Castilla-La Mancha PAU Music Analysis II (Análisis Musical II - UCLM 2026) cheat sheet

Parámetros analizables: forma (secciones y jerarquía), melodía (contorno, ámbito, motivos), armonía (funciones, cadencias), ritmo (métrica, tempo, figuras), textura (monodía, homofonía, contrapunto, heterofonía) y timbre (instrumentación, registro, articulación).

Análisis motivico: motivo = célula mínima reconocible (2-7 notas); tema = frase completa con identidad; distinguir transformación (transposición, inversión, retrogradación, aumentación, disminución) de simple variación ornamental.

Fraseología: período = antecedente + consecuente; frase = 4 u 8 compases típicos; semifrase = 2 compases; cadencia cierra la frase y determina su grado de conclusividad.

Schenker reduce la obra a estructura fundamental (Ursatz): línea fundamental descendente 3-2-1 o 5-4-3-2-1 sobre bajo I-V-I; útil para explicar coherencia de obras tonales largas.

Análisis paradigmático (Ruwet) vs. sintagmático: el paradigmático agrupa unidades equivalentes en columnas para hallar variantes; el sintagmático describe el orden lineal del discurso.

Cifrado americano: A-G con sostenidos/bemoles; sufijos m (menor), maj7, m7, 7, dim, aug, sus; bajo cifrado barroco usa números sobre el bajo (6, 6/4, 7, 4/3, 6/5, 4/2).

Curva tensivo-distensiva: la tensión aumenta con disonancias, cromatismo, registros extremos, dinámicas fuertes y densidad textural; disminuye con consonancias, reposo rítmico y cadencias.

Análisis auditivo vs. de partitura: la audición identifica textura, timbre y forma global; la partitura confirma alturas, cifrado y relaciones armónicas que el oído puede confundir.

Renacimiento (s. XV-XVI): modalidad gregoriana (dórico, frigio, lidio, mixolidio, eólico, jónico), contrapunto imitativo, textura polifónica vocal; referentes: Josquin, Palestrina, Victoria, Tomás Luis de Victoria.

Barroco (1600-1750): bajo continuo, tonalidad funcional incipiente, formas como fuga, concerto grosso, suite y ópera seria; referentes: Bach, Vivaldi, Händel, Purcell.

Clasicismo (c. 1750-1820): forma sonata, simetría fraseológica, textura de melodía acompañada; referentes: Haydn, Mozart, Beethoven (transición al Romanticismo).

Romanticismo (s. XIX): cromatismo creciente, armonía expandida, miniaturas y grandes formas; referentes: Schubert, Chopin, Schumann, Brahms, Wagner (Tristán), Liszt.

Postromanticismo y transición (c. 1890-1910): tonalidad extendida, acordes de novena/oncena/trecena, disolución funcional; referentes: Mahler, Strauss, Debussy, Schönberg temprano.

Siglo XX: atonalidad libre (Schönberg, Webern), dodecafonismo (1923), serialismo integral (Messiaen, Boulez, Stockhausen), neoclasicismo (Stravinski), nacionalismos (Bartók, Falla).

Modalidad renacentista en España: villancico, romance y ensalada; polifonía de Tomás Luis de Victoria y Cristóbal de Morales; cifrado modal distinto del tonal.

Identificación auditiva: asociar timbre y textura a época (violas da gamba barrocas, orquesta ampliada romántica, percusión y disonancias en el siglo XX).

Forma binaria: A-B, dos secciones con repetición (||: A :||: B :||); binaria simple (sin retorno) vs. binaria reexpositiva (B retoma material de A).

Forma ternaria: A-B-A; ternaria simple (cada sección cerrada) vs. compuesta (A y B son formas completas); el da capo barroco es ternario con retorno ornamentado.

Forma sonata: exposición (tema A, puente, tema B, coda de exposición) - desarrollo - reexposición (A y B en la tónica) - coda; la tonalidad de B en la exposición es V o relativa.

Rondó: A-B-A-C-A...; rondó-sonata combina retorno del estribillo con desarrollo y reexposición; típico en el último movimiento clásico.

Tema y variaciones: A-A'-A''...; variación ornamental (figuración), variación característica (tempo, modo, carácter) y variación sobre bajo obstinado (chacona, passacaglia).

Fuga: exposición (sujeto, respuesta real o tonal, contra-sujeto, divertimentos), desarrollo (episodios modulantes), reexposición (pedal y stretto); la respuesta tonal ajusta el intervalo para permanecer en la tónica.

