Galicia PAU History of Music and Dance / Historia de la Música y de la Danza 2º Bachillerato CIUG common mistakes
Galicia PAU History of Music and Dance / Historia de la Música y de la Danza 2º Bachillerato CIUG · Understand the traps and how to avoid them.
Al comentar una obra medieval, el alumno describe el estilo general de la época (monodia religiosa, canto gregoriano, organum) sin identificar el género, la textura y la función concreta de la pieza propuesta, y sin situarla en su contexto litúrgico o cortesano.
Se memorizan rasgos de periodo como listas cerradas y se practica poco el comentario aplicado; el temario se estudia por bloques cronológicos y no con obras-modelo, de modo que el alumno reconoce la etiqueta pero no sabe justificarla con elementos de la partitura o del texto.
What to do instead
Trabajar con una plantilla fija de comentario (género y función, texto y lengua, textura, ritmo y notación, plantilla vocal o instrumental, contexto) y aplicarla a un repertorio mínimo de obras representativas de cada género: canto gregoriano, tropo, secuencia, organum, motete, conductus, cantiga, madrigal trecentista. Redactar en clase comentarios de 150-200 palabras cronometrados y corregirlos con la rúbrica de la CIUG.
Confundir Ars Antiqua y Ars Nova, o atribuir a la Edad Media rasgos que son renacentistas (textura homofónica a cuatro voces, bajo continuo, madrigal de cinco voces), y fechar mal a los autores (Machaut, Vitry, Landini, Dufay).
Los nombres latinos y las etiquetas de 'ars' se aprenden como pares sin anclaje cronológico, y los manuales condensan dos siglos en una página; además el alumno no maneja un eje temporal propio donde colocar autores, tratados y técnicas.
What to do instead
Construir una línea de tiempo personal con fechas clave (Ars Nova hacia 1320 con el tratado de Vitry, Machaut m. 1377, Dufay 1397-1474) y asociar cada técnica a su tratado o testimonio: isorritmia, notación mensural, división binaria frente a ternaria, cadencia de Landini. Contrastar explícitamente pares de obras de uno y otro periodo en una tabla de rasgos.
Explicar el Renacimiento como 'la época de la polifonía' sin distinguir las escuelas y géneros: misa y motete franco-flamencos, madrigal italiano, chanson, villancico y ensalada españoles, y sin relacionar la impresión musical y el mecenazgo con la difusión del repertorio.
El alumno estudia el Renacimiento como un bloque homogéneo y no como un conjunto de tradiciones locales con géneros y funciones distintas; la falta de práctica comparativa hace que todo suene igual.
What to do instead
Organizar el estudio por género y por centro de producción (Flandes, Roma, Venecia, España, Inglaterra), con una obra ancla por casilla y sus rasgos técnicos: imitación, cantus firmus, parodia, cromatismo madrigalístico, policoralidad veneciana. Practicar preguntas de comparación ('qué diferencia un motete de Palestrina de uno de Victoria') con tres o cuatro criterios concretos.
En el comentario de una obra renacentista, el alumno no distingue entre textura imitativa y homofónica, no señala la relación entre texto y música (madrigalismos, declamación) y no identifica la plantilla vocal ni la posible duplicación instrumental.
Se estudian los rasgos de forma memorística sin escuchar ni leer la partitura; el comentario se convierte en una paráfrasis del título y del autor, sin análisis de elementos sonoros verificables.
What to do instead
Entrenar el análisis auditivo con fragmentos cortos: localizar entradas del sujeto, señalar el punto imitativo, marcar cadencias y describir cómo la música ilustra palabras concretas. Exigir en cada comentario al menos tres referencias técnicas localizadas (compás, voz, palabra) antes de pasar al contexto histórico.
Reducir el Barroco al binomio 'bajo continuo y ornamentación' y no diferenciar los géneros vocales e instrumentales ni los estilos nacionales: ópera seria y buffa, cantata, oratorio, concerto grosso frente a solista, suite, fuga, sonata da chiesa y da camera.
El temario barroco es muy amplio y el alumno lo resume en dos o tres eslóganes; al no haber trabajado la función de cada género (litúrgica, cortesana, teatral, de concierto público), no puede justificar por qué una obra suena como suena.
