Madrid PAU Performing Arts II cheat sheet

Aristóteles, Poética: la tragedia como imitación (mímesis) de una acción seria y completa, con unidad de acción; catarsis mediante piedad y temor; no formula la regla de las tres unidades, que proviene de la poética clasicista posterior.

Tragedia según Aristóteles: personajes de estirpe elevada, peripecia (cambio de fortuna) y anagnórisis (reconocimiento); la hamartía es el error trágico, no la maldad.

Lope de Vega, Arte nuevo de hacer comedias (1609): mezcla de lo trágico y lo cómico, ruptura de la unidad de tiempo y lugar, polimetría, personaje del gracioso y decoro del público; tres actos frente a los cinco clásicos.

Comedia nueva barroca: estructura en planteamiento, nudo y desenlace; temas de honor, amor, poder y religión; figuras como el rey justiciero, el villano honrado y el galán.

Dramaturgia realista del siglo XIX: naturalismo de Zola y Antoine; el drama burgués de Ibsen introduce el conflicto interior y el pasado que condiciona el presente.

Vanguardias del siglo XX: expresionismo, simbolismo y teatro épico brechtiano, que rompe la cuarta pared mediante el efecto de distanciamiento (Verfremdungseffekt).

Teatro del absurdo (Beckett, Ionesco, Adamov): disolución de la trama causal, lenguaje degradado y circularidad; trasfondo existencialista de posguerra.

Géneros dramáticos: tragedia, comedia, tragicomedia, drama, auto sacramental, entremés, sainete y loa; cada uno con extensión, tono y función social diferenciados.

Aristóteles distingue seis elementos de la tragedia: fábula, caracteres, pensamiento, elocución, melopeya y espectáculo; la fábula es el más importante.

Método de comentario: localización (autor, obra, época, género), estructura externa (actos, escenas, cuadros) e interna (planteamiento, nudo, desenlace), tema, personajes, tiempo, espacio, lenguaje y conclusión valorativa.

El texto dramático se divide en texto principal (diálogo, monólogo, aparte) y texto secundario o acotaciones; las acotaciones informan sobre escenografía, gestos y tono.

El diálogo dramático construye la acción mediante réplicas; el monólogo expresa el interior del personaje y el aparte rompe la ilusión de realidad dirigiéndose al público.

Análisis métrico: en el Siglo de Oro predomina el romance (octosílabos con rima asonante en pares) para la narración, la redondilla y la décima para el diálogo, y el soneto para el monólogo lírico.

Funciones del lenguaje en el diálogo: apelativa (interpelación al otro), referencial (información), poética (juego verbal) y fática (mantener el contacto); su distribución revela relaciones de poder.

El conflicto dramático se articula en fuerzas antagónicas (protagonista y antagonista); su análisis requiere identificar el objeto de deseo y los obstáculos.

El tiempo dramático distingue tiempo de la fábula (cronología de los hechos) y tiempo de la representación (duración escénica), además de anacronías como flashback y anticipación.

El espacio puede ser escénico (visible), dramático (evocado en el diálogo) y off-stage o fuera de escena; su tratamiento condiciona la puesta en escena.

Indicadores de época: formas de tratamiento (voseo, vosotros, usted), léxico, referencias históricas y normas de honor permiten datar y contextualizar la obra.

El proceso de producción comprende preproducción (dramaturgia, reparto, diseño), producción (montaje, ensayos) y explotación (funciones, gira); el productor gestiona presupuesto, contratos y calendario.

El organigrama creativo incluye dirección, dramaturgia, escenografía, vestuario, iluminación, sonido, coreografía y regiduría; el director coordina la unidad estética del espectáculo.

Iluminación: la luz define foco, atmósfera y tiempo; tipos de luminarias (elipsoidal o PC, fresnel, PAR) y control mediante mesa DMX; el diseño usa colores cálidos y fríos con valor simbólico.

Escenografía: elementos construidos (bambalinas, bastidores, practicables) frente a proyectados; la planta escénica distribuye entradas, salidas y zonas de actuación.

