Castilla-La Mancha PAU Artistic Drawing II (Dibujo Artístico II - UCLM 2026) cheat sheet

Ley de la pregnancia (Gestalt): la percepción tiende a la forma más simple, simétrica y estable posible; un dibujo se lee antes como estructura global que como detalle.

Leyes de agrupación: proximidad, semejanza, continuidad, cierre y destino común explican cómo se organizan manchas y trazos en unidades visuales.

Figura-fondo: la silueta se define por contraste de valor y bordes; ambigüedad figura-fondo (contornos compartidos) genera lectura inestable.

Encaje: relación proporcional entre el todo y las partes mediante comparación de ejes, verticales, horizontales y diagonales de referencia.

Estructura interna: toda forma orgánica se reduce a volúmenes simples (cilindro, esfera, prisma) antes de modelar el contorno.

Constancias perceptivas (tamaño, forma, color) hacen que el ojo corrija lo dibujado; medir con lápiz y brazo extendido evita el error de constancia.

Escorzo y foreshortening: los ejes perpendiculares al plano de cuadro se acortan; el círculo se vuelve elipse y la simetría se desplaza.

Nivel de iconicidad: grado de parecido con el referente; la abstracción reduce detalles conservando relaciones estructurales.

Dureza de grafito: escala H (dura, trazo claro y fino) a B (blanda, trazo oscuro y graso); HB es intermedia y 2H-4H se usa para encaje y líneas guía.

Carboncillo: alta cobertura y negros profundos, poca adherencia; se fija con fijador y se difumina con difumino, trapo o dedo.

Grafito sobre papel de grano: el grano retiene la materia; papeles satinados permiten líneas continuas y detalles pequeños.

Tinta y plumilla: el valor se logra por densidad de tramado (rayado, cruzado, punteado), no por presión; el error es irreversible.

Sanguina y sepia: tierras rojizas/marrones de baja saturación, idóneas para estudios de figura y claroscuro cálido.

Pastel: pigmento en barra con aglutinante débil; se aplica por capas de claro a oscuro o viceversa y se funde por frotado.

Rotulador y aguada: el rotulador no se corrige; la aguada permite veladuras transparentes que se aclaran con agua.

Soportes: gramaje y textura condicionan la técnica; papeles de 120-200 g/m² admiten aguada ligera, los de 300 g/m² resisten humedad.

Escala de valores: del blanco del papel al negro máximo se establecen al menos 5-7 pasos; el dibujo se construye comparando valores, no tonos aislados.

Partes de la luz: luz directa (zona iluminada), medio tono, sombra propia, sombra proyectada, luz reflejada y brillo especular.

La sombra proyectada se dirige en sentido opuesto a la fuente luminosa y su longitud depende de la altura y distancia de esta.

Terminador: línea imaginaria que separa zona iluminada y sombra propia; suavizarla o endurecerla depende de la dureza de la luz y la forma.

Luz dura (foco puntual): bordes de sombra nítidos y alto contraste; luz difusa (cielo, ventana): transiciones graduales y menor contraste.

Claroscuro (chiaroscuro): uso dominante del contraste lumínico para modelar volumen y crear dramatismo; tenebrismo cuando el fondo es casi negro.

Luz reflejada: rebote de la superficie de apoyo o de objetos vecinos dentro de la sombra propia; nunca supera el valor de la zona iluminada.

Sombra propia depende de la orientación de cada plano respecto a la fuente; planos paralelos a los rayos reciben luz rasante y se oscurecen.

Regla de los tercios: dividir el formato en tres franjas horizontales y verticales; los puntos de intersección son focos de atención eficaces.

Sección áurea: proporción ≈1:1,618; el rectángulo áureo y la espiral de Fibonacci organizan recorridos visuales armónicos.

Peso visual: la masa oscura, la saturación y el aislamiento aumentan el peso; el equilibrio puede ser simétrico (axial) o asimétrico (dinámico).

Perspectiva cónica: línea de horizonte, punto de fuga y línea de tierra; un punto de fuga para frentes paralelos, dos para esquinas, tres para picados/contrapicados.

Perspectiva aérea: la lejanía reduce contraste, saturación y nitidez y desplaza los valores hacia el color del aire.

