Galicia PAU History of Music and Dance / Historia de la Música y de la Danza 2º Bachillerato CIUG cheat sheet
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La música en la Antigüedad y la Edad Media
Grecia: la música se concebía como parte de la educación (paideia); el ethos de los modos (dorio, frigio, lidio) se asociaba a efectos morales sobre el oyente.
Pitágoras y la escuela pitagórica: las consonancias se explican por razones numéricas simples (octava 2:1, quinta 3:2, cuarta 4:3); la música es reflejo del orden cósmico (harmonía).
Canto gregoriano: monodia vocal litúrgica en latín, sin acompañamiento instrumental, de ritmo libre no medido, transmisión oral; se organiza en los ocho modos eclesiásticos.
La notación musical evoluciona: neumas (siglos IX-X) → notación cuadrada sobre tetragrama (Guido d'Arezzo, siglo XI) → pentagrama y figuras mensurales en el Ars Nova (siglo XIV).
Ars Antiqua (siglos XII-XIII): polifonía primitiva en la Escuela de Notre Dame; organum (paralelo, libre, melismático), conductus y motete primitivo; Leonin y Perotin.
Ars Nova (siglo XIV): Philippe de Vitry y Guillaume de Machaut; nuevas figuras (mínima), mensuración más precisa, motete isorrítmico y formas profanas como el rondeau, virelai y ballade.
Formas del canto monódico profano medieval: cansó de los trovadores (langue d'oc), chanson de trouvères (langue d'oïl), Minnesang alemán, cantiga galaico-portuguesa (Alfonso X el Sabio).
La danza medieval: danzas populares en cadena o rueda (carola, danza de la muerte) frente a danzas cortesanas con coreografía fija; el baile se asocia a fiestas y celebraciones religiosas y profanas.
El Renacimiento musical
Cronología orientativa: 1450-1600; paso de la polifonía medieval a la textura imitativa a cuatro o más voces, con la música vocal como género principal.
Escuela franco-flamenca: Dufay, Ockeghem, Josquin des Prez; desarrollo del motete y de la misa cíclica (cantus firmus, parodia, paráfrasis).
Formas religiosas: misa, motete, y en la Reforma el coral luterano; en la Contrarreforma, la misa y el motete de Palestrina como modelo de claridad contrapuntística.
Formas profanas: madrigal italiano (texto poético, madrigalismos o pintura musical), chanson francesa, villancico español, frottola, lied alemán.
La imprenta musical (Ottaviano Petrucci, 1501) multiplica la difusión de repertorio y favorece la música instrumental independiente.
Música instrumental renacentista: danzas (pavana, gallarda), ricercare, fantasía, tocata, variaciones; instrumentos como la vihuela, el laúd, el órgano y el clave.
Teoría y notación: se consolida la notación mensural blanca; los tratadistas (Zarlino) sistematizan el contrapunto y los modos.
En España: Tomás Luis de Victoria (misa, motete, Officium Defunctorum), Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero; gran desarrollo del villancico y de la música instrumental para vihuela (Narváez, Milán).
El Barroco musical
Cronología orientativa: 1600-1750; rasgos: bajo continuo, monodia acompañada, tonalidad en formación, textura concertante y uso expresivo de la disonancia.
Nacimiento de la ópera: Camerata Florentina; 'Euridice' de Peri (1600) y 'L'Orfeo' de Monteverdi (1607); aria, recitativo, coro y obertura.
Formas vocales profanas: ópera seria, ópera bufa, cantata, oratorio y pasión; formas religiosas: misa, motete y coral.
Formas instrumentales: fuga, preludio, tocata, suite de danzas (allemande, courante, sarabande, gigue), concerto grosso y concierto solista, sonata da chiesa y da camera.
El concierto barroco: alternancia tutti-solo (concerto grosso) o diálogo solista-orquesta (concierto solista); Vivaldi fija el modelo en tres movimientos rápido-lento-rápido.
Bajo continuo: línea de bajo cifrada interpretada por instrumento armónico (clave, órgano, laúd) más instrumento melódico grave (violonchelo, fagot); sostiene toda la textura.
Grandes centros y compositores: Italia (Monteverdi, Vivaldi, Scarlatti), Francia (Lully, Rameau, Couperin), Alemania (Bach, Händel, Telemann), Inglaterra (Purcell, Händel).
En España: música escénica (zarzuela) y órgano; Domenico Scarlatti y Antonio Soler en la corte española; el villancico barroco alcanza gran desarrollo.
