Madrid PAU Performing Arts II key terms

Efecto de purificación emocional que Aristóteles atribuye a la tragedia, al suscitar compasión y temor en el espectador. Designa la descarga afectiva que cierra la experiencia dramática.

Error de juicio o fallo trágico del protagonista que desencadena su desgracia. No equivale a defecto moral: puede ser un error involuntario o una decisión equivocada ante una situación límite.

Género dramático en el que un personaje de alta condición sufre un destino adverso, generalmente con desenlace fatal. Explora conflictos entre libertad y necesidad, culpa y responsabilidad.

Género dramático de desenlace favorable que representa conflictos cotidianos con humor y crítica social. Suele centrarse en enredos amorosos, engaños y personajes de condición media o baja.

Arte de construir un texto dramático: selección y ordenación de acciones, personajes y diálogos para que resulten representables. También designa la adaptación de un material previo a forma escénica.

Oposición de fuerzas o voluntades que impulsa la acción de una obra. Sin conflicto no hay progresión dramática: puede ser externo, entre personajes, o interno, dentro de uno solo.

Indicación del autor en el texto dramático sobre escenografía, movimiento, tono o gestos. No se pronuncia en escena y orienta la puesta en escena y la lectura del director.

En el teatro griego, instrucción escénica incluida en el texto. Por extensión, cualquier nota del dramaturgo sobre la representación, equivalente culto de la acotación.

Convención por la que un personaje habla de modo que el público lo oye pero otros personajes en escena no. Revela pensamientos íntimos y crea complicidad con la sala.

Parlamento extenso de un personaje ante otros o ante el público. Puede ser reflexivo o narrativo y suele concentrar información o tensión en un solo intérprete.

Discurso de un personaje que está solo en escena y expresa en voz alta sus pensamientos. A diferencia del monólogo, presupone ausencia de otros personajes que escuchen.

Momento de máxima tensión del conflicto, tras el cual la acción solo puede resolverse. En la estructura clásica ocupa el centro de la curva dramática.

Cambio brusco de la fortuna del protagonista, que invierte el rumbo de la acción. Aristóteles la considera, junto con el reconocimiento, motor de la tragedia compleja.

Reconocimiento o descubrimiento que transforma el sentido de lo ocurrido, a menudo cuando un personaje descubre su verdadera identidad o la de otro. Produce un giro decisivo en la trama.

Reglas clásicas de acción, tiempo y lugar: una sola trama principal, desarrollo en un día y un espacio único. Su rigor varía según épocas y autores.

Teatro popular italiano del siglo XVI basado en la improvisación sobre un canovaccio y en máscaras fijas como Arlequín o Pantalone. Influyó en la comedia europea y en la técnica actoral.

Gag o rutina cómica improvisada que los actores de la commedia dell'arte insertaban en la trama. Podían ser gestuales, verbales o acrobáticos y se transmitían por tradición.

Objeto que cubre el rostro del actor y fija una expresión o tipo. En la commedia dell'arte identifica al personaje; en otras tradiciones amplifica la voz o crea distancia ritual.

Periodo de esplendor del teatro español entre finales del XVI y el XVII, con Lope de Vega, Calderón y Tirso. Consolidó la comedia nueva y los corrales de comedias.

Fórmula dramática creada por Lope de Vega que mezcla lo trágico y lo cómico, rompe las unidades y busca el gusto del público. Se articula en tres actos y concede gran peso al honor y al amor.

Patio interior de una manzana de casas adaptado para representaciones en el Siglo de Oro. Contaba con escenario, vestuarios, gradas, cazuela para mujeres y aposentos.

Zona del corral de comedias reservada al público femenino, situada frente al escenario en un piso elevado. Su disposición reflejaba la segregación social del espectáculo.

Conjunto de elementos visuales que configuran el espacio escénico: decorados, telones, estructuras y su disposición. Da lugar a la escena prevista por el diseñador y el director.

Conjunto de piezas construidas que representan el lugar de la acción. Puede ser realista o simbólico y se integra con iluminación y vestuario en la propuesta visual del montaje.

Objetos manipulados por los actores o colocados en escena que no forman parte del vestuario ni del decorado fijo. Incluye atrezo de mano y mobiliario menor.

Conjunto de prendas que visten los intérpretes y caracterizan a sus personajes. Informa sobre época, clase y psicología, y condiciona el movimiento del actor.

Trabajo de maquillaje, peluquería y transformación física del intérprete para ajustarse al personaje. Puede incluir prótesis, cambios de edad o efectos de herida.

Uso controlado de la luz para iluminar, crear atmósfera, delimitar espacios y dirigir la atención del espectador. Incluye focos, filtros y regulación de intensidad.

Convención por la que la escena se considera separada del público por una pared invisible. El actor interpreta sin dirigirse a la sala, salvo cuando la convención se rompe deliberadamente.

Lugar físico y simbólico donde se desarrolla la representación, con su disposición, dimensiones y relación con el público. Condiciona la puesta en escena y la recepción.

Disposición frontal con el público sentado ante un escenario elevado y cerrado por un arco. Favorece la ilusión escénica y la separación entre actores y espectadores.

Representación realizada en espacios públicos no convencionales, como plazas o calles. Busca contacto directo con transeúntes y suele usar recursos visuales y participativos.

Método creado por Augusto Boal que convierte al espectador en participante activo para ensayar soluciones a opresiones reales. Incluye técnicas como el teatro foro.

Forma dramática desarrollada por Brecht que evita la identificación emocional y presenta la acción de modo crítico. Usa carteles, canciones y narración para distanciar al público.

Efecto brechtiano que impide que el espectador se identifique con el personaje, para que juzgue la acción con lucidez. Se logra con recursos de narración, gesto mostrado y ruptura de la ilusión.

Estética que reproduce en escena ambientes y conductas cotidianas con verosimilitud, propia del teatro burgués del XIX y su evolución. Prioriza la psicología y el detalle ambiental.

Corriente que aplica al teatro una mirada determinista y científica sobre el comportamiento humano. Representa ambientes degradados y condicionamientos sociales con crudeza documental.

Sesión de trabajo en la que el equipo prepara la representación: lectura, movimiento, texto y ajustes técnicos. Se organiza en fases hasta el ensayo general.

Conjunto de decisiones que convierten un texto dramático en espectáculo: dirección, interpretación, espacio, luz y sonido. Es la realización escénica de una obra.

Primera representación pública de un montaje ante espectadores. Marca el paso del proceso de ensayos a la exhibición y suele generar crítica y repercusión.