Castilla y León PAU Performing Arts II cheat sheet

Aristóteles, Poética: la tragedia como imitación (mímesis) de acción seria con principio, medio y fin; unidades de acción, tiempo y lugar formuladas por la tradición renacentista más que por el texto griego.

Poética de la recepción: catarsis (purga de piedad y temor), hamartía (error trágico), anagnórisis (reconocimiento) y peripecia (cambio de fortuna) son los cuatro conceptos que estructuran el análisis de la tragedia clásica.

Horacio, Epistula ad Pisones: los preceptos de verosimilitud, decoro y utilidad-dulzura (prodesse et delectare) fijan la norma clásica heredada por el teatro europeo hasta el siglo XVIII.

Lope de Vega, Arte nuevo de hacer comedias (1609): ruptura de unidades, mezcla de lo trágico y lo cómico, tres actos, polimetría y el verso como vehículo; base del teatro áureo español.

Ilusión escénica y cuarta pared: el realismo del siglo XIX (Zola, Antoine, el Théâtre Libre) propone un escenario como habitación cerrada; Brecht y Pirandello la quiebran con distanciamiento y metalepsis.

Teatro épico brechtiano: efecto de extrañamiento (Verfremdungseffekt), narración, carteles y canciones que interrumpen la fábula para impedir la identificación emocional del espectador.

Teatro de la crueldad (Artaud): el cuerpo, el gesto y el sonido por encima del texto; influye en Grotowski (teatro pobre), Barba (antropología teatral) y el teatro posdramático de Lehmann.

Texto dramático frente a texto espectacular: el primero es literario y previo; el segundo es la escritura escénica resultante (movimiento, luz, espacio, sonido) que se lee en la representación.

Estructura dramática: fábula (orden de los hechos), trama (causalidad), conflicto, nudo, clímax y desenlace; el análisis distingue historia narrada de discurso escénico.

Acotaciones o didascalias: indican espacio, tiempo, gesto y tono; su densidad y estilo revelan la poética del autor (acotaciones mínimas en Chéjov frente a las extensas de Valle-Inclán).

Diálogo, monólogo, soliloquio y aparte: el soliloquio carece de interlocutor presente; el aparte presupone otros personajes en escena que no lo oyen.

Análisis actancial (Greimas): sujeto, objeto, ayudante, oponente, destinador y destinatario describen la estructura profunda de la acción sin depender de los personajes concretos.

Doble enunciación: en el teatro el parlamento se dirige simultáneamente a otro personaje y al público; el análisis debe separar el nivel del personaje del nivel del actor.

Signo teatral (Tadeusz Kowzan): distingue trece sistemas de signos (palabra, tono, mímica, gesto, movimiento, maquillaje, peinado, traje, espacio, luz, música, sonido, espectador) útiles para descomponer una escena.

Tragedia griega: coro, hipócritas y máscaras; Esquilo, Sófocles y Eurípides fijan el modelo que Aristóteles teoriza en el siglo IV a. C.

Comedia ática (Aristófanes) y comedia nueva (Menandro) derivan en la palliata romana (Plauto, Terencio), origen de la comedia de enredo europea.

Commedia dell'arte: máscaras fijas (Arlequín, Pantalone, Colombina), improvisación sobre un canovaccio y lazzi; influye en Molière y en la comedia del Siglo de Oro.

Auto sacramental: pieza en un acto de tema eucarístico, con personajes alegóricos, culminación del teatro de Calderón; se representaba en el Corpus Christi.

Géneros breves del Siglo de Oro: entremés, loa, jácara y mojiganga se intercalaban entre las jornadas de la comedia; el entremés es el más cultivado (Cervantes, Quiñones de Benavente).

Melodrama y ópera: el melodrama del siglo XVIII-XIX combina música y declamación; la ópera (Monteverdi, Mozart, Verdi, Wagner) integra drama, música y escena como género autónomo.

Teatro del absurdo (Ionesco, Beckett, Adamov): ruptura de la causalidad, lenguaje degradado y espera sin resolución; se distingue del teatro existencialista de Sartre y Camus por su tratamiento del lenguaje.

Espacio escénico: a la italiana (frontal), isabelino (corral, plataforma rodeada), circular (arena), a la griega (anfiteatro) y escenario transformable; cada uno condiciona la relación con el público.

Iluminación: funciones de visibilidad, selección (focos), atmósfera y ritmo; la electricidad (finales del XIX) sustituye la candelería y permite el apagón y el cambio a la vista.

Escenografía: caja negra, decorado construido, proyección y escenografía virtual; el diseño atiende a la planta, los niveles y las entradas y salidas de los actores.

Vestuario y caracterización: comunican época, clase, edad y estado del personaje; el maquillaje puede ser realista o simbólico (máscara, maquillaje de carácter).

Sonido y música: música diegética (justificada por la acción) frente a extradiegética (subraya la escena sin origen interno); el diseño sonoro incluye ambiente, efectos y voz amplificada.

Dirección escénica: el director unifica interpretación, espacio, luz y ritmo; el concepto de regie surge con el naturalismo (Duquesa de Meiningen, Antoine) y se consolida en el siglo XX.

Producción: equipo técnico y artístico, plan de ensayos, presupuesto, gira y exhibición; el productor gestiona recursos y el director artístico decide el proyecto.

Bambalinas: telares horizontales que ocultan la parte superior del escenario; patas o piernas son los telones verticales laterales.

Parrilla y peine: la parrilla es la estructura superior de la que cuelgan los telares; el peine es la galería desde la que se maneja la maquinaria.

Hombro o caja del escenario: zona oculta lateral; el foro es el fondo y la corbata el espacio entre el telón y la primera fila.

Cambio a la vista y mutación: el cambio a la vista se ejecuta ante el público; la mutación es el cambio de decorado entre escenas o actos.

Raccord o continuidad: coherencia de vestuario, atrezo y posición entre escenas; el atrezo son los objetos manejados por el actor.

Itinerario de personaje: recorrido emocional y de objetivos a lo largo de la obra; se distingue de la trayectoria escénica (entradas, salidas y desplazamientos).

Subtexto (Stanislavski): contenido no dicho que sostiene el parlamento; la acción física y el objetivo (tarea) son herramientas para construirlo.

Teatro y literatura: la obra dramática pertenece a la literatura, pero su realización exige la escena; la adaptación teatral transforma el género del hipotexto (novela, poema, cine).

Teatro y música: ópera, zarzuela, musical y teatro musical integran partitura, libreto y puesta en escena; el musical anglosajón (Broadway, West End) es industria cultural.

Teatro y danza: ballet de corte, ballet romántico (Giselle, La sílfide), Ballets Rusos (Diáguilev, Nijinski) y danza contemporánea (Graham, Cunningham, Pina Bausch).

Teatro y artes visuales: la escenografía dialoga con la pintura (telones pintados), la arquitectura (edificio teatral) y las vanguardias históricas (constructivismo, Bauhaus).

Contexto institucional: teatro público, compañía privada, teatro de calle y festival; la política cultural y las subvenciones condicionan repertorio, gira y público.

Teatro y medios: radio, cine y televisión adoptan el guion y la puesta en escena; el teatro filmado y la retransmisión en directo a salas de cine son formas híbridas actuales.

Teatro y educación: dramatización, teatro foro (Boal) y teatro aplicado usan la escena como herramienta social y pedagógica, no solo artística.