PAU History of Music and Dance (Aragón) cheat sheet
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La música y la danza en la Antigüedad y la Edad Media
Mesopotamia: notación cuneiforme de Ugarit (hurrita, h. 1400 a. C.), escala diatónica de siete notas documentada en tablillas de Nippur.
Grecia: ethos de los modos (dorio, frigio, lidio), teoría de las proporciones de Pitágoras (octava 2:1, quinta 3:2, cuarta 4:3) y género enharmónico, cromático y diatónico.
Canto gregoriano: monodia litúrgica en latín, textura monofónica, ritmo libre, ocho modos eclesiásticos; formas del Propio: introito, gradual, aleluya, tracto, ofertorio, comunión.
Formas del Ordinario: Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus-Benedictus, Agnus Dei; tropos y secuencias (Victimae paschali laudes, Dies irae) amplían el repertorio.
Ars antiqua (s. XII-XIII): organum paralelo y melismático, discanto; Escuela de Notre Dame (Léonin, Pérotin), conductus y motete con tenor gregoriano.
Ars nova (s. XIV): Philippe de Vitry y Ars Nova (1320), mensuralismo, isorritmia, motete politemático; Machaut, Misa de Notre Dame, primera misa cíclica completa.
Danza medieval: estampie, saltarello, ductia y carol; danzas de corte y campesinas recogidas en fuentes como el Llibre Vermell de Montserrat.
Transmisión: notación neumática sin altura fija hasta Guido d'Arezzo (tetracordo, hexacordo); luego tetragrama y pentagrama con claves.
El Renacimiento musical: polifonía, madrigal y danza cortesana
Contrapunto imitativo a cuatro o cinco voces con textura homofónica en los puntos cadenciales; imitación libre y canon.
Escuela franco-flamenca: Dufay, Ockeghem, Josquin des Prez, Willaert; técnica de cantus firmus en misas y motetes.
Reforma y Contrarreforma: coral luterana (Ein feste Burg), Concilio de Trento (1562-63) y claridad textual en la misa; Palestrina como modelo.
Madrigal italiano: Pietro Bembo como fuente poética, madrigalismos o pintura musical; Monteverdi, Gesualdo, Marenzio; transición al estilo concertato.
Formas instrumentales: ricercare, fantasía, tocata, canzona y variaciones; tablaturas para laúd y vihuela (Milán, Narváez, Mudarra).
Danza cortesana: pavana y gallarda, passamezzo y saltarello, branle; recopilaciones de Attaingnant, Praetorius (Terpsichore, 1612) y Arbeau (Orchésographie, 1589).
Música inglesa: virginalistas (Byrd, Bull), madrigal inglés (Morley, Weelkes) y consort de violas.
Notación y edición: imprenta musical de Ottaviano Petrucci (1501), libro de partes y posterior partitura; afinación y transposición según modo.
El Barroco: ópera, oratorio, cantata y suite de danzas
Bajo continuo como fundamento armónico (clave, órgano, laúd, viola da gamba); bajo cifrado y realización del acompañamiento.
Ópera: nacimiento en la Camerata Fiorentina, Euridice (Peri, 1600), L'Orfeo (Monteverdi, 1607); aria da capo, recitativo secco y accompagnato.
Ópera francesa: tragédie lyrique de Lully (ouverture francesa, recitativo con notas iguales), y ópera seria napolitana (A. Scarlatti, Hasse) con da capo.
Oratorio: género dramático sin escena, con coro y texto bíblico; Handel, El Mesías (1741); Bach, Pasiones según san Juan y san Mateo.
Cantata: coral luterana con recitativos, arias y corales; ciclo de cantatas de Bach (h. 200 conservadas) y cantatas profanas.
Suite barroca: allemande, courante, sarabande, giga (núcleo), con preludio, minueto, bourrée, gavota y passepied opcionales; movimientos binarios con contraste.
