Castilla y León PAU Performing Arts II key terms

Forma dramática ateniense del siglo V a. C. que presenta la caída de un héroe ante un destino o error propio, con coro, máscaras y unidad de acción, y que busca provocar compasión y temor en el público.

Efecto de purificación emocional que, según Aristóteles en la Poética, experimenta el espectador al vivir compasión y temor ante la tragedia. Es un concepto interpretativo, no una regla escénica fija ni una técnica de actuación.

Error de juicio o fallo trágico del protagonista que desencadena su desgracia. No equivale necesariamente a un defecto moral: puede ser una decisión equivocada tomada con buena intención o por desconocimiento de las circunstancias.

Principios de unidad de acción, tiempo y lugar derivados de la lectura de la Poética. La acción debe ser una y completa; el tiempo de la fábula se aproxima a un día; el lugar permanece estable o próximo.

Teatro profesional italiano de los siglos XVI-XVIII basado en la improvisación sobre un canovaccio, con personajes fijos enmascarados como Arlequín o Pantalone, y con fuerte desarrollo de la gestualidad y el ritmo cómico.

Guion esquemático que resume la trama y las entradas de los personajes en la comedia del arte. No contiene diálogo fijado: los actores improvisan los parlamentos a partir de él y de su repertorio gestual.

Gags o rutinas cómicas breves, ensayadas y repetibles, que los actores de la comedia del arte insertan en la improvisación. Suelen implicar gestos exagerados, acrobacias o juegos verbales y pueden funcionar fuera de la trama.

Arte y oficio de construir la estructura dramática de una obra: selección y ordenación de acciones, personajes, conflictos y ritmo. También designa la adaptación o versión escénica de un texto previo para un montaje concreto.

Tensión entre fuerzas opuestas que impulsa la acción de una obra. Puede ser externo, entre personajes o con el entorno, o interno, dentro de un mismo personaje, y suele organizar el desarrollo en planteamiento, nudo y desenlace.

Giro brusco de la acción que invierte la situación del protagonista, pasando de la fortuna al infortunio o al contrario. Aristóteles la considera un recurso propio de la mejor tragedia, junto con el reconocimiento.

Reconocimiento o descubrimiento que transforma el sentido de lo ocurrido, por ejemplo cuando un personaje descubre la identidad de otro o la verdad de un hecho. Suele producir un cambio decisivo en la acción.

Conjunto de signos que intervienen en la representación y que van más allá del texto literario: escenografía, iluminación, vestuario, música, movimiento y voz. Se analiza como sistema, no como simple decoración añadida al diálogo.

Disciplina que estudia la representación como sistema de signos que producen significado. Distingue signos del actor, del espacio, del objeto y del sonido, y analiza cómo el espectador los interpreta durante la función.

Cualquier elemento perceptible en escena que remite a un significado: un gesto, un objeto, un color o un sonido. Su valor es convencional y contextual, y a menudo se combina con otros signos para producir un efecto.

Indicación del autor en el texto dramático sobre escenografía, vestuario, gestos o movimientos. Puede ser mínima o muy detallada, y orienta la puesta en escena sin formar parte del diálogo hablado por los personajes.

En el texto dramático y en los estudios clásicos, la instrucción escénica que acompaña al diálogo. En el teatro griego designaba también los registros sobre representaciones; hoy se usa a menudo como sinónimo de acotación.

Parlamento extenso de un personaje que no espera respuesta inmediata de otro. Puede ser interior, dirigido al público o a un interlocutor mudo, y sirve para revelar pensamiento, historia o decisión sin diálogo.

Discurso de un personaje que está solo en escena y expresa en voz alta sus pensamientos, convención que el público acepta como acceso a su interioridad. Se distingue del monólogo por la ausencia de otros personajes.

Convención por la que un personaje dice algo que, en la ficción, no oyen los demás presentes pero sí el público. Suele usarse con intención cómica o para revelar información y complicidad con la sala.

Frontera imaginaria entre escena y público propia del teatro realista de caja escénica. Los actores fingen que el público no existe; romperla implica dirigirse directamente a la sala o reconocer su presencia.

Recurso brechtiano que impide que el espectador se identifique emocionalmente con la acción, mediante carteles, canciones, luz visible o actuación mostrada como tal, para favorecer una mirada crítica sobre lo representado.

Modelo dramático desarrollado por Brecht que presenta la acción de forma narrativa y fragmentaria, con cuadros y comentarios, para que el público juzgue las causas sociales de lo que ve en lugar de empatizar con el héroe.

Conjunto de prácticas escénicas que buscan intervenir en el debate público y transformar la conciencia del espectador. Incluye formas didácticas, agitprop y montajes que analizan poder, clase o memoria histórica.

Espacio escénico cerrado por tres paredes, con telar y peine superiores, que permite ocultar la maquinaria y crear ilusiones de interior. Es la forma dominante del teatro a la italiana desde el siglo XVII.

Elemento textil colgado del telar que oculta la parte superior del escenario y los focos, y que puede formar parte de la decoración. Se complementa con patas laterales y con el fondo o foro.

Fondo del escenario, visible o cubierto por un ciclorama o telón, donde suelen situarse las salidas traseras y la proyección de luz. Su tratamiento condiciona la profundidad y el cierre visual de la escena.

Diseño y construcción del espacio visual de la representación, incluidos decorados, mobiliario y tratamiento del suelo y del fondo. Puede ser realista, simbólica o ausente, y se coordina con luz y vestuario.

Conjunto de objetos manejables que usan los actores o que decoran la escena, como armas, cartas o vasos. Se distingue del decorado fijo y exige control de seguridad, continuidad y colocación en cada función.

Conjunto de prendas y complementos que visten a los personajes. Caracteriza época, clase, carácter y estado físico, y condiciona el movimiento del actor; su diseño pertenece al equipo artístico del montaje.

Objeto que cubre el rostro y fija una expresión o identidad. En el teatro griego amplificaba la voz y permitía cambiar de personaje; en otras tradiciones, como el teatro nō o la comedia del arte, define tipos y estilos.

Uso controlado de la luz para hacer visible la acción, crear atmósfera, marcar focos y ritmo, y separar espacios o tiempos. Incluye posición, intensidad, color y movimiento de los focos, coordinados con la función.

Proceso y resultado de llevar un texto o una idea a la escena mediante decisiones de dirección, interpretación, espacio, luz, sonido y ritmo. Es una lectura creativa, no una simple transcripción del texto dramático.

Responsable de la concepción global del montaje: elige el texto o material, define el enfoque, coordina al equipo artístico y técnico y guía a los actores hacia una interpretación coherente con su propuesta.

Profesional que asesora al director en el análisis del texto, la adaptación, la documentación y la coherencia del montaje. No sustituye al autor ni al director, sino que acompaña el proceso creativo.

Agrupación estable que mantiene varios títulos en cartel y los alterna durante la temporada, con elencos y equipos técnicos propios. Su organización difiere de la compañía de gira formada para un solo montaje.

Desplazamiento de un montaje a distintos espacios fuera de su sede habitual. Exige adaptar el diseño a escenarios diversos, prever transporte y alojamiento, y ajustar el calendario de funciones y descansos.

Conjunto de tareas de planificación, presupuesto, contratación, calendario y logística que hacen posible un montaje y su explotación. Coordina lo artístico con lo técnico y lo económico durante todo el ciclo del espectáculo.

Práctica escénica realizada en espacios públicos no convencionales, con el transeúnte como público potencial. Exige adaptar el volumen, la visibilidad y la duración al entorno, y suele emplear formas breves y participativas.

Práctica artística en la que el cuerpo y la acción del artista, ante testigos, constituyen la obra, sin personaje ni trama necesariamente. Puede integrar instalación, vídeo y duración prolongada, y se documenta tras su ejecución.

Etiqueta acuñada por Hans-Thies Lehmann para prácticas contemporáneas que desplazan el drama textual hacia la imagen, el ritmo, el cuerpo y la percepción del espectador, con estructuras no aristotélicas y frecuente mezcla de medios.