Galicia PAU Performing Arts II / Artes Escénicas II CIUG cheat sheet

Aristóteles (Poética): la tragedia como imitación (mímesis) de acciones graves con finalidad catártica mediante piedad y temor; unidades de acción, tiempo y lugar como convención posterior, no literal del texto.

Géneros históricos: tragedia, comedia, drama (forma mixta burguesa del siglo XVIII), tragicomedia barroca y géneros menores (entremés, sainete, loa, jábara).

Teatro griego: máscara (prosopon), coro y corifeo, orchestra circular, skené; los tres actores y la regla de las tres unidades provienen de la práctica y la preceptiva, no de un solo autor.

Commedia dell'arte: improvisación sobre un canovaccio, personajes fijos enmascarados (Arlecchino, Pantalone, Pulcinella) y lazzi; los actores son especialistas de un rol.

Teatro isabelino: corrales abiertos, escenario con balcón y trapdoor, escasa escenografía verbalizada; Shakespeare rompe las unidades clásicas.

Teatro épico brechtiano: efecto de distanciamiento (Verfremdungseffekt), ruptura de la cuarta pared, canciones y carteles que interrumpen la ilusión.

Vanguardias del siglo XX: simbolismo, expresionismo, teatro de la crueldad de Artaud (cuerpo y sonido sobre texto), teatro pobre de Grotowski (despojamiento) y teatro del absurdo (Beckett, Ionesco).

Teatro posdramático (Lehmann): primacía de la escena sobre la fábula, hibridación con performance, instalación y medios; el texto deja de ser el eje organizador.

El texto dramático se escribe para la representación: el diálogo construye la acción y las acotaciones (didascalias) fijan espacio, gesto o tono.

Estructura aristotélica en cinco partes: planteamiento, nudo o complicación, clímax, desenlace y resolución; alternativa en tres actos (exposición, nudo, desenlace).

Conflicto como motor: puede ser externo (personaje contra personaje, sociedad, naturaleza) o interno (personaje contra sí mismo); sin conflicto no hay progresión dramática.

Personaje: caracterización directa (lo que dice de sí o dicen de él) frente a indirecta (acción y conducta); el personaje redondo evoluciona, el plano permanece estable.

Tiempo dramático: tiempo de la fábula (cronológico), tiempo de la representación y tiempo de la enunciación; la elipsis y el racconto alteran el orden.

Espacio dramático: espacio representado (lo que la fábula evoca) y espacio escénico o dramático visible; las acotaciones suelen indicar el espacio no dicho en diálogo.

Monólogo, soliloquio y aparte: el soliloquio revela interioridad en soledad; el aparte comunica al público sin que lo oigan los demás personajes.

Dramaturgia: reescritura y adaptación de materiales (texto clásico, novela, testimonio) para la escena; la versión escénica puede recortar, reordenar o fragmentar el texto fuente.

La puesta en escena integra dirección, interpretación, escenografía, iluminación, vestuario, sonido y movimiento en un discurso escénico coherente.

Tipos de escenario: a la italiana (frontal, cuarta pared), isabelino o circular (relación envolvente), arena, escenario a la vista y site-specific (espacio no teatral).

Relación escena-público: frontal, en herradura, pasarela o thrust, arena (teatro circular) y espacio flexible; condiciona la proxémica y la visibilidad.

Escenografía: realista (caja de ilusión), simbólica o sintética (elementos mínimos con valor metafórico) y funcional (resuelve entradas, salidas y niveles).

Iluminación: funciones de visibilidad, foco selectivo, creación de atmósfera, elipsis temporal y separación de planos; la luz puede sustituir al decorado.

Dirección de escena: fija el concepto o lectura de la obra, la composición de cuadros, el ritmo y la jerarquía de signos; el director no interpreta en escena.

Vestuario y maquillaje como signos: informan época, clase, edad y estado psicológico; el vestuario puede ser histórico, neutro o conceptual.

Ritmo escénico: resultado de la duración de escenas, pausas, cambios de luz y tempo de los actores; un ritmo monótono delata falta de conflictos internos.

Sistema Stanislavski: relajación, concentración, memoria emotiva, 'si mágico', objetivos y superobjetivo, acción física y fe en las circunstancias dadas.

