y dibujo generado por algoritmos.
Tendencias reconocibles: dibujo procesual y serial, dibujo conceptual basado en instrucciones, apropiación, y uso del dibujo como archivo o testimonio.
Interdisciplinariedad: el dibujo como herramienta de arquitectura, diseño gráfico e industrial, moda, animación, storyboard, ilustración editorial y ciencia (dibujo anatómico y botánico).
El dibujo digital incorpora capas, opacidad, tableta gráfica y pinceles programables; mantiene conceptos tradicionales de valor, línea y composición.
La cultura visual incluye cómic, manga, graffiti, tatuaje, memes, videojuegos e infografía; analizarlos con criterios plásticos (encuadre, línea, color, jerarquía) es parte del currículo.
Referentes históricos del dibujo moderno y contemporáneo: Degas y Seurat por el estudio del trazo, Picasso y Matisse por la línea sintética, Schiele y Grosz por la expresividad, Sol LeWitt por el dibujo conceptual.
El dibujo como lenguaje universal: sistemas de signos, pictogramas, señalética y escritura comparten principios de abstracción y economía gráfica.
Debate contemporáneo: originalidad frente a copia, autoría en la era digital, inteligencia artificial generativa y derechos de imagen; conviene argumentar con ejemplos concretos.