Cantabria PAU Performing Arts II cheat sheet
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Teoría y historia del teatro: dramaturgia y espacios escénicos
Aristóteles (Poética, s. IV a. C.) fija la unidad de acción y define la tragedia como imitación de una acción grave con peripecia y reconocimiento; las unidades de tiempo y lugar se atribuyen a la lectura renacentista, no al texto aristotélico.
El teatro griego nace ligado a las fiestas de Dioniso: el coro ditirambo se transforma en diálogo con el actor (hipócrita); Tespis se asocia al primer actor y Esquilo añade el segundo.
Los espacios escénicos evolucionan del anfiteatro griego (orchestra circular, skené, proscenio) al teatro romano (orchestra semicircular, scaenae frons) y al corral de comedias del XVII (patio, tablado, cazuela, alojero, comedia de apariencia).
La escena a la italiana (siglos XVI-XVII) impone el arco de proscenio y la caja escénica con tramoyas y telares; el siglo XX reacciona con la escena abierta, el teatro de arena y el espacio vacío de Peter Brook.
La dramaturgia medieval europea se articula en misterios, milagros y moralidades, con escenografía simultánea y mansiones; el auto sacramental español (Calderón) es su derivación alegórica.
La Ilustración y el Romanticismo: la regla de las tres unidades se discute en el XVIII (Lessing, Moratín) y el drama romántico (Ducange, Hugo) mezcla cómico y trágico, rompe unidades y busca el efecto espectacular.
El naturalismo (Zola, Antoine, Teatro Libre de París, 1887) impone la cuarta pared y la escenografía verosímil; el simbolismo y la vanguardia histórica (Craig, Appia, Meyerhold, Piscator, Brecht) redefinen el espacio y la función del espectador.
La ruptura de la cuarta pared, el teatro épico brechtiano (efecto de distanciamiento) y el teatro posdramático (Lehmann) desplazan el eje del texto dramático hacia la escena y la performance.
Análisis de textos dramáticos: estructura, personajes, conflicto y lenguaje
Estructura externa: actos, cuadros y escenas; estructura interna clásica: planteamiento, nudo y desenlace, con clímax y punto de giro.
La peripecia (cambio de fortuna) y la anagnórisis (reconocimiento) son los motores de la acción trágica según la Poética; la hamartía es el error del héroe, no necesariamente un defecto moral.
El conflicto dramático exige fuerzas opuestas (protagonista/antagonista, individuo/sociedad, deseo/deber); sin conflicto no hay acción dramática, solo narración escénica.
El texto dramático se compone de diálogo, monólogo, aparte y acotaciones; las acotaciones son indicaciones del autor para la puesta en escena y no se pronuncian.
El personaje se analiza por función (protagonista, antagonista, confidente, gracioso, coro), por rasgos (carácter, motivación, evolución) y por su relación con el conflicto.
El lenguaje dramático combina signos verbales y no verbales (kinésica, proxémica, tono); la polifonía bajtiniana permite leer el diálogo como choque de voces sociales.
La doble enunciación del texto dramático: el autor habla a través de los personajes y el personaje habla para el espectador, no solo para su interlocutor en escena.
Indicadores de análisis: tiempo de la fábula frente a tiempo de la representación, espacio dramático frente a espacio escénico, ritmo, elipsis y didascalias implícitas.
La puesta en escena: dirección, interpretación, escenografía, vestuario, iluminación y sonido
La puesta en escena integra dirección, interpretación, escenografía, vestuario, iluminación, sonido y maquillaje; el director unifica el concepto y la lectura del texto.
El método Stanislavski busca verdad interior mediante circunstancias dadas, objetivo, acción y memoria emotiva; el sistema de Lee Strasberg y el Actor's Studio derivan de él.
Brecht propone la interpretación épica: actor que muestra sin identificarse, gestus social y efecto de distanciamiento (Verfremdungseffekt).
Meyerhold desarrolla la biomecánica y la construcción del movimiento; Grotowski el teatro pobre (cuerpo y voz sin decorado); Artaud el teatro de la crueldad y el lenguaje sensorial.