Método de las acciones físicas (Stanislavski tardío): la emoción surge de la ejecución de acciones concretas con un objetivo, no de forzar el sentimiento.

Técnica de Meyerhold: biomecánica y otkaz (rechazo o negativa previa a la acción), actuación corporal expresiva y constructivista.

Grotowski: entrenamiento físico y vocal intensivo, 'el actor santo', eliminación de lo superfluo y relación directa con el espectador.

Voz: apoyo diafragmático, proyección sin forzar garganta, articulación y dicción, resonancia, modulación del volumen y manejo del silencio.

Cuerpo: alineación, centro de gravedad, presencia, disponibilidad y escucha activa; el gesto puede ser ilustrativo, expresivo o simbólico.

Cuarta pared: convención de actuación realista en la que el actor ignora al público; romperla implica complicidad o distanciamiento.

Improvisación y creación colectiva: el actor genera material desde consignas; la fijación posterior selecciona y ordena lo improvisado en partitura escénica.

Ópera: drama cantado con orquesta; recitativo (avanza la acción) y aria (expresa afecto); el libreto y la partitura condicionan el ritmo escénico.

Zarzuela y género lírico español: alternancia de partes habladas y cantadas; la zarzuela grande y el género chico (sainete lírico) se diferencian por formato y duración.

Danza: ballet clásico (vocabulario codificado, puntas), danza moderna (peso y expresión) y danza contemporánea (hibridación con teatro y performance).

Teatro musical: integración de canción, danza y escena; la canción puede avanzar la acción (diegética) o detenerla para expresar emoción.

Cine y teatro: el montaje cinematográfico fragmenta el tiempo y el espacio, mientras la escena mantiene continuidad espacio-temporal ante el público.

Teatro filmado y proyecciones escénicas: el vídeo puede ser escenografía, contrapunto crítico o ampliación del cuerpo del actor; no sustituye la presencia.

La música en escena cumple funciones de ambientación, acentuación rítmica, contrapunto irónico o creación de atmósfera; el silencio también es signo sonoro.

Teatro y medios digitales: mapping, realidad virtual y performance multimedia amplían el espacio escénico y exigen coordinación técnica en tiempo real.

Comentario en cuatro pasos: identificación (título, autoría, compañía, fecha, espacio), sinopsis argumental, análisis de signos escénicos y valoración argumentada.

Análisis de signos: texto, interpretación, dirección, escenografía, iluminación, vestuario, música y relación con el público; cada uno se describe y se interpreta.

Contextualización: situar la obra en su época, movimiento estético, tradición de la compañía y condiciones de producción (público, presupuesto, gira, festival).

La crítica no es resumen: formula una tesis valorativa y la sostiene con evidencias concretas del espectáculo, no con impresiones generales.

Distinguir fábula (qué se cuenta) de discurso escénico (cómo se cuenta); dos montajes del mismo texto pueden tener discursos opuestos.

Registrar condiciones de recepción: sala, aforo, tipo de público, duración y momento del estreno influyen en la lectura del espectáculo.

Vocabulario crítico preciso: verosímil, convención, distanciamiento, ritmo, partitura, código, intertextualidad; evitar adjetivos vacíos como 'buenísimo'.

Análisis de texto dramático: identificar estructura, conflictos, personajes, tiempo y espacio, y luego comparar con las decisiones de la puesta en escena.

Galicia: peso de la tradición oral y del teatro popular; el teatro gallego moderno se consolida en el siglo XX con autores y compañías vinculadas a la lengua propia.

Instituciones gallegas: Centro Dramático Galego (compañía pública, 1984), Mostra de Teatro de Ribadavia (festival histórico de artes escénicas) y circuitos de la Xunta.

Dramaturgia gallega contemporánea: autores y autoras que combinan memoria, emigración, ruralidad y lengua gallega; conviene citar nombres concretos estudiados en el aula.

España: red de teatros públicos y privados, Centro Dramático Nacional, Compañía Nacional de Teatro Clásico (repertorio del Siglo de Oro) y festivales como Almagro.