Ritornello y forma de concierto: Vivaldi (Las cuatro estaciones, 1725), concerto grosso (Corelli, Handel) frente a concierto solista.
Fuga y formas contrapuntísticas: sujeto, respuesta, contra-sujeto, episodios; El clave bien temperado de Bach y el temperamento igual.
El Clasicismo: sonata, sinfonía, cuarteto y ballet clásico
Forma sonata: exposición (tema principal y secundario, puente), desarrollo (fragmentación y modulación), reexposición y coda; tonalidades en relación de quinta.
Estructura de la sinfonía clásica: I Allegro sonata, II Andante/Largo (ABA o variaciones), III Minueto y trío (o Scherzo), IV Finale (rondó o sonata).
Cuarteto de cuerda: dos violines, viola y violonchelo; Haydn como fundador (Op. 33, 1781), Mozart (dedicatorias a Haydn) y Beethoven (ciclo tardío).
Sonata para teclado: forma bipartita con reexposición en Scarlatti y C. P. E. Bach; luego forma sonata en Haydn, Mozart y Beethoven.
Concierto clásico: doble exposición, cadenza al final de la reexposición y ritornello orquestal; Mozart, 27 conciertos para piano.
Música de cámara y trío con piano; el piano forte sustituye al clave; orquesta con maderas por parejas, trompas y timbales.
Ballet clásico: ballet de acción (Noverre, Lettres sur la danse, 1760), pantomima, cinco posiciones codificadas y ballet d'école; Gluck reforma la ópera con danza integrada.
Beethoven como bisagra: ampliación de la forma, tercer tiempo como scherzo, introducción al finale de la Novena con coro y Oda a la alegría.
El Romanticismo y el nacionalismo musical: Lied, ópera y ballet romántico
Lied: canción con piano, forma estrófica o durchkomponiert; Schubert (más de 600), Schumann (Dichterliebe), Brahms, Wolf; ciclo de canciones como unidad poética.
Piano romántico: miniaturas (nocturno, balada, preludio, estudio, impromptu), forma libre; Chopin, Liszt (poema sinfónico, virtuosismo).
Ópera italiana: bel canto (Rossini, Bellini, Donizetti), Verdi (trilogía popular: Rigoletto, Il trovatore, La traviata) y verismo (Mascagni, Leoncavallo, Puccini).
Ópera alemana: Weber (Der Freischütz), Wagner y el drama musical con leitmotiv, cromatismo y Tristán e Isolda (1865); Gesamtkunstwerk.
Ballet romántico: La sílfide (1832, Taglioni, música de Schneitzhoeffer), Giselle (1841, Adam), tutú de puntas, ballet blanco y papel del corps de ballet; Coppélia y El lago de los cisnes (Tchaikovsky).
Nacionalismo: escuela rusa (Glinka, Grupo de los Cinco, Tchaikovsky), checa (Smetana, Dvořák), nórdica (Grieg, Sibelius) y española (Albéniz, Granados, Falla).
Poema sinfónico y música programática: Liszt, Smetana (Má vlast), Strauss; sinfonía programática de Berlioz (Symphonie fantastique, idée fixe).
Armonía y orquestación: cromatismo, acordes de séptima disminuida y novena, ampliación de la orquesta con tuba wagneriana, arpa y percusión.
Las vanguardias y la música del siglo XX: impresionismo, expresionismo, dodecafonismo y nuevas técnicas
Impresionismo: Debussy y Ravel; escalas pentatónica y de tonos enteros, acordes paralelos, color tímbrico y forma por bloques; Preludio a la siesta de un fauno (1894).
Expresionismo: Segunda Escuela de Viena (Schoenberg, Berg, Webern); atonalidad libre (Erwartung, 1909), Sprechgesang (Pierrot lunaire, 1912).
Dodecafonismo: serie de doce sonidos, forma original, inversión, retrogradación e inversión retrógrada; Schoenberg, Suite para piano op. 25 (1921-23).