La danza barroca: danza cortesana francesa (ballet de cour) que codifica pasos y posiciones; Lully colabora con Beauchamp en la Academie Royale de Danse (1661).
El Clasicismo musical
Cronología orientativa: 1750-1820; estilo galante y Empfindsamkeit como antecedentes; equilibrio formal, claridad melódica y textura de melodía acompañada.
Forma sonata: exposición (tema A y B en tonalidades contrastantes), desarrollo (elaboración y modulación) y reexposición (retorno en la tónica); base de sonata, sinfonía, cuarteto y concierto.
Formas clásicas: sonata, trío, cuarteto de cuerda, sinfonía, concierto solista y ópera; la sinfonía se consolida en cuatro movimientos (rápido-lento-minué-rápido).
La orquesta clásica: cuerdas como base, maderas por parejas, metales (trompa y trompeta) y timbales; el bajo continuo desaparece progresivamente.
Haydn: más de 100 sinfonías, cuartetos de cuerda y oratorios ('La creación'); fija el cuarteto y la forma sonata en la práctica.
Mozart: sinfonías (nº 40, 41 'Júpiter'), conciertos para piano, óperas ('Las bodas de Fígaro', 'Don Giovanni', 'La flauta mágica'), música de cámara y réquiem.
Beethoven: puente hacia el Romanticismo; amplía la forma sonata y la sinfonía (nº 3 'Eroica', nº 5, nº 9 con coro), los cuartetos tardíos y la sonata para piano.
La danza clásica: el ballet pantomima y el ballet de acción; Noverre reforma el ballet ('Cartas sobre la danza', 1760) y se consolida el ballet clásico en las cortes europeas.
El Romanticismo musical y el nacionalismo
Cronología orientativa: 1820-1900 (con proyección posterior); subjetividad, expresividad intensa, libertad formal y ampliación de la armonía y de la orquesta.
Formas breves para piano: nocturno, balada, impromptu, estudio, preludio, vals y mazurca; Chopin, Schumann, Liszt, Brahms.
El lied: canción para voz y piano que une poesía y música; Schubert (más de 600 lieder), Schumann y Brahms; ciclos como 'Viaje de invierno'.
Música programática y poema sinfónico: Berlioz ('Sinfonía fantástica'), Liszt (poema sinfónico), Mendelssohn; la sinfonía romántica se amplía (Bruckner, Mahler).
Ópera romántica: italiana (Rossini, Bellini, Donizetti, Verdi), francesa (grand opéra, opéra comique, Bizet), alemana (Weber, Wagner con el drama musical y la melodía infinita).
Nacionalismo musical: uso de folclore, escalas y ritmos populares, temas históricos o legendarios; Rusia (Grupo de los Cinco, Chaikovski), Chequia (Smetana, Dvořák), Noruega (Grieg), España (Albéniz, Granados, Falla).
La danza romántica: el ballet romántico ('La sílfide', 1832; 'Giselle', 1841) con tutú y danza sobre puntas; el vals vienés de Strauss y la polca se popularizan en salones y teatros.
En Galicia: el movimiento coral y la recuperación del folclore; la muñeira y la danza gallega se integran en el repertorio culto y en la música escénica.
La música de los siglos XX y XXI y la danza
Ruptura con la tonalidad: atonalidad libre (Schoenberg, 'Pierrot Lunaire'), dodecafonismo (método de los doce sonidos) y serialismo integral (Boulez, Stockhausen).
Neoclasicismo y eclecticismo: Stravinski ('La consagración de la primavera', 'Pulcinella'), Hindemith, Bartók (folclore y ritmos irregulares).
Impressionismo musical: Debussy y Ravel; escalas modales y pentatónicas, timbres orquestales y armonía no funcional.
Vanguardias de posguerra: música concreta (Schaeffer), electrónica (Stockhausen), aleatoria (Cage), minimalismo (Reich, Glass) y espectralismo (Grisey, Murail).
Nuevas grafías y recursos: notación proporcional o gráfica, micropolifonía (Ligeti), técnicas extendidas en instrumentos y voz, música por ordenador.
La danza en el siglo XX: ballet ruso (Diaghilev, Nijinsky, Balanchine), danza moderna (Duncan, Graham, Humphrey) y danza contemporánea (Cunningham, Pina Bausch).
Música y danza en España: Falla ('El amor brujo', 'El sombrero de tres picos'), Albéniz, Granados; la danza española (flamenco, escuela bolera) se proyecta internacionalmente.
En Galicia: recuperación del folclore (muñeira, xota, danza de espadas), canción de autor y música contemporánea; la danza gallega se estudia como patrimonio etnográfico.