Siglo de Oro español: Lope de Vega fija la comedia nueva (tres actos, mezcla de lo trágico y cómico, romper las unidades); Calderón lleva la técnica a su culminación.

Siglos XIX-XX en España: romanticismo (Duque de Rivas, Zorrilla), alta comedia burguesa, generación del 98 y renovación de Valle-Inclán (esperpento) y García Lorca.

Contexto internacional: Broadway y West End como industrias, festivales europeos (Aviñón, Edimburgo), teatro posdramático alemán y creación contemporánea latinoamericana.

Circulación: coproducciones, giras internacionales, residencias y redes europeas condicionan el repertorio y la estética de las compañías actuales.

Catarsis: purgación emocional del espectador ante la tragedia según la Poética aristotélica; se discute si es purificación médica, moral o estética.

Tragedia griega: tres actores y coro; Esquilo, Sófocles y Eurípides; la máscara amplifica la voz y tipifica el personaje.

Comedia: origen en rituales y en la comedia ática de Aristófanes; la comedia nueva de Menandro y la romana de Plauto y Terencio fijan tipos y enredos.

Teatro medieval: misterios y moralidades, escenarios múltiples y simultáneos en la plaza; el teatro religioso convive con farsas profanas.

Commedia dell'arte: canovaccio como guion de situaciones, no texto cerrado; los actores improvisan diálogo sobre lazzi ensayados.

Naturalismo: Zola y Antoine (Théâtre Libre) imponen la cuarta pared, el decorado realista y la observación social; el actor imita la vida cotidiana.

Teatro del absurdo: ausencia de trama causal, diálogo circular y lenguaje que se descompone (Beckett, Ionesco, Adamov); refleja la crisis de sentido de posguerra.

Performance y teatro posdramático: el cuerpo y la presencia sustituyen la fábula; el espectador puede ser participante y el espacio, no teatral.

Diálogo dramático: cada réplica responde a la anterior y modifica la situación; el texto se organiza en parlamentos y acotaciones.

Acotación o didascalia: indica escenografía, gestos, tono o desplazamientos; puede ser explícita (entre paréntesis) o implícita en el diálogo.

Estructura externa: actos, escenas y cuadros; el cuadro cambia de espacio y el acto de unidad temporal o de conflicto.

Estructura interna: exposición, incidente incitador, desarrollo, clímax y desenlace; el incidente incitador rompe el equilibrio inicial.

Personaje antagonista: no siempre es villano; encarna la fuerza que se opone al deseo del protagonista y sostiene el conflicto.

Personaje colectivo y coro: representan una comunidad o conciencia social; su función puede ser comentar, presionar o juzgar la acción.

Intertextualidad: la dramaturgia contemporánea reescribe mitos y clásicos (Antígona, Edipo, Fausto) para actualizar conflictos políticos o de género.

Tragedia moderna y drama: el drama burgués del XVIII sustituye a reyes por burgueses y mezcla lo trágico y lo cómico para reflejar la vida real.

Cuarta pared: convención de la escena frontal a la italiana que separa al público del mundo ficcional; se rompe con apartes o salidas al patio de butacas.

Proxémica escénica: distancias entre cuerpos y objetos significan jerarquía, intimidad o amenaza; el director compone planos y alturas.

Escenografía rotunda o caja negra: espacio neutro que cambia con luz y objetos; permite montajes ágiles y giras.

Utilería y objeto escénico: un objeto puede ser funcional, simbólico o dramático si el conflicto gira en torno a él (una carta, un arma, un vestido).

Iluminación: tipos de foco (frontal, lateral, contraluz, cenital) construyen volumen, sombra y atmósfera; el contraluz recorta siluetas.

Sonido: refuerza la acción (efectos diegéticos) o crea contrapunto (música no diegética); el diseño sonoro incluye el silencio y el ruido de sala.

Dirección de actores: el director propone objetivos y circunstancias, ajusta el tempo y compone la partitura de movimientos; no impone la emoción.

Espacio de representación no convencional: calle, iglesia, fábrica o museo (site-specific) obligan a rediseñar la relación con el público y la acústica.

Objetivo y superobjetivo (Stanislavski): cada escena tiene una meta concreta y la obra entera una aspiración que las unifica.

