PAU Artistic Drawing II (Madrid) cheat sheet

Ley de la buena forma (Gestalt): el observador agrupa estímulos en la configuración más simple, simétrica y estable; dibujar esa estructura antes que el detalle acelera el encaje.

Constancia perceptiva: tamaño, forma y brillo se perciben relativos al contexto; para corregirla, comparar longitudes con el lápiz extendido a brazo tenso y un ojo cerrado.

Relación figura-fondo: el contorno pertenece a la figura, no al fondo; un contorno compartido (contorno perdido) describe dos formas a la vez y evita el dibujo de siluetas recortadas.

Ejes y líneas de fuerza: toda forma orgánica se organiza en torno a un eje mayor y uno menor; su ángulo respecto a la vertical del papel define la orientación del encaje.

Método de bloqueo por cajas: inscribir el objeto en un prisma envolvente y subdividirlo; los errores de proporción se detectan antes en el volumen que en el contorno.

Escorzo: el círculo visto en perspectiva se convierte en elipse; la elipse nunca tiene extremos en punta y su eje mayor es perpendicular al eje de rotación.

Ángulos negativos: medir el ángulo que forman dos puntos del modelo con la horizontal o vertical del papel, no la distancia entre ellos, reduce el error acumulado.

Niveles de iconicidad: representación realista, esquemática, simbólica y abstracta; elegir el nivel es una decisión comunicativa previa al trazo.

Dibujo del natural: el punto de vista fija la perspectiva; desplazar el caballete o el asiento cambia la fuga y obliga a reencajar, no a corregir el contorno.

Apunte rápido: prioriza eje, proporción global y mancha de sombra; el detalle solo se añade si el tiempo de pose lo permite (poses de 1-2 min: solo gesto).

Línea de contorno modulada: la presión y la velocidad del trazo codifican dureza, peso y luz; una línea de grosor constante aplana el volumen.

Dibujo de memoria y de imaginación: se apoyan en el repertorio de formas conocidas; su verosimilitud depende de la coherencia interna de luz y perspectiva, no de la fidelidad al modelo.

Encuadre: elegir formato (horizontal, vertical, cuadrado) y decidir qué queda fuera del marco; el corte del motivo por el borde afecta al equilibrio de la composición.

Valor expresivo del trazo: trazos largos y continuos sugieren reposo; trazos quebrados, repetidos o de dirección cambiante sugieren tensión o movimiento.

Dibujo analítico frente a dibujo sintético: el primero acumula información (articulaciones, planos); el segundo selecciona rasgos esenciales y elimina el resto.

El entorno como motivo: arquitectura aporta líneas rectas y fugas; vegetación y figura aportan ritmo orgánico; contrastar ambos registros enriquece la mancha y el ritmo.

Canon de proporción: la figura humana se mide en cabezas; el canon clásico griego es de 7 a 8 cabezas, y el módulo permite escalar la figura sin perder proporciones.

Proporción áurea: división de un segmento en media y extrema razón, a/b = (a+b)/a ≈ 1,618; se aplica a formatos, rectángulos y distribución de masas.

Regla de los tercios: dividir el formato en tres franjas horizontales y verticales; los puntos de intersección son focos de atención naturales.

Sección áurea del rectángulo: un rectángulo cuyos lados están en proporción áurea puede subdividirse indefinidamente en cuadrado más rectángulo áureo.

Peso visual: una masa oscura o de color saturado pesa más que una clara del mismo tamaño; se compensa desplazándola hacia el centro o reduciendo su área.

Simetría y asimetría: la simetría axial produce equilibrio estático; la asimetría exige compensar masas mediante tamaño, valor o posición.

Líneas de fuerza y recorrido visual: la mirada entra por el punto de mayor contraste y recorre diagonales y direcciones dominantes; el encaje debe prever ese recorrido.

Escala y formato: el formato condiciona la lectura (vertical = elevación, horizontal = extensión); el tamaño del motivo respecto al marco define si es figura o masa dominante.