La escenografía puede ser realista, simbólica o funcional; el boceto escenográfico y la planta de escenario son documentos técnicos previos al montaje.
La iluminación define el espacio, el foco y la atmósfera; se controla por intensidad, color (filtros), ángulo y movimiento; la caja negra y el ciclorama son recursos frecuentes.
El sonido incluye música, efectos y diseño sonoro; puede ser diegético (procede de la escena) o extradiegético (fuera de la ficción representada).
El vestuario caracteriza al personaje (época, clase, estado emocional) y condiciona el movimiento del actor; maquillaje y máscara completan la caracterización.
Géneros y formas escénicas: tragedia, comedia, drama, musical, teatro breve y nuevas dramaturgias
La tragedia clásica presenta héroe de rango elevado, conflicto con el destino o la ley, catarsis y final funesto; la comedia busca el humor y el final feliz, a menudo con conflicto social.
El drama (o tragicomedia) surge en el siglo XVIII y mezcla lo trágico y lo cómico con personajes burgueses; el drama romántico y el drama realista son sus derivaciones.
El musical combina texto, música, canto y danza; se consolida en Broadway (Show Boat, 1927) y el West End, con libreto, partitura y coreografía integrados.
Formas breves: entremés, sainete, paso, loa, jácaras y mojiganga en el teatro clásico español; el microteatro y el monólogo breve son sus equivalentes contemporáneos.
Nuevas dramaturgias: teatro posdramático (Lehmann), teatro documento (Piscator, Weiss), teatro verbatim, performance, teatro inmersivo y dramaturgia digital.
El teatro del absurdo (Beckett, Ionesco, Adamov) rompe la lógica causal, el diálogo informativo y la psicología del personaje.
El teatro físico y la danza-teatro (Pina Bausch) desplazan el peso del texto hacia el cuerpo; el teatro de objetos y el títere son formas de teatro no actoral.
Criterios de clasificación: modo de imitación (narrativo/dramático), tono (trágico, cómico, grotesco), extensión, público y soporte (texto, performance, medio audiovisual).
Teatro español: autores, obras y contextos desde el Siglo de Oro hasta la actualidad
Siglo de Oro: Lope de Vega fija la comedia nueva en Arte nuevo de hacer comedias (1609): mezcla de lo trágico y lo cómico, tres actos, ruptura de unidades y polimetría; Fuenteovejuna y El caballero de Olmedo.
Calderón de la Barca: La vida es sueño (Segismundo, libre albedrío), El alcalde de Zalamea y autos sacramentales como El gran teatro del mundo.
Otros autores áureos: Tirso de Molina (El burlador de Sevilla, origen del mito de don Juan), Ruiz de Alarcón (La verdad sospechosa), Guillén de Castro y Cervantes (Numancia, entremeses).
Siglo XVIII: neoclasicismo y regla de las tres unidades; Leandro Fernández de Moratín con El sí de las niñas (1806) y La comedia nueva o El café.
Siglo XIX: drama romántico con Don Álvaro o la fuerza del sino (Duque de Rivas), Los amantes de Teruel (Hartzenbusch) y Don Juan Tenorio (Zorrilla); después, alta comedia y teatro realista de Benavente (Los intereses creados).
Siglo XX anterior a 1936: Valle-Inclán (esperpento: Luces de bohemia, Martes de carnaval) y García Lorca (Yerma, Bodas de sangre, La casa de Bernarda Alba, Doña Rosita la soltera).
Posguerra y exilio: Buero Vallejo (Historia de una escalera, 1949; El tragaluz), Alfonso Sastre (teatro de agitación), Jardiel Poncela y Mihura (Tres sombreros de copa) en la comedia del absurdo español.
Teatro actual: Fernando Arrabal (teatro pánico), Sanchis Sinisterra (¡Ay, Carmela!), José Luis Alonso de Santos (Bajarse al moro), Juan Mayorga (La lengua en pedazos, El chico de la última fila) y dramaturgas como Paloma Pedrero e Itziar Pascual.