Circunstancias dadas: época, lugar, relaciones y hechos que el actor acepta como verdad para justificar su acción.

Memoria emotiva: recurso de Stanislavski que evoca experiencias propias para nutrir la emoción; hoy se usa con cautela por riesgo de desequilibrio.

Biomecánica de Meyerhold: entrenamiento acrobático y rítmico que hace visible el conflicto; el actor como obrero del gesto.

Voz en escena: la dicción debe entenderse hasta la última fila; el apoyo diafragmático evita la fatiga vocal en funciones largas.

Subtexto: lo que el personaje no dice pero piensa; el actor lo construye para que el diálogo tenga doble sentido.

Partitura de acciones: secuencia fija de movimientos y objetivos que da estabilidad a la interpretación y permite repetir la función.

Improvisación: herramienta de ensayo y de creación colectiva; después se selecciona y fija el material para no depender del azar en cada función.

Ópera: el compositor y el libretista crean la obra; el director de escena decide la puesta en escena y el director musical, la interpretación sonora.

Zarzuela: género lírico español con partes habladas y cantadas; el género chico (sainete lírico) es breve y popular, la zarzuela grande es más extensa.

Ballet clásico: vocabulario codificado (plié, tendu, pirouette), puntas y narración coreografiada; el cuerpo del bailarín es el texto.

Danza contemporánea: rompe la verticalidad clásica, incorpora peso, caída y contacto; dialoga con teatro físico y performance.

Teatro musical: la canción puede avanzar la trama (diegética) o detenerla para expresar emoción; la coreografía integra el discurso.

Cine y teatro: el cine fragmenta el tiempo y el espacio con montaje; la escena exige continuidad y presencia en tiempo real.

Vídeo escénico: puede ser escenografía, ampliación del cuerpo o contrapunto crítico; su uso exige coordinación técnica y ensayo.

Música incidental: compuesta o seleccionada para una obra; puede ambientar, acentuar el ritmo, ironizar o crear atmósfera.

Ficha técnica: título, autoría, dirección, compañía, reparto, escenografía, iluminación, vestuario, música y fecha; es la base del comentario.

Sinopsis: resumen de la fábula en pocas líneas, sin valoración; sirve para situar al lector antes del análisis.

Análisis de signos: describir cada elemento escénico (texto, actuación, espacio, luz, sonido) y explicar qué significa en el conjunto.

Valoración argumentada: sostener una tesis con evidencias del espectáculo; evitar adjetivos vacíos y generalizaciones.

Contextualización: época, movimiento estético, tradición de la compañía, condiciones de producción y recepción.

Fábula y discurso: distinguir qué se cuenta de cómo se cuenta; dos montajes del mismo texto pueden tener discursos opuestos.

Vocabulario crítico: verosímil, convención, distanciamiento, ritmo, partitura, código, intertextualidad; usar términos precisos.

Recepción: sala, aforo, tipo de público, duración y momento del estreno influyen en la lectura del espectáculo.

Galicia: tradición oral y teatro popular; el teatro gallego moderno se consolida en el siglo XX con autores y compañías vinculadas a la lengua propia.

Centro Dramático Galego: compañía pública creada en 1984; produce y difunde teatro en gallego y programa en el Salón Teatro de Santiago.

Mostra de Teatro de Ribadavia: festival histórico de artes escénicas en Galicia; escaparate de compañías gallegas y de teatro de calle.

Dramaturgia gallega contemporánea: autores y autoras que abordan memoria, emigración, ruralidad y lengua; conviene citar nombres concretos estudiados en el aula.

Siglo de Oro español: Lope de Vega fija la comedia nueva (tres actos, mezcla de trágico y cómico, ruptura de unidades); Calderón la culmina.

Siglos XIX-XX: romanticismo (Duque de Rivas, Zorrilla), alta comedia burguesa, generación del 98 y renovación de Valle-Inclán (esperpento) y García Lorca.

Instituciones españolas: Centro Dramático Nacional, Compañía Nacional de Teatro Clásico (repertorio del Siglo de Oro) y festivales como Almagro.

Contexto internacional: Broadway y West End como industrias, festivales europeos (Aviñón, Edimburgo), teatro posdramático alemán y creación latinoamericana.