Estructura de la luz: luz propia (zona iluminada), medio tono, sombra propia, sombra proyectada, luz reflejada y brillo especular.

Ley del terminador: el paso de luz a sombra propia es gradual en superficies curvas y brusco en aristas; el terminador sigue la forma del volumen.

Sombra proyectada: se extiende en dirección opuesta al foco y se alarga cuanto más baja es la fuente; su contorno depende de la forma del objeto y de la superficie receptora.

Luz reflejada: aparece dentro de la zona de sombra por rebote de superficies próximas; nunca es tan clara como la zona iluminada directamente.

Escala de valores: ordenar de 0 (negro) a 10 (blanco) los tonos del modelo; asignar un número a cada zona evita el claroscuro plano y los grises intermedios indiscriminados.

Contraste simultáneo: un mismo gris parece más claro sobre fondo oscuro y más oscuro sobre fondo claro; el valor de una zona se juzga siempre respecto a sus vecinas.

Tipos de foco: luz natural difusa (sombras suaves, poco contraste), luz solar directa (sombras duras), luz artificial puntual (contraste alto y sombras marcadas).

El claroscuro como recurso expresivo: el tenebrismo concentra la luz en un foco y sumerge el resto en sombra, dirigiendo la atención y dramatizando la escena.

Grafito: dureza H (duro, trazo claro y preciso), B (blando, trazo oscuro y graso), HB intermedio; la numeración creciente acentúa la característica (6B más blando que 2B).

Carboncillo: alto poder cubriente y negro profundo; se difumina con trapo o difumino y se fija con fijador, pues se borra mal y se ensucia con facilidad.

Sanguina y cretas: tonos rojizos y terrosos; funcionan bien sobre papel de color, usando el papel como tono medio y añadiendo luces con clarión.

Tinta: plumilla para trazo modulado por presión, pincel para mancha y aguada diluida para valores; el secado rápido exige planificar de claro a oscuro.

Rotulador y punta fina: trazo de grosor constante; el valor se construye por densidad de tramado (rayado, cruzado, punteado) y no por presión.

Técnicas secas frente a húmedas: grafito, carboncillo y pastel permiten corrección y difuminado; acuarela y aguada exigen reservar blancos y trabajar de claro a oscuro.

Soportes: papel de grano grueso retiene pigmento y favorece texturas; el satinado permite trazo fino y continuo; el gramaje bajo se deforma con aguada.

Procedimiento por capas: encaje ligero, mancha de valores medios, oscurecimiento progresivo y acentos finales; invertir el orden produce empaste y pérdida de luminosidad.

Síntesis gráfica: reducir el motivo a sus rasgos esenciales mediante omisión, simplificación de contorno y reducción de valores; el resultado debe seguir siendo reconocible.

Abstracción por grados: naturalismo, estilización, esquematización y abstracción geométrica; cada paso elimina información y aumenta la autonomía del signo gráfico.

Bocetos de desarrollo: serie de variaciones sobre un mismo motivo cambiando encuadre, escala o técnica; la comparación entre bocetos fundamenta la elección final.

Serie y variación: mantener constante un elemento (formato, motivo) y variar otro (color, textura, luz) permite explorar el lenguaje sin perder coherencia.

Metáfora visual: sustituir un objeto por otro de atributos compartidos (forma, función, textura) para transmitir un concepto; la sustitución debe ser legible sin explicación.

Transformación morfológica: deformación, fragmentación, repetición y modularidad son operaciones que generan nuevas formas a partir de una existente.

Memoria visual y referentes: el repertorio propio se construye observando, copiando analíticamente y clasificando soluciones; la cita consciente se distingue del plagio por la reelaboración.

Presentación de la propuesta: memoria breve con idea, referentes, proceso (bocetos) y resultado; el proceso documentado forma parte de la evaluación de la creatividad.