Superposición, cambio de tamaño, posición en el plano y convergencia de líneas son los indicadores de profundidad más eficaces en dibujo.

Ley de tercios y masas: distribuir claros y oscuros en manchas grandes antes del detalle; el boceto de manchas (thumbnail) verifica la composición.

Marcos y formatos: vertical sugiere elevación y figura; horizontal, paisaje y amplitud; el cuadrado tiende a la estabilidad estática.

Colores primarios sustractivos (pigmento): cian, magenta y amarillo; sus mezclas generan secundarios verde, violeta y naranja.

Colores primarios aditivos (luz): rojo, verde y azul (RGB); su mezcla total da blanco.

Complementarios: pares opuestos en el círculo cromático (rojo-verde, azul-naranja, amarillo-violeta); juntos producen máximo contraste y se neutralizan al mezclarse.

Armonías: monocromática (un matiz con variaciones), análoga (matices contiguos), complementaria y triádica (tres matices equidistantes).

Propiedades del color: matiz o tono (familia), valor (claridad-oscuridad) y saturación o croma (pureza); el valor es el que define la forma.

Mezcla sustractiva: cada pigmento añadido oscurece y desatura; para aclarar se añade blanco, para oscurecer se evita el negro puro y se usa complementario.

Contraste simultáneo (Chevreul): un color parece más saturado junto a su complementario y se desplaza hacia el complementario del vecino.

Temperatura: cálidos (rojo, naranja, amarillo) avanzan y activan; fríos (azul, verde) retroceden y calman; útil para crear profundidad.

Método de comentario: identificación (autor, título, fecha, técnica, soporte, formato) → descripción → análisis formal → contexto → conclusión valorativa.

Análisis formal: composición, línea, forma, color, luz, textura, espacio y tratamiento de la materia; siempre justificar con elementos visibles.

Iconografía: identificación de temas, símbolos y atributos; la iconología interpreta su significado cultural.

Contexto: época, movimiento, mecenazgo, función de la obra y relación con otras obras del autor o del periodo.

Vocabulario preciso: sfumato, tenebrismo, impasto, veladura, escorzo, perspectiva atmosférica, dinamismo, hieratismo, naturalismo.

Evitar juicios vacíos ('es bonito'); sustituir por descripciones operativas que relacionen recurso técnico y efecto expresivo.

Comparación: confrontar dos obras por ejes (tratamiento de la luz, espacio, figura, color) revela diferencias de poética.

El comentario debe ser autónomo: describir lo suficiente para que el lector entienda la obra sin verla.

Proporción canónica de la figura: ≈7,5-8 cabezas de altura; el punto medio del cuerpo está en la sínfisis púbica.

División del cuerpo: hombros ≈2 cabezas de ancho, cadera algo menor; codo a la altura de la cintura, muñeca a la altura del pubis.

Método de medición: brazo extendido, lápiz vertical, comparar la unidad menor con el total y trasladar la medida al papel sin mover el brazo.

Línea de acción: eje gestual que recorre la figura y capta el movimiento antes de definir contornos; el dibujo de 30 s-2 min prioriza gesto.

Cabeza: el rostro se divide en tres tercios (frente, nariz, mentón); los ojos se sitúan en la mitad vertical del cráneo.

Apunte del natural: trabajar de lo general a lo particular, del bloque de manchas al detalle; nunca empezar por ojos o manos.

Dibujo de entorno: elige encuadre y punto de vista antes de dibujar; el encaje del espacio incluye suelo, verticales y referencias arquitectónicas.

Perspectiva de la figura en escorzo: localizar ejes del torso y de la pelvis como volúmenes cruzados evita figuras planas.

Fases del proyecto: planteamiento del problema → referentes e investigación → bocetos y pruebas → desarrollo → selección → presentación y evaluación.

Cuaderno de campo/sketchbook: registro de ideas, estudios del natural y variaciones; documento que evidencia el proceso, no solo el resultado.

Bocetos y variantes: generar al menos tres alternativas de encuadre o solución antes de elegir; la serie permite comparar decisiones.

Referentes: citar autores y obras que informan el proyecto y explicar qué recurso concreto se toma de cada uno.

Memoria del proyecto: justificar intención, proceso, materiales, dificultades y aprendizaje; relacionar decisiones formales con el objetivo expresivo.

