Galicia PAU Performing Arts II / Artes Escénicas II CIUG key terms

Disciplinas cuya obra se realiza ante un público en un tiempo y espacio compartidos, mediante cuerpos, voces y objetos en vivo, como el teatro, la danza, la ópera o el circo.

Cualidad por la que un hecho, un gesto o un espacio se percibe como representación dirigida a un espectador, incluso fuera del teatro, por ejemplo en rituales, desfiles o mítines.

Acuerdo implícito entre escena y público que acepta como verosímiles recursos no realistas, como hablar en aparte, el monólogo interior o un decorado que representa un bosque.

Género dramático en que un personaje de elevada condición se enfrenta a un destino o error fatal y sufre una caída que provoca compasión y temor en el espectador.

Género dramático que busca la risa o la sonrisa mediante equívocos, exageración de caracteres y conflictos sociales, y que suele cerrar con un final conciliador o festivo.

Efecto de purificación emocional que, según la Poética de Aristóteles, produce en el público la contemplación de la tragedia mediante la compasión y el temor suscitados.

Error de juicio o fallo trágico del protagonista, no necesariamente una culpa moral, que desencadena la catástrofe en la tragedia clásica.

Forma teatral italiana del siglo XVI basada en la improvisación sobre un guion o canovaccio, con personajes fijos enmascarados como Arlequín, Pantalone o Colombina.

Arte de componer y estructurar una obra dramática, y también el trabajo de adaptación o escritura escénica que da forma al material teatral para la representación.

Escritura concebida para ser representada, compuesta por diálogos, acotaciones y la distribución de personajes, que sirve de base pero no agota el hecho escénico.

Indicación del autor, normalmente entre paréntesis o en cursiva, sobre escenografía, movimiento, tono o gesto de los personajes, que orienta la puesta en escena.

En el teatro griego, instrucción para la ejecución coral; hoy designa de forma amplia las indicaciones escénicas y de montaje contenidas en el texto dramático.

Oposición de fuerzas o voluntades que impulsa la acción teatral; puede ser interno, entre personajes o entre un personaje y su entorno, y sostiene la tensión de la obra.

Giro repentino de la acción que invierte la situación del protagonista, término aristotélico que designa el cambio de fortuna decisivo en la trama trágica.

Reconocimiento o descubrimiento que transforma el entendimiento de un personaje, frecuente en la tragedia clásica cuando se revela una identidad o un vínculo oculto.

Reglas clásicas que piden unidad de acción, de lugar y de tiempo en la obra, formuladas por la preceptiva y discutidas desde el teatro isabelino y romántico.

Conjunto de decisiones y operaciones que convierten un texto o una idea en espectáculo: dirección, espacio, actuación, luz, sonido y ritmo ante el público.

Tarea de quien concibe y coordina el espectáculo, orienta a los intérpretes, define la lectura del texto y armoniza todos los lenguajes escénicos en una propuesta coherente.

Diseño y construcción del espacio visible de la representación mediante decorados, telones, practicables y objetos, en diálogo con la iluminación y el movimiento de los actores.

Lugar físico y simbólico donde ocurre la representación y donde se sitúa el público; su forma condiciona la relación entre actor y espectador.

Modelo de sala con escenario frontal elevado, embocadura y platea escalonada, que concentra la mirada en un solo punto y favorece la ilusión de cuarta pared.

Conjunto de objetos manipulados por los intérpretes o usados como decoración, cuyo valor puede ser funcional o simbólico dentro de la acción dramática.

Frontera imaginaria entre escenario y público que sostiene la ficción de que los actores no son observados; romperla implica dirigirse abiertamente al espectador.

Recurso por el que un intérprete reconoce al público, le habla o comenta la ficción, generando distanciamiento, complicidad o efectos metateatrales.

Procedimiento por el que la obra reflexiona sobre el teatro mismo, mostrando ensayos, actores que interpretan actores o personajes conscientes de su condición ficcional.

Técnica brechtiana que evita la identificación emocional del público mediante carteles, canciones o gestos mostrados, para que observe críticamente la acción y su contexto social.

Concepto de Brecht que designa la actitud social visible en un gesto o conjunto de gestos de un personaje, reveladora de sus relaciones de poder y clase.

Contenido emocional o intencional que un personaje no dice con palabras y que el intérprete construye para dotar de densidad y contradicción al diálogo.

Meta concreta que un personaje persigue en una escena y que orienta sus acciones; su formulación en infinitivo ayuda al intérprete a activar la conducta dramática.

Secuencia concreta de movimientos y tareas que un intérprete ejecuta en escena para alcanzar un objetivo, base de métodos como el de Stanislavski.

Recurso de actuación que consiste en evocar experiencias personales pasadas para alimentar la emoción requerida por una escena, con riesgo de desgaste emocional.

Técnica de apoyo diafragmático y colocación del sonido que permite al intérprete ser audible y comprensible en todo el espacio sin forzar la garganta.

Claridad en la articulación de los sonidos del habla, que permite al público comprender el texto y que se entrena con ejercicios de vocalización y ritmo.

Planificación de las variaciones de tono, intensidad, pausa y ritmo de un parlamento, análoga a una partitura musical, que da forma audible a la interpretación.

Género que integra canción, diálogo, danza y escenografía en una narración dramática, con tradiciones propias en Broadway, el West End y la zarzuela española.

Género lírico-dramático español que alterna partes habladas y cantadas, con orquesta y coro, y que cultivó especialmente el costumbrismo urbano y rural.

Obra dramática cantada con acompañamiento orquestal, en la que la música asume la conducción del relato y la voz se organiza por tesituras y registros.

Composición de movimientos y pasos organizados para un espectáculo de danza o para una escena teatral, con lógica espacial, rítmica y expresiva propia.

Forma escénica que fusiona danza contemporánea y teatro, priorizando la expresión del cuerpo y la emoción sobre la narración argumental, asociada a Pina Bausch.

Corriente que desplaza el peso del texto hacia el cuerpo, el gesto y la imagen, con creadores como Decroux, Grotowski o Lecoq, y fuerte presencia del entrenamiento actoral.

Lectura crítica de un montaje que atiende a dirección, interpretación, espacio, luz, vestuario y recepción, y que lo sitúa en su contexto histórico y social.

Documento que acompaña al espectáculo con reparto, equipo artístico, sinopsis y notas de intención, útil como fuente para el comentario crítico.

Organización significante del lugar escénico, donde la disposición de objetos, alturas y recorridos construye sentido y condiciona las acciones de los intérpretes.

Producción escénica de Galicia desde los años setenta, con compañías y autores que combinan tradición oral, lengua gallega, memoria histórica y estéticas contemporáneas.

Unidad de producción teatral pública de la Xunta de Galicia, creada en 1984, que impulsa montajes propios, giras y difusión del repertorio dramático gallego.

Movimiento de compañías al margen de las grandes estructuras comerciales o públicas, con salas propias, presupuestos reducidos y experimentación formal y temática.