Otras formas: preludio, fantasía, tocata (libres); suite barroca (alemanda, courante, zarabanda, giga); minueto/scherzo ternario con trío.

Criterios de segmentación: cambios de textura, cadencias fuertes, retorno del material inicial, cambios de tonalidad, dinámica y orquestación.

Funciones tonales: tónica (I, vi), subdominante (IV, ii), dominante (V, vii°); la progresión I-IV-V-I es la cadencia básica de la tonalidad.

Cadencias: auténtica (V-I), perfecta (V-I con fundamental en soprano y ambas en estado fundamental), plagal (IV-I), semicadencia (cierre en V), rota o deceptiva (V-vi), frigia (IV6-V en modo frigio).

Modulación: por acorde pivote (común a las dos tonalidades), por cromatismo, por enarmonía (acorde de séptima disminuida o sexta aumentada) y directa o brusca.

Acordes de séptima de dominante (V7) y séptima disminuida (vii°7): la séptima disminuida es simétrica y permite resolver a cuatro tonalidades distintas.

Sextas aumentadas: italiana (IV#6), francesa (IV#6/5), alemana (IV#6/5/3); resuelven a V y funcionan como subdominantes alteradas.

Cromatismo y tonalidad extendida: acordes napolitanos (bII6), préstamos modales, dominantes secundarias (V/V), acordes de sexta napolitana y alteraciones cromáticas.

Atonalidad y dodecafonismo: serie de 12 sonidos sin repetición; transformaciones P, I, R, RI; la serie sustituye a la jerarquía tonal.

Escalas modales y sintéticas: modos mayor/menor natural, armónica, melódica; escala pentatónica, hexátona (tonos enteros), octatónica (alternancia semitono-tono) y modos de transposición limitada de Messiaen.

Lectura vertical: identificar el bajo cifrado, la fundamental del acorde y su inversión (estado fundamental, 6, 6/4); leer primero el bajo y la voz superior.

Lectura horizontal: seguir la melodía principal, detectar motivos repetidos y contrastar con el acompañamiento para reconocer textura.

Instrumentación por época: barroco (cuerdas, continuo, flauta dulce, oboe, trompeta natural); clasicismo (orquesta de cuerdas, maderas y trompas); romanticismo (trombones, tuba, arpa, percusión ampliada).

Audición estructural: localizar cadencias, cambios de tonalidad, retornos del tema y puntos de articulación formal antes de etiquetar la forma.

Obras de referencia obligada: Bach, fuga en Do mayor BWV 846; Mozart, Sonata K. 545; Beethoven, Sinfonía n.º 5; Schubert, Erlkönig; Debussy, Preludios; Stravinski, La consagración de la primavera.

Reconocer texturas: monofonía, homofonía (bloques acórdicos), polifonía imitativa, melodía acompañada, heterofonía y textura de cluster.

Identificar el tempo y el carácter por indicaciones italianas: Adagio, Andante, Allegro, Presto; matices p, f, crescendo, diminuendo.

Errores frecuentes: confundir relativa menor con tonalidad homónima; confundir cadencia rota (V-vi) con plagal (IV-I); etiquetar ternario un binario reexpositivo.

Serialismo integral: aplica la serie a alturas, duraciones, dinámicas y articulación; referentes: Boulez (Structures), Stockhausen (Kreuzspiel), Nono.

Aleatoriedad y música abierta: forma móvil o indeterminada (Cage, Lutosławski); el análisis se centra en procesos y no en estructuras fijas.

Música textural y espectral: clusters, masas sonoras, micropolifonía (Ligeti); análisis por densidad, espectro y procesos de transformación.

Minimalismo: repetición de células con desplazamiento de fase y procesos aditivos; referentes: Reich, Glass, Riley, Adams.

Música no occidental: escalas y modos propios (maqam árabe, raga indio con raga y tala, gamelán javanés con colotomía), ciclos rítmicos y heterofonía.

Análisis transcultural: distinguir parámetros universales (altura, duración) de los culturalmente específicos (afinación, ornamentación, función ritual).

Música electroacústica: análisis por espectro, envolvente y espacialización; conceptos de objeto sonoro (Schaeffer) y tipología morfológica.

Contextualización estilística: relacionar técnica compositiva con contexto histórico-social; evitar juicios de valor y describir el sistema de organización sonora empleado.