Serie y coherencia: un proyecto se sostiene en la repetición con variación controlada de formato, técnica o tema.

Autoevaluación: contrastar el resultado con la intención inicial y con los criterios de evaluación (idea, técnica, composición, originalidad).

Presentación: montaje, iluminación y disposición de las obras condicionan la lectura; el título y el texto breve orientan al espectador.

Contraste de bordes: bordes duros definen planos y volumen; bordes perdidos (sfumato) integran la figura en el fondo y crean atmósfera.

Ritmo visual: repetición de elementos (líneas, manchas, direcciones) con variación de tamaño o intervalo genera movimiento en el plano.

Simetría y asimetría: la simetría axial produce estabilidad y hieratismo; la asimetría equilibrada aporta dinamismo.

Direcciones dominantes: vertical (estabilidad), horizontal (reposo), diagonal (tensión y acción); la diagonal a 45° es la de mayor energía.

Silueta legible: una forma debe reconocerse en negro plano; si no funciona como mancha, el problema es estructural, no de detalle.

Línea de contorno vs. línea de estructura: el contorno describe el límite, la estructura describe el eje y el volumen interno.

Negativo: dibujar el espacio entre formas (espacio negativo) corrige errores de proporción que el ojo no detecta en la figura.

Abstracción por reducción: simplificar a masas y ejes conservando relaciones de tamaño y posición; base del dibujo analítico.

Tramado cruzado (cross-hatching): capas de líneas en direcciones distintas construyen valor; la densidad, no la presión, controla la oscuridad.

Difuminado: extiende la materia y suaviza transiciones; en grafito y carboncillo se usa difumino, papel o dedo, cuidando no engrasar el soporte.

Reserva y raspado: dejar el blanco del papel o retirar materia con goma moldeable/goma de pan crea luces en carboncillo y pastel.

Veladura y empaste: la veladura es capa fina transparente; el empaste es materia espesa y opaca; ambas se aplican también en técnicas mixtas.

Técnicas mixtas: combinar grafito con aguada, tinta con acuarela o pastel con carboncillo exige probar la compatibilidad de aglutinantes.

Fijado: el fijador evita que carboncillo y pastel se borren; aplicar en capas finas y a distancia para no disolver el pigmento.

Herramientas de medida: regla, escuadra, compás y plantillas para geometría; el compás de puntas secas traslada medidas del natural.

Conservación: papel sin ácidos, almacenamiento plano, protección de la luz UV; el grafito se conserva mejor que el carboncillo sin fijar.

Valor local: tono propio del objeto con luz neutra; la iluminación modifica el valor percibido, no el valor local.

Sombra arrojada sobre plano horizontal: su forma depende de la silueta del objeto y de la dirección de los rayos; en luz solar los rayos son paralelos.

Reflejo especular: aparece en superficies pulidas y se sitúa entre la zona iluminada y el observador; su intensidad depende del ángulo de incidencia.

Luz ambiental: rellena las sombras y reduce el contraste; su ausencia (fondo negro) produce efecto de aislamiento dramático.

Escala tonal controlada: asignar un valor a cada zona antes de modelar evita el dibujo 'gris' sin contrastes ni luces.

Sombras de contacto: la zona donde el objeto toca el plano es la más oscura; su omisión hace que el objeto 'flote'.

Modelado por planos: en figuras y retratos, dividir la cabeza en planos (frente, pómulo, mandíbula) facilita situar cada valor.

Contraluz: la fuente está detrás del motivo; la forma se lee por su silueta y por la luz reflejada en el borde.

Punto de vista: altura del horizonte (a nivel de ojos, picado, contrapicado) determina la lectura psicológica del espacio.

Plano de cuadro y profundidad: la superposición de planos (primer plano, medio, fondo) crea espacio sin necesidad de perspectiva rigurosa.

Líneas de fuerza: diagonales, curvas y ejes que guían la mirada hacia el centro de interés; deben evitarse líneas que salgan del formato.

Encuadre: decidir qué se excluye es tan importante como lo incluido; el corte de figuras en el borde genera tensión o continuidad.

Espacio negativo: masas vacías equilibran las llenas; el vacío es un elemento compositivo activo.