Serialismo integral: Boulez (Structures), Stockhausen, Nono; serialización de duración, dinámica y timbre.
Nuevas técnicas: música concreta (Schaeffer), electrónica (Stockhausen, Estudio II), aleatoria (Cage, 4'33''), textura y micropolifonía (Ligeti), clusters (Penderecki).
Ritmo: polirritmia, cambios de compás (Stravinsky, La consagración de la primavera, 1913), ostinato y asimetría (Bartók, ritmos búlgaros).
Neoclasicismo y otros: Stravinsky (Pulcinella), Hindemith (Gebrauchsmusik), Shostakovich; música estadounidense (Ives, Copland, Gershwin).
Danza moderna: Isadora Duncan, Mary Wigman, Martha Graham; Ballets Rusos de Diaghilev con coreógrafos Fokine, Nijinsky, Massine y Balanchine.
La música y la danza en España: del canto medieval al folklore y la zarzuela
Canto medieval hispano: canto mozárabe (rito hispánico), Cantigas de Santa María de Alfonso X (más de 400, notación mensural, instrumentos en las miniaturas).
Polifonía renacentista: Cancionero de Palacio, Juan del Encina, Tomás Luis de Victoria (O magnum mysterium, Officium Hebdomadae Sanctae) y Cristóbal de Morales.
Siglo XVII: villancico barroco, tono humano, jácaras y zarabandas; Juan Hidalgo y la ópera Celos aun del aire matan (1660).
Zarzuela: origen en el Palacio de la Zarzuela (1657, El golpe de estado de Calderón); género chico del XIX (La verbena de la Paloma, Bretón) y zarzuela grande.
Siglo XIX: Barbieri, Arrieta, Chueca; guitarra y piano como vehículos del nacionalismo; Sociedad de Conciertos (1866).
Nacionalismo del XX: Falla (Noches en los jardines de España, El amor brujo, El sombrero de tres picos), Albéniz (Iberia), Granados (Goyescas), Turina, Rodrigo (Concierto de Aranjuez, 1939).
Folklore y danza: jota aragonesa (castañuelas, bandurria, laúd, guitarra, gaita de boto), sardana catalana, muñeira gallega, flamenco (palos: soleá, seguiriya, alegrías) y escuela bolera.
Instrumentos: guitarra española, vihuela, bandurria, dulzaina, txistu, gaita, castañuelas y cajón; tonadas y cancioneros recogidos por Pedrell.
Análisis auditivo y formal: reconocimiento de géneros, formas, texturas e instrumentación
Texturas: monofonía, homofonía (melodía acompañada o homorrítmica), polifonía imitativa y libre, heterofonía y textura de masas o clusters.
Formas binarias (AB, con o sin reexposición), ternarias (ABA, da capo), rondó (ABACADA), variación (ostinato, tema con variaciones) y forma sonata.
Géneros por plantilla: cuarteto de cuerda, trío con piano, sinfonía, concierto, sonata, suite, poema sinfónico, ópera, oratorio, cantata, Lied y madrigal.
Indicios tímbricos: continuo con clave y cuerda barroca (arco convexo, vibrato escaso); orquesta clásica con maderas por parejas; orquesta romántica ampliada con trombones y tuba.
Indicios armónicos: bajo cifrado y cadencias barrocas, periodos simétricos clásicos, cromatismo wagneriano, atonalidad y series en el siglo XX.
Indicios rítmicos de danza: compás ternario de la courante y la sarabande (acento en el segundo tiempo), binario de la giga, compás 6/8 de la tarantela y la jota.
Procedimiento de escucha: identificar plantilla, textura, tempo y compás; localizar cadencias y temas; asignar forma; verificar con el estilo y la época.
Errores frecuentes: confundir oratorio con ópera (sin escena ni vestuario), cantata con sonata, y rondó con forma ternaria; el minueto clásico es ternario con trío.