What to do instead
Elaborar una tabla de doble entrada género-función con una obra modelo por celda y sus rasgos: número de movimientos, plantilla, textura, ritmo, papel del continuo, forma (ritornello, da capo, fuga). Añadir una columna de país y época para fijar la cronología y practicar la identificación de género a partir de una descripción escrita.
Confundir formas y procedimientos del Clasicismo: llamar 'sonata' a cualquier obra instrumental, no distinguir forma sonata, tema con variaciones, rondó y minueto, y atribuir a Haydn, Mozart y Beethoven rasgos intercambiables sin justificar la adscripción estilística.
La forma sonata se explica de forma abstracta (exposición, desarrollo, reexposición) sin escucharla ni localizarla en partituras reales, y los tres autores se estudian como una lista de obras sin criterios de comparación.
What to do instead
Analizar la forma sobre partituras y grabaciones breves, marcando temas, tonalidades y secciones con tiempos aproximados. Comparar un mismo género (sinfonía, cuarteto, concierto) en los tres autores con criterios concretos: orquestación, tratamiento del desarrollo, cromatismo, dinámica, humor. Redactar conclusiones de dos o tres líneas por criterio.
Describir el Romanticismo con adjetivos ('expresivo', 'apasionado', 'libre') sin nombrar procedimientos verificables: ampliación de la armonía y del cromatismo, nuevas formas (poema sinfónico, lied, ópera wagneriana, música programática), transformación temática, ampliación de la orquesta y del piano.
El alumno confunde comentario histórico con impresiones personales y carece de vocabulario técnico para describir lo que oye; además los manuales presentan el periodo con un relato de 'liberación del artista' que invita a la vaguedad.
What to do instead
Sustituir adjetivos por categorías analíticas en cada comentario: armonía (tonalidad ampliada, cromatismo, enarmonía), forma (lied estrófico o compuesto, poema sinfónico, leitmotiv), textura, plantilla y relación música-texto o música-programa. Practicar la descripción de un fragmento sin usar ninguna palabra valorativa.
Tratar el nacionalismo como un apéndice folclórico y no explicar cómo se integra el material popular en la obra culta (ritmos, escalas modales, instrumentación, formas de danza), ni situar a los compositores gallegos y españoles en su contexto.
El temario suele llegar al siglo XX con el tiempo justo y el nacionalismo se despacha con nombres y títulos; falta práctica de análisis de cómo un ritmo o una escala folclórica se transforma en material sinfónico.
What to do instead
Elegir dos o tres obras y localizar en ellas el material popular citado o transformado: tipo de danza y compás, giro melódico, escala, instrumento imitado. Relacionar después con el contexto (recopilaciones, sociedades musicales, recepción). Incluir ejemplos de la música gallega y española con datos verificables y no solo nombres.
En el siglo XX, el alumno aplica categorías tonales a obras que no lo son (hablar de 'acordes' y 'tonalidades' en Webern o de 'melodía acompañada' en el serialismo) y no distingue procedimientos: atonalidad libre, dodecafonismo, serialismo integral, politonalidad, impresionismo, neoclasicismo, aleatoriedad, música concreta y electrónica.
Los conceptos se estudian de forma nominal, sin audición ni partitura, y el vocabulario analítico aprendido en cursos anteriores no se actualiza; el alumno rellena el comentario con lo que ya sabe aunque no encaje.
What to do instead
Construir un glosario operativo de una línea por procedimiento, con un ejemplo sonoro y un rasgo identificable de oído (pérdida de jerarquía tonal, series, texturas de masas, ruido, cinta). Practicar comentarios de fragmentos breves pidiendo solo dos o tres rasgos comprobables antes de emitir juicios de estilo.
Al comentar una danza, el alumno describe la música o el argumento del ballet pero no analiza el movimiento: forma coreográfica, relación música-paso, tipo de danza (corte, social, escénica), notación y fuentes, contexto social o teatral.
La danza se percibe como contenido 'teórico' secundario y se estudia con listas de títulos; sin vocabulario de análisis del movimiento ni de fuentes (notaciones, tratados de danza, grabados) el comentario se queda en la música o en el libreto.
What to do instead
Fijar una plantilla específica de danza: tipo y función, música y compás, estructura coreográfica, relación entre frase musical y frase de movimiento, fuentes y transmisión, contexto de representación. Aplicarla a un mínimo de casos que cubran danza medieval y renacentista, ballet de corte y ballet romántico, y danza moderna y contemporánea.