Vestuario y caracterización: función de caracterización del personaje, coherencia histórica y visibilidad bajo la luz; el maquillaje de escena compensa la pérdida de rasgos por la distancia.

Sonido: microfonia, refuerzo y efectos; la música puede ser diegética (justificada en la acción) o extradiegética (ambiental).

Regiduría: el regidor dirige la función desde el control, marca entradas y coordina cambios; el libro de regiduría recoge luces, sonido y movimientos técnicos.

Seguridad escénica: señalización de salidas, planes de evacuación, revisión de estructuras y protocolos ante incendios; el aforo debe respetar la licencia del recinto.

Ensayo técnico y ensayo general con público preceden al estreno; el ensayo abierto permite ajustar ritmo y recepción antes del estreno oficial.

Tipologías de espacio: teatro a la italiana (platea y escenario frontal), teatro isabelino (corral abierto con tablado y galerías), teatro griego (orchestra circular, skené y graderío), teatro de arena o circular y teatro negro o caja negra.

El corral de comedias del Siglo de Oro: patio central para el público de a pie, cazuela para las mujeres, galerías y desvanes, alojeros y el apretador; el escenario es un tablado sin telón de boca.

La cuarta pared: convención del teatro realista que separa público y escena; su ruptura (aparte, apelación directa, teatro épico) genera distanciamiento.

Recepción: la teoría de la recepción (Jauss, Iser) distingue horizonte de expectativas y lector implícito; en teatro el público es colectivo y su reacción modifica el ritmo de la función.

El aforo y la visibilidad condicionan la puesta en escena; en espacios a la italiana la distancia favorece gestos amplios y proyección de voz, mientras el teatro de cámara exige contención.

El contrato de ficción: el espectador acepta la convención escénica; la suspensión de la incredulidad (Coleridge) explica la aceptación de lo improbable.

La crítica teatral analiza texto, dirección, interpretación y diseño; su función es orientar al público y documentar la recepción de una época.

El público escolar y familiar exige adaptaciones de duración, lenguaje y temática; las campañas de público joven condicionan la programación de los teatros públicos.

Teatro griego: Esquilo, Sófocles y Eurípides; la tragedia se representaba en festivales dedicados a Dioniso con trilogías y sátiros; la comedia de Aristófanes satiriza la política ateniense.

Teatro isabelino: Shakespeare y Marlowe; escenario abierto sin decorados, apelación al público y mezcla de verso y prosa; el Globe se reconstruyó en Londres en 1997.

Siglo de Oro español: Lope de Vega, Tirso de Molina, Calderón de la Barca y Ruiz de Alarcón; la comedia nueva y el auto sacramental calderoniano como género alegórico eucarístico.

Neoclasicismo español: Leandro Fernández de Moratín y la comedia de costumbres (El sí de las niñas), con respeto a las tres unidades y finalidad didáctica.

Romanticismo: Duque de Rivas (Don Álvaro o la fuerza del sino), Zorrilla (Don Juan Tenorio) y García Gutiérrez; mezcla de verso y prosa, libertad espaciotemporal y héroe rebelde.

Generación del 98 y del 27 en el teatro: Valle-Inclán crea el esperpento (Luces de bohemia), deformación sistemática de la realidad; García Lorca desarrolla la tragedia rural (Bodas de sangre, Yerma, La casa de Bernarda Alba).

Teatro español de posguerra: comedia de evasión frente al teatro de denuncia (Buero Vallejo, Sastre); el realismo social de los años cincuenta y el teatro independiente de los sesenta.

Teatro europeo de posguerra y contemporáneo: Brecht y el teatro épico, Artaud y el teatro de la crueldad, Grotowski y el teatro pobre, y el teatro posdramático de Lehmann.

Tradiciones no occidentales: teatro Nō y Kabuki japoneses, teatro sánscrito indio, ópera china y teatro ritual africano; su influencia en las vanguardias europeas del siglo XX.