Ritmo y repetición: series de elementos iguales con intervalos variables producen cadencia; la repetición idéntica sin variación resulta monótona.

Perspectiva de un punto: todas las líneas perpendiculares al plano de cuadro convergen en un único punto de fuga sobre la línea de horizonte.

Escala humana: introducir una figura de tamaño conocido permite deducir la escala del espacio arquitectónico.

Círculo cromático de 12 matices: tres primarios, tres secundarios y seis terciarios; cada terciario mezcla un primario con un secundario contiguo.

Valor y color: un mismo matiz tiene distintos valores; convertir la imagen a gris revela si la composición funciona en valores.

Mezcla de complementarios: proporciones desiguales producen tierras y grises coloreados; a partes iguales tienden al gris neutro.

Colores tierra: se obtienen mezclando complementarios o añadiendo complementario a un primario; son la base del dibujo coloreado naturalista.

Saturación: se reduce añadiendo complementario, gris o blanco; subir el valor con blanco desatura y enfría el matiz.

Contraste cálido-frío: usado para separar planos (cálidos delante, fríos detrás) o para crear tensión expresiva.

Armonía por dominante: un matiz dominante, uno subordinado y un acento de contraste es una estructura cromática eficaz.

Psicología y cultura del color: las asociaciones (luto, festividad, peligro) varían según cultura; no son universales.

Ficha técnica completa: autor, título, fecha, técnica, soporte, dimensiones, localización; su omisión resta rigor al comentario.

Descripción objetiva: enumerar lo que se ve (figuras, objetos, espacio, luz) sin interpretar; la interpretación se apoya en lo descrito.

Análisis de la luz: identificar foco, dirección, dureza y función (descriptiva, dramática, simbólica).

Análisis del espacio: perspectiva utilizada, profundidad, relación figura-fondo y tratamiento del plano pictórico.

Análisis del color: gama (cálida/fría), saturación, contraste y función expresiva o simbólica.

Contexto histórico-artístico: movimiento, periodo, mecenas y función social de la obra; relacionar con otras obras del mismo autor.

Conclusión: sintetizar la aportación de la obra y su relevancia sin caer en adjetivos vacíos.

Errores frecuentes: confundir técnica con soporte, atribuir intenciones sin base visual, describir sin analizar y omitir la comparación.

Proporción de la cabeza: el cráneo ocupa aproximadamente dos tercios de la altura total y la cara uno; los ojos se sitúan a media altura.

Mano: su longitud equivale aproximadamente a la altura del rostro (de la barbilla al nacimiento del pelo).

Pie: su longitud es similar a la altura de la cabeza; el pie se apoya en el suelo por el talón, el metatarso y los dedos.

Figura sentada: la altura se reduce a unas 5-6 cabezas; la proporción cambia por la flexión de cadera y rodillas.

Escorzo del brazo: el antebrazo se acorta visualmente al apuntar hacia el observador; medir por la longitud del eje, no del contorno.

Dibujo de arquitectura: verificar verticales con plomada o lápiz; en perspectiva de un punto las verticales permanecen verticales.

Apunte rápido: 1-3 minutos para gesto y proporción; 10-20 minutos para estructura y valores; el detalle se reserva para estudios largos.

Estudio de manos y pies: son las zonas de mayor dificultad; dibujarlas por volúmenes (palma como caja, dedos como cilindros).

Briefing del proyecto: definir tema, formato, técnica, plazo y criterios de evaluación antes de empezar a dibujar.

Investigación visual: recopilar referentes, hacer estudios del natural y analizar soluciones de otros autores para fundamentar decisiones.

Iteración: bocetos sucesivos con variaciones controladas; conservar todos para documentar el proceso.

Selección: elegir la propuesta final con criterios explícitos (claridad de idea, viabilidad técnica, coherencia formal).

Memoria: describir intención, proceso, materiales, dificultades y aprendizaje; relacionar decisiones formales con el objetivo.

Documentación: fotografiar el proceso, fechar bocetos y ordenar el portfolio; el cuaderno es prueba del trabajo.

Presentación: montaje, iluminación y disposición condicionan la lectura; el título y el texto breve orientan al espectador.

Evaluación: comparar resultado con la intención inicial y con los criterios (idea, técnica